Veinte años de odio: por qué 'La Haine' es más oportuno que nunca


Hace veinte años, hoy, 9 de febrero, 'La Haine' de Mathieu Kassovitz se estrenó en teatros selectos y comenzó su despliegue teatral en Estados Unidos. La película ya era una sensación internacional en este punto, ya que había enviado ondas de choque a través del Festival de Cine de Cannes de 1995, donde recibió una ovación prolongada y el premio al Mejor Director, pero nada podría haber preparado al público nacional para la fuerza política y social de la película que golpea como una bola de demolición visceral.





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Protagonizada por Hubert Koundé, Saïd Taghmaoui y Vincent Cassel (en su actuación destacada), 'La Haine' se desarrolla durante 19 horas consecutivas en la vida de tres adultos jóvenes que viven en proyectos franceses multiétnicos y empobrecidos. Muy lejos de la ciudad dorada del amor que normalmente vemos en la pantalla grande, 'La Haine' captura el realismo urbano de su escenario a través de una cinematografía en blanco y negro, siguiendo a estos jóvenes mientras se esfuerzan por sobrevivir y mantener a sus familias. entre la creciente tensión racial y social de la policía y los puristas franceses.



En los 20 años transcurridos desde el lanzamiento de la película en Estados Unidos, 'La Haine' ha seguido siendo uno de los títulos extranjeros más abrasadores de todos los tiempos. Para celebrar su aniversario, Indiewire reflexiona sobre cómo la película sigue siendo relevante dos décadas después.



Dice tanto sobre el presente como sobre el pasado.

Una historia de disturbios sociales, 'La Haine' demuestra que tiene una doble visión, que refleja el pasado mientras anticipa el futuro. Las historias de Makome M ’; Bowole y Malik Oussekine, víctimas de la brutalidad policial, inspiraron a Kassovitz a escribir el guión y centrarse en el choque entre la fuerza policial francesa y la juventud de la banlieue. El banlieue se refiere a las zonas suburbanas que rodean las ciudades francesas, lo que equivale a lo que Estados Unidos considera 'proyectos de vivienda'. La película confronta la alienación y el encierro de los jóvenes marginados del banleieu.

De forma similar a la metáfora de Spike Lee sobre el aumento de las temperaturas en 'Do the Right Thing', los personajes de 'La Haine' solo pueden manejar tanto calor hasta que se los lleva al límite. Recurriendo a la violencia, los disturbios urbanos son impulsados ​​por la supervivencia tanto como por la protesta. La película no es subjetiva a su período de tiempo ni a su situación social y política, sino universal en su contexto. Teniendo en cuenta que las recientes protestas giraron en torno a incidentes de brutalidad policial en Estados Unidos, la película es más relevante ahora que nunca. La premisa es atemporal y sin fronteras porque da voz a aquellos que son silenciados cuando necesitan desesperadamente ser escuchados.

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Muestra el poder de los medios.

'La Haine' demuestra cuán extenso puede ser el poder de los medios. En la película, los medios de comunicación son tendenciosos, retratar a los jóvenes como amenazantes y no darse cuenta de su estigmatización solo contribuye al ciclo de retroalimentación negativa, en el que la falta de representación legítima de los jóvenes dificulta aún más su acceso a las oportunidades. En una escena, los periodistas intentan interrogar a Hubert, Vinz y Said sobre los disturbios de la noche anterior. Kassovitz enmarca su pantalla dentro de una pantalla cuando los niños observan una pared hecha de pantallas de televisión, atrapándolos en la proporción de medios en caja. El anuncio de la transmisión de noticias, que confirma la muerte de su amigo, interrumpe un montaje de imágenes de guerra de Bosnia. La exposición diaria a un contenido tan brutal normaliza y legitima la violencia en sus ojos. En consecuencia, actúan en contra de la intuición, utilizando la violencia como catalizador del cambio social. Irónicamente, la película en sí fue un ejemplo del poder de los medios de comunicación, ya que provocó los disturbios de Noisy-la-Grand solo unos días después de su lanzamiento en Francia.

Utiliza imágenes de archivo para contextualizar su atemporalidad.

La película comienza con auténticas imágenes de archivo de disturbios urbanos. Abrir una película narrativa con un carrete documental es una forma inteligente de emanar una sensación de realismo y construir un telón de fondo histórico y político. Los éxitos recientes como 'Argo' y 'Leche' han utilizado una estrategia similar. A partir de las imágenes, la película se corta en un cóctel molotov en espiral hacia una imagen satelital del planeta tierra. Al adaptar la moda a la historia de una sociedad en caída, la pantalla se enciende por la explosión antes de recortar el material de archivo. Establecidos en 'Burnin’ and Lootin 'de Bob Marley, los clips muestran a los alborotadores y la policía preparándose como si dos ejércitos se alinearan para la batalla. El uso de imágenes de archivo es una técnica valiosa porque establece inmediatamente el tono y contextualiza la historia de ficción con realidades sociales.

Kassovitz hizo avances técnicos como cineasta a través de tomas intertextuales e innovadoras.

Kassovitz demuestra que es un maestro del oficio con su impresionante trabajo de cámara en 'La Haine'. Sus maniobras técnicas requieren mucha atención o uno puede ser engañado como si fuera un truco de magia. Sus técnicas innovadoras, como la de la secuencia aérea, son recomendables. Desde el DJ en el tocadiscos, la cámara flota lejos de la ventana y alrededor del banleieu. Con un innovador dispositivo tipo dron, Kassovitz ofrece al público nuevos puntos de vista con la vista panorámica de los suburbios. Agrega intertexto a través de referencias a tomas específicas de otras películas famosas. En el espejo, Vinz (Cassel) contornea su mano en forma de pistola y señala su reflejo, imitando a un compañero habitante de las sombras de la sociedad, Travis Bickle (Robert De Niro), de 'Taxi Driver'.

La cámara comienza detrás de Vinz, se mueve hacia él y luego sobre él mientras escupe en el fregadero. Sin tener que cortar, se transforma en una toma POV, pero ¿cómo hace Kassovitz sin capturar accidentalmente al camarógrafo en el espejo? Lo creas o no, Kassovitz no usa un espejo. Utiliza dos actores, un cuerpo doble con la espalda vuelta y un marco abierto con Cassel en el otro lado para crear la ilusión del espejo, lo que le permite capturar el disparo en un movimiento de continuación. En otra toma de cuando los niños llegaron por primera vez al centro de París, Kassovitz recrea una toma del 'Vértigo' de Hitchcock moviendo la cámara hacia adelante sobre una plataforma rodante mientras se aleja al mismo ritmo. El zoom del carro crea una sensación desorientadora como la del vértigo real para reflejar la incomodidad física del trío en el extraño entorno nuevo.

Trasciende la noción de identidad francesa.

La película es una historia no convencional de la mayoría de edad, pero también es una exploración de la identidad francesa moderna debido a cómo la amistad de Said, Vinz y Hubert es un crisol cultural que desafía la pureza de la vieja imagen francesa. La dinámica multiétnica refleja la realidad de Francia en ese momento, intercambiando los colores nacionales de la antigua Francia, bleu-blanc-rouge (azul-blanco-rojo), por los colores de la nueva Francia, black-blanc-bleur ( 'Negro-blanco-árabe'). Kassovitz expone irónicamente la lógica defectuosa detrás de la definición relativa de solidaridad social de Francia. No son las diferencias en la raza, sino en la cultura lo que las difunde públicamente como 'otros' e impulsa su mal trato. Después de la descolonización, el banleieu fue una solución de vivienda política para compensar la afluencia de inmigrantes. Cada niño representa una ubicación y cultura diferente: Hubert tiene raíces caribeñas, Said is beur, un término coloquial para los franceses con abuelos descendientes del norte de África, y Vinz representa a los judíos de Europa del Este. Similar a la doble visión de la película, el contexto histórico de sus diversas identidades étnicas desdibuja la línea entre el presente y el pasado, cuestionando si son tratados como ciudadanos o sujetos coloniales.

La película revela la importancia de la ubicación geográfica / topográfica.

Tanto en forma como en contenido, Kassovitz enfatiza las relaciones espaciales entre los personajes y su entorno. Su uso si la ubicación y la movilidad exploran el confinamiento de grupos empobrecidos en corredores urbanos específicos y recuerda películas estadounidenses como 'Boyz n the Hood' y 'Menace II Society'. 'Boyz' se abre con una toma de fotograma completo de una señal de stop, mientras que, en 'Amenaza', una farola se vuelve roja en el momento oportuno. Exploran no solo la falta literal de transporte sino también los imponentes límites institucionales que conducen al encierro y la inmovilidad social.

En 'La Haine', los personajes llegan a donde quieren ir, pero la hierba no es más verde al otro lado de las pistas. La mitad de la película se desarrolla en los suburbios y la otra mitad se desarrolla en el centro cosmopolita de París. A pesar de estar a solo un viaje en tren, ir de un lugar a otro es como ingresar a otro universo. Kassovitz abarca visualmente la relación de los personajes con el medio ambiente. En las escenas de banlieue, que tienen lugar durante el día, Kassovitz usa lentes cortos y tomas largas para emitir comodidad y una sensación de cercanía entre las personas y el medio ambiente. Por el contrario, las escenas de París retratan al trío como pez fuera del agua. La oscuridad de la noche se basa en el uso que hace el director de lentes largos y tomas cortas para crear una estética angustiada que aleja a los niños del paisaje.

Representa cómo la cultura pop encuentra sus raíces en la anarquía juvenil.

En la secuencia aérea, la canción que toca el DJ es una combinación de NTM's “; Nique la police ”; y 'Je ne lamentaba rien' de Edith Piaf, destacando la inmensa brecha entre las generaciones de personas de la clase trabajadora. La cámara viaja por el aire como ondas de sonido musicales, haciendo eco del movimiento estadounidense de hip-hop. Con el movimiento de una nube en el cielo, la cámara imita el movimiento de la cultura pop, ya que se extiende por todo el mundo y populariza el estilo de vida de los gángsters, glorificado en las letras. De acuerdo con la referencia 'Taxi Driver', Vinz hace referencia a MacGyver para justificar el cableado de un automóvil. Vinz es un subproducto de la interpretación peligrosa. No solo imita a las estrellas de cine en su comportamiento, sino que también lo hace invocando sus actos de subversión. La ropa, la música, incluida la inolvidable escena del break dance, e incluso el lenguaje contribuyen a la representación de la cultura pop juvenil. El lenguaje vibrante se conoce como 'verlan', una forma revivida del argot negro de 1970, en el que las sílabas se invierten ('té-ci' en lugar de 'ci-té'). La película no es solo una crítica de las instituciones que alienan a los jóvenes de la banlieue, sino también una crítica de la cultura pop que influye en los jóvenes para que confíen en una cultura de armas violentas como solución.

Los elementos del surrealismo son esenciales.

'La Haine' es dialéctica, combina los estilos opuestos de surrealismo y realismo para mejorar el significado y el impacto de la película. Dado que la premisa no se explica fácilmente, Kassovitz unifica elementos temáticos contrastantes porque dicen más como un paquete que individualmente. El realismo le da a la película su telón de fondo, mientras que el surrealismo y los momentos de comedia oscura generan el ritmo vivo y el valor del entretenimiento. El surrealismo es intrínsecamente autorreflexivo debido a su descaro, pero se juega a favor de la película, usando la fantasía para revelar una verdad sobre la realidad que es tan difícil de ver.

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Por ejemplo, aunque parecen fuera de lugar, los rostros gigantes de los dos poetas famosos, Rimbaud y Baudelaire, que están pintados a los lados de los edificios, ayudan a construir la idea de la vigilancia cultural. Los momentos surrealistas, como que Vinz vea una vaca al azar, enfatizan su condición de soñador. Fantasea con asesinar a un policía, pero el final demuestra irónicamente que vive no en un sueño sino en una pesadilla perpetua.

Termina con el disparo escuchado alrededor del banlieue.

En el espíritu de cineastas como Spike Lee, Kassovitz crea escenarios incómodos no para dar una respuesta a los espectadores, sino para inspirarlos a hacer más preguntas. Al final de la película, la explosión de la bomba de tiempo hará que saltes de tu asiento. Vinz finalmente abandona la fantasía del gángster y toma una decisión responsable al entregar el arma a Hubert. Sin embargo, un grupo de policías que buscan venganza los detiene y sujeta a Vinz contra el auto. El oficial apunta el arma a su cabeza y accidentalmente aprieta el gatillo. El disparo congela a la multitud cuando Vinz cae al concreto. Hubert corre a la escena y saca el arma. Es un punto muerto; Hubert y el policía apuntan sus armas el uno al otro como un duelo a la antigua. La pantalla se oscurece y se escucha un disparo.

La película termina con esta nota abierta, sin revelar nunca quién vive o quién muere. Kassovitz no representa quién es el héroe ni quién es el villano. La sociedad aprieta el gatillo y todos se sienten en parte culpables. Es un momento final que garantiza que la película vivirá durante siglos.



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