'Orlando' de Sally Potter es una saga que desafía el género y que aún se mantiene

“Orlando”



Este artículo se publicó originalmente en 2010, cuando se volvió a publicar 'Orlando'.

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Décadas después de su estreno teatral inicial, 'Orlando' tiene todo su encanto original intacto, y algo más. La adaptación singularmente extraña de Sally Potter de la novela de 1928 de Virginia Woolf ha crecido en estatura, principalmente debido al estrellato global de su versátil protagonista, Tilda Swinton. Potter rechaza audazmente las perspectivas de tratar de hacer que Swinton parezca convencionalmente masculino, permitiendo que la actuación trascienda las categorías de género para convertirse en una aguda meditación sobre la identidad.



Como poeta titular con la inexplicable capacidad de vivir 400 años (primero como hombre, luego como mujer), Swinton aprovecha una apariencia andrógina que continúa desempeñando un papel (aunque en grados más sutiles) en su último trabajo. Con sus actuaciones recientes como 'Burn After Reading' y 'I Am Love', Swinton es asertivamente femenina en el mundo de un hombre. Pero 'Michael Clayton' le permitió interpretar a un villano helado prácticamente sin cualidades femeninas. Ahora, el talento evidente de Swinton se ha convertido en una especie de fijación elegante para el público que va al cine. 'Una cosa que todos se dan cuenta acerca de Swinton [es] que ella puede' verse 'como tantas cosas', observa un comentarista entusiasta en un clip de Swinton publicado en YouTube. 'Como resultado, está destinada a desempeñar tantos tipos diferentes de roles como sea posible, si el destino lo permite'.



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Pero el cambio de marcha de un proyecto a otro no demuestra nada como la flexibilidad de exhibición de una escena a otra en 'Orlando'. Mientras Potter rastrea al personaje desde las limitaciones sociales de la sociedad inglesa en el siglo XVII hasta los tiempos modernos, el único factor consistente es el de Orlando expresión de pez fuera del agua.

Con la cinematografía evocadora de Aleksei Rodionov creando una sensación de libro de cuentos, la rápida navegación de épocas de Potter se siente a la vez épica y contenida. La estructura basada en viñetas conduce a una película de momentos en lugar de cualquier tipo de ritmo narrativo convencional. Mientras que David Fincher usó CGI para hacer que Brad Pitt envejeciera hacia atrás en 'El curioso caso de Benjamin Button' y Todd Haynes convirtió a Cate Blanchett en Bob Dylan en 'I'm Not There', Potter simplemente coloca a Swinton como Swinton en una variedad de contextos y permite que las diversas yuxtaposiciones expresen mucho sobre los roles de género a lo largo de la historia. El resultado es una antinarrativa radical que resiste los atajos emocionales convencionales.

Con las intensas expresiones de Swinton en un primer plano constante, la película se reproduce como la tesis de Potter sobre las relaciones hombre-mujer, Orlando encarna ambas, una construcción que construye antes de hacer posible que su estrella la trascienda delicadamente. Aunque ninguno de los seguimientos de Potter ha apuntado a las mismas declaraciones conceptuales amplias ('Rage', que incluye a Jude Law como una celebridad pomposa en plena lucha, se acerca más), continúa estudiando a mujeres obligadas a cumplir con las demandas de El mundo a su alrededor. En 'El hombre que lloró', Christina Ricci persigue a Johnny Depp como si su vida dependiera de ello. (Informada de que debe encontrar a un hombre rico para llevarla de Italia a América, su personaje probablemente cree que sí). Potter misma, como la estrella de 'The Tango Lesson', cae presa del hechizo del erótico hombre-mujer del baile. Poder dinámico.

La subsistencia de Potter como cineasta profundamente personal fue predicha por el crítico del New York Times, Vincent Canby, en el lanzamiento inicial de 'Orlando'. Canby escribió que la película 'bien podría convertirse en un clásico de un tipo muy especial, quizás no convencional, sino un modelo para cineastas independientes que siguen sus propias musas irracionales, a veces a la oscuridad sin llorar, a veces a la gloria '.

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El único aspecto 'irracional' de 'Orlando' reside en sus elementos básicos de fantasía. Todo lo demás tiene un propósito claro, un enfoque implacablemente inteligente para revitalizar la naturaleza típicamente austera de la pieza de época. Quentin Crisp, como una pomposa reina Isabel I, establece el tono inicial al retratar a una mujer mayor sin virar en parodia abierta ('una vieja reina interpretada por, bueno, una vieja reina', como lo describe Ken Hanke en Mountain Xpress). El humor inexpresivo proviene de las reacciones constantes a la trayectoria poco probable de Orlando, pero su estado actual solo provoca contemplación. Rodeada de escritores británicos en su siglo inicial como mujer, Orlando enfrenta la desigualdad por primera vez: 'Las mujeres no tienen deseos', le dice un hombre. “Solo afectaciones”.

¿La vida mejora para Orlando? Si y no. La obliga a la oscuridad un gobierno británico que se niega a dejarla quedarse con su tierra y determina que debe estar legalmente muerta. Pero ella vive hasta el siglo XX, donde puede caminar en pantalones y andar en motocicleta sin provocar miradas de desaprobación. Su experiencia mejora con el tiempo, pero la noción misma de extravagancia en la trama de 'Orlando' implica a todos los espectadores en la tendencia universal de juzgar a los demás en función de su apariencia. Cuando el personaje permanece desnudo frente a un espejo, evaluando cuidadosamente su nuevo cuerpo femenino, desata la frase más famosa de la película: 'No hay ninguna diferencia', dice. 'Solo sexo diferente'. Pero la larga mirada final de Orlando a la cámara se siente como una acusación, o al menos un desafío para retener el juicio que sigue siendo potente hasta el día de hoy.



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