Las películas de Rainer Werner Fassbinder: una retrospectiva

'Me gustaría ser para el cine lo que Shakespeare fue para el teatro, Marx para la política y Freud para la psicología: alguien después de quien nada es como solía ser, y rdquo; Director alemán Rainer Werner Fassbinder una vez declarado, probablemente medio serio, medio gracioso.



Fassbinder murió en 1982, a la edad de 37 años, de una combinación letal de analgésicos y grandes cantidades de cocaína. La leyenda dice que estaba trabajando hasta el momento de su muerte, y páginas y notas de un guión sin filmar se encontraron al lado de su cuerpo. En el caso de cualquier otra persona, esto podría ser un mito, pero el catálogo de Fassbinder demuestra que fue un hombre constantemente, constantemente en el trabajo: en el transcurso de su corta vida, como si tuviera hemorragias emocionales e ideas, el cineasta súper prolífico hizo un asombroso 40 largometrajes, dos series de televisión, tres cortometrajes y 24 obras de teatro. Lo que plantea la pregunta, ¿qué hemos hecho con nuestro día? Sin embargo, este ritmo frenético tuvo un alto costo; su ética laboral impulsada por las drogas no fue beneficiosa ni para él ni para las personas con las que trabajó y muchas de sus relaciones (especialmente con la actriz Irm Hermann) eran complejas (la bisexualidad de Fassbinder es un factor aquí) y casi abusivas. Atrajo críticas amargas y personales en la prensa, pero al mismo tiempo fue ferozmente leal con sus colaboradores, a menudo empleando a los mismos actores una y otra vez, al menos hasta que los enajenó. Era indudablemente un hombre difícil, tan incandescente con energía creativa y química que, en retrospectiva, parece inevitable que, ardiendo tan intensamente, se quemara pronto.

Pero en medio de su tumultuosa vida personal y profesional, se convirtió en un gran director, en sus mejores momentos alcanzó un nivel de artesanía y sintió una emoción profunda que más bien desmiente su reputación gonzo, salvaje. Sus mejores películas muestran a un cineasta, de alguna manera, compasivo y casi agresivamente poco sentimental en sus retratos no aromatizados de sufrimiento, almas perdidas. Una figura central en esa generación de cine alemán que también produjo Werner Herzog y Wim WendersPor supuesto, cualquiera que hiciera tantas películas como Fassbinder no iba a sacarlo del parque cada vez, él mismo equiparaba hacer películas con construir casas y algunas películas eran tuberías o cables desordenados, pero hay varios clásicos sombríos. en su obra, y es raro encontrar una de sus películas que no valga la pena ver hasta cierto punto.



Algo así como un oscuro clásico perdido del director, la película de ciencia ficción hecha en dos partes para televisión 'Mundo en un alambre, 'Se está relanzando actualmente en los cines de los EE. UU. (Lea nuestra reseña aquí y consulte el sitio oficial para ver cuándo está tocando cerca de usted), y pensamos que lo usaríamos como una excusa para echar un vistazo a Fassbinder's catálogo posterior. Es una colección intimidante, no estamos seguros de que nadie en el personal haya visto más del 45% de sus películas, pero tenemos una buena difusión entre nosotros, y para cualquiera que aún no haya descubierto esta fascinante filmografía, esperamos que ' Encontraré un buen lugar para comenzar aquí. Compruébelo usted mismo después del salto.



“; El amor es más frío que la muerte ”; (1969)
Abucheado en Berlín, pero ahora evidencia de la llegada de un individuo verdaderamente talentoso, la película debut de Fassbinder ofrece una versión personal del género gángster en una paleta francesa de New Wave. Thug Bruno (Ulli Lommel, que se convertiría en un asiduo de Fassbinder) se ve envuelto en el plan de un sindicato del crimen para matar al proxeneta Franz (buen viejo Rainer Werner en carne y hueso), solo para que surja una amistad entre Franz y Bruno. Después de una operación exitosa, el equipo (junto con la prostituta Joanna) decide robar un banco, aunque la confianza comienza a flaquear y las cosas no salen según lo planeado. Como una combinación sensacional de 'Band of Outsiders' y 'Le Samurai' con un vago toque de 'The Trial' de Orson Welles, 'Love is Colder Than Death' es una película apasionada que brota de una cabeza llena de ideas creativas que traspasan los límites. . Se utilizan constantemente tomas seguras, la cuarta pared se rompe sin hacer una mueca, y ocasionalmente una banda sonora etérea y algo disonante cubre las escenas (incluso un viaje a la tienda de comestibles se siente celestial). Algunos pueden denunciar el aparente comportamiento de bajo presupuesto; El mayor culpable es la falta de heridas de bala (POP, los asesinados caen al suelo). Sin embargo, Fassbinder hace que su falta de scratch funcione: sus personajes son tan increíblemente nihilistas que no podrían comprender el peso de sus acciones. Al hacer que la vista de los agujeros de bala y la sangre parezca irrelevante, el director se centra en el peso de la muerte: en una secuencia asombrosamente paciente, Bruno mata a un hombre y la cámara lo sigue mientras lucha por meter el cuerpo en el automóvil, conduce a un vertedero, y procede a enterrar el cuerpo. Completado con un sentido del humor (el trío saca su robo de gafas de sol solo para fastidiar a la vendedora; un traficante de armas opera en un taller de reparación de zapatos), 'El amor es más frío que la muerte' no es perfecto, pero es el tipo de primera película que debería inspirar energía y optimismo en los jóvenes cineastas de esta generación … si aún no se han ahogado en la deuda de préstamos estudiantiles. [UN-]

“; ¿Por qué Herr R. Run Amok? ”; (1970)
Posiblemente la característica más simple del hombre (no en términos de sustancia sino en el estilo de contar historias), 'Herr R.' intenta estudiar las circunstancias que pueden (o no) causar que una persona extremadamente promedio cometa un asesinato. Fassbinder examina la vida del personaje titular hasta el más mínimo detalle, desde ayudar a su hijo con la tarea hasta soportar la rutina de pie de sus compañeros. Estas escenas se vuelven aún más difíciles de tragar durante un análisis posterior a la proyección (o segunda observación), ya que la expresividad de Kurt Raab produce muchas complejidades: hubiera sido fácil interpretar al personaje vacío o neutral, pero el actor checo se tambalea, asimilando cada momento de una manera que sugiere que cada irritación, falta de respeto y momento incómodo se acumula lentamente y puede estar a punto de romperlo. O tal vez no lo son. Ciertamente, se puede debatir el impacto de cualquier escena y discutir si, por sí solo, activa el interruptor; pero siempre se puede mirar al otro lado de la moneda y argumentar a favor de la inocencia. La forma en que el cineasta expone el complicado nacimiento de la violencia sin dar respuestas concretas le da a los procedimientos un respeto psicológico y un horror casi inexplicable: Fassbinder sabe que los seres humanos son demasiado complicados para las etiquetas simplistas y reduccionistas. Su enfoque es tentador; de hecho, Michael Haneke hizo todo lo posible y una visión más moderna de esta observación de combustión lenta se puede ver en 'Aurora' de Cristi Puiu. Es cierto que prueba un poco la paciencia, pero hay algo indudablemente fascinante. al respecto Vale la pena señalar que la autoría de este es un tanto controvertida: Hanna Schygulla, uno de los actores favoritos de Fassbinder, afirma que el codirector Michael Fengler fue básicamente responsable de la película. [B +]

'El soldado estadounidense' (1970)
Su tercer esfuerzo de largometraje (‘ Why Does Herr R. Run Amok ’; fue un esfuerzo codirectorial), y su segundo hecho ese año, si usted y rsquo; están acostumbrados a los melodramas de Sirk-ian de la sección media de Fassbinder ’; carrera, el francés New Wave-ish “; The American Soldier, ”; sobresale como una anomalía deslumbrante; una elegante imagen de crimen negro que parece que podría haber sido hecha por Jean-Luc Godard (pero en realidad es el tercero en su primera trilogía de gángsters). Casi. Usando tropos de gángsters para expresar las frustraciones del amor, y de hecho, el homónimo asesino a sueldo interpretado por el conocido y sofisticado actor de Fassbinder Karl Scheydt parece pasar mucho tiempo en la cama desnuda con mujeres, pero sin sentir ningún verdadero ardor: la imagen parece una Raoul Walshde gángster hecho a mano, pero se siente más existencial en el estado de ánimo y el tenor (la comparación más cercana podría ser Godard ’; s “;Alphaville,”; pero no es tan extraño). La trama se centra en Scheydt, un inquieto estadounidense de Vietnam contratado para ser el asesino del Estado y acabar con el inframundo de Munich. Hace exactamente eso, pero luego se mete en problemas cuando tres policías lo contratan para noquear a sus propios adversarios, pero planean un doble cruce. Sin embargo, la trama apenas importa en esta imagen en la que Fassbinder tiene un pequeño papel como matón colaborador; es únicamente Fassbinder: una imagen de género empleada como una máscara para algo mucho más inescrutable. [SI]

“; Cuidado con una puta santa ”; (1971)
La buena película sobre cine. Algunos de nuestros mejores autores han profundizado en este subgénero; Los gustos de Francois Truffaut, Woody Allen, Olivier Assayas y Federico Fellini han contribuido a mostrar los momentos a menudo ridículos que ocurren detrás de la cámara. Es fácil ver dónde estos profesionales vieron material tan maduro, usar el medio para denunciar su caos inherente, pero es más difícil ver por qué a nosotros, como audiencia, en última instancia, debería importarnos. Filmado cuando el director tenía 25 años y basado en las experiencias personales que tuvo durante la producción de 'Whity', el increíblemente titulado 'Cuidado con una puta santa' tiene los mismos defectos que la mayoría de estas películas (con la probable excepción unánime de ' 8 1/2 '; la otra excepción probablemente sea de cualquier director para el que estés particularmente interesado). La trama se refiere a un equipo que, dirigido por un director de cine vacilante (Lou Castel, que también aparece en 'Irma Vep') y un productor molesto (interpretado por un enojado Fassbinder), tienen problemas para unirse para bloquear un solo escena. El dinero se cae, las tensiones aumentan, los egos están magullados, siempre los ingredientes para un drama sólido. Como director, Fassbinder toca las cosas lentamente al principio, luego, cuando comienza el descenso a la frustración, las escenas van y vienen mucho más frenéticamente. No está exenta de momentos (como el monólogo de apertura acerca de que Goofy se convirtió en un maestro de jardín de infantes fallido), pero hay algo inevitablemente tenue en todo el asunto. Tal vez sea el hecho de que ya conocemos todos estos horrores; o posiblemente es que, excluido el opus de Fellini, todos viajan por un camino similar a la misma conclusión. ¿Demasiado 'dentro del béisbol'? ¿Demasiado 'guiño-guiño' para los cineastas? Difícil de decir, exactamente. La representación del cineasta de sí mismo, a juzgar por los informes sobre su vida personal y su comportamiento, parece acertada y definitivamente vale la pena verlo en su lugar más crudo. Sin embargo, a menos que seas un fanático, es posible que el resto del proceso sea un poco poco esclarecedor. [C +]

Las lágrimas amargas de Petra Von Kant” (1972)
El término melodrama ha llegado a tener connotaciones negativas: emoción exagerada, exagerada, con poca sutileza o subtexto. Pero como Darren Aronofsky demostró el año pasado con 'Black Swan', si no te importa acelerar a fondo con tu drama, puedes lograr algo especial, y Fassbinder lo mata en 'Las lágrimas amargas de Petra Von Kant'. Basado en Su obra del año anterior, que, según Jonathan Rosenbaum, era muy autobiográfica (una versión velada de la relación triangular entre el director, su amante bávaro negro Günther Kaufmann y su asistente / compositor Peer Raben), la película sigue el la diseñadora de moda titular (Margit Cartensen) mientras se enamora profundamente de la bella Karin (Hanna Schygulla), mientras atormenta a su devota asistente Marlene (Irm Hermann). Es descaradamente campy (su traducción de 2005 a la ópera fue inevitable), asintiendo con la cabeza al amado Douglas Sirk de Fassbinder (el ayudante incluso visitó al veterano director en su casa en Suiza en un momento) y 'All About Eve' (el director de esa película Joseph Mankiewicz obtiene un verificación de nombre en un punto), pero también es eminentemente citable y totalmente apasionante. Gracias en parte al DoP Michael Ballhaus (quien filmaría 'La última tentación de Cristo', 'Goodfellas' y 'The Departed' para Scorsese, entre muchos otros proyectos de Hollywood), funciona donde fallan tantas adaptaciones teatrales: teatral, se siente casi imposiblemente claustrofóbico, ya que los amores amargos y no correspondidos de los personajes los atrapan en el departamento que la cámara nunca deja. La actuación también es sorprendente, particularmente los favoritos de Fassbinder Cartensen, completamente intrépido, y Hermann, que roba el programa en una actuación prácticamente silenciosa. La política sexual puede ser problemática para algunos, pero no hay duda de que estaba cerca del corazón del director, y no sorprende que se convirtiera en una de sus primeras películas en salir a una audiencia internacional. [UN-]

'Ali: el miedo come el alma' (1974)
Fassbinder conoció a Douglas Sirk en el Munich Film Museum en 1971, donde también vio seis de sus películas. Esa experiencia cambiaría la forma en que Fassbinder veía y hacía películas. Sirk’s “; All That Heaven Perlows ”; proporcionó la inspiración para “; Ali: Fear Eats the Soul, ”; que hoy sigue siendo la película más famosa de Fassbinder (no infame por una vez), que inspiró a Todd Haynes ’; “; Lejos del cielo. ”; Ninguna película de Fassbinder transmite su mensaje de los males sociales cotidianos tan elocuentemente como “; Ali: Fear Eats the Soul. ”; La premisa básica es simple: la viuda alemana de mediana edad, Emmi, se reúne al azar y, poco después, se casa con Ali, un hombre árabe que encuentra en un bar después de refugiarse de la lluvia. La primera mitad de la película se centra en cómo la familia, los vecinos y los compañeros de trabajo de Emmi tratan con su segundo esposo y el color de su piel, negativamente al principio y luego cambian hacia la aceptación. El segundo trata más sobre la reacción de Ali a su repentina aceptación, que trae consigo su propio conjunto de compromisos, y también surgen conflictos con Emmi, una vez ocultos por su mutua solidaridad contra el racismo. Fassbinder, nunca uno para conclusiones concretas o respuestas fáciles nos deja con un final agridulce con amantes reunidos pero los problemas que los dividieron sin resolver. [UN]

Martha” (1974)
Otro drama sirio-ian de infelicidad doméstica: el personaje principal incluso dice 'Douglas Sirk Road' como su dirección en un momento dado, como muchos melodramas de Fassbinder, 'Martha' coloca a la naif femenina titular en una situación de angustia emocional y luego nos hace mire, retorciéndose impotente, mientras la atraviesan crisis crecientes y se desengaña, prácticamente brutaliza, de todas las nociones románticas. Una película que podría haber sido titulada sarcásticamente, 'La buena esposa', el melodrama se centra en Martha (Margit Carstensen) que pasa de una mala situación a otra, y podría decirse que es un estudio sombrío tanto en la crueldad como en la capacidad de sumisión humana. Mientras estaba de vacaciones con ella en Italia, el padre controlador de Martha de repente muere de un ataque al corazón y se ve obligada a regresar a su hogar en Alemania y cuidar a su madre: una solterona alcohólica y una humana grotesca y repugnante en todos los niveles que intenta suicidarse. sobredosis de píldoras cada vez que Martha intenta hacer algo en contra de sus deseos. La liberación aparentemente viene en forma de Helmut (‘ 70s Fassbinder regular Karlheinz Böhm obtener un giro jugoso), un caballero guapo y rico que quiere casarse con ella y alejarla. Todo suena bien y bien hasta que Helmut revela sus verdaderos colores como un sociópata sádico y dominante. Hemos visto esta historia innumerables veces en Hollywood, generalmente protagonizada por B-thrillers. Tom Berenger o Patrick Bergin - pero la película de televisión de 16 mm de Fassbinder no es una porción de entretenimiento nocturno; Es un ejercicio de castigo mientras Martha continúa sangrando psicológicamente a manos de su abusivo y tiránico imbécil de marido. Finalmente, su humillante capitulación se convierte en paranoia y luego en un trastorno cercano que termina trágicamente. No siempre es fácil de ver, pero es una crónica crónica del abuso doméstico a través de la versión amplificada de Fassbinder y del melodrama de Hollywood de los años 50. [SI]

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“; Fox y sus amigos ”; (1975)
Si bien se lo conoce como un multi-guión hiper-prolífico, es fácil olvidar que Fassbinder también fue ocasionalmente un actor que apareció en más de media docena de sus propias películas (aunque a menudo solo en partes pequeñas y sin acreditar). En “; Fox y sus amigos, ”; el escritor / director asumió un papel principal poco común y dejó caer el mayor peso posible para interpretar a Franz “; Fox ”; delgado y serio, inculto y de clase trabajadora; Bieberkopf (nombrado, por supuesto, por el protagonista en 'Berlin Alexanderplatz', que Fassbinder luego adaptaría, ver más abajo). Después de haber sido testigo de cómo su amante masculino fue encarcelado por evasión de impuestos y, por lo tanto, perdió su trabajo en el circo, Bieberkopf cree que su suerte ha cambiado y, con la ayuda de un conocido gay mayor, corre para comprar el boleto de lotería que le hará cambiar su fortuna. El destino o la clarividencia están de su lado y Fox gana alrededor del equivalente a $ 350,000 dólares estadounidenses. Pero cuando gana mucho dinero, de repente se encuentra haciendo compañía de ricos snobs homosexuales de clase alta. Pronto se engancha con el inescrupuloso Eugen (Peter Chatel), un hijo inquieto, arrogante e hipercrítico de un rico industrial que deja a su novio como un mal hábito cuando el Fox, con dinero en efectivo, entra en su círculo de “; amigos ” ; Rápidamente introducido en un mundo pulido de riqueza e influencias, el zorro inerudito está loco y cautivado por el entorno opulento de Eugen. Con Fox tan ansioso por complacer, y Eugen tan dispuesto a aceptar su nueva riqueza, el veloz comienza rápidamente. Filmado en la forma tradicionalmente trabajadora de Fassbinder, el ritmo y la redundancia son un problema, ya que el director pasa dos horas (que se siente como 2 ½) recordando a la audiencia cuán ingenuo es Fox y cuán mal Eugen lo está explotando. Podría decirse que un drama que dice que la avaricia y el engaño no son comportamientos inmorales exclusivos de los heterosexuales, el irónicamente titulado “; Fox And His Friends, ”; tiene sus problemas antes mencionados, pero sigue siendo una mirada incisiva y finalmente trágica de cómo se divide el dinero. [SI]

“; Miedo al miedo ”; (1975)
Protagonizada por Fassbinder troupe-regular Margit Carstensen, también la estrella de 'Las lágrimas amargas de Petra Von Kant'Y'Martha', Este drama psicológico hecho para la televisión se centra en una ama de casa de clase trabajadora que comienza a presentar los síntomas de una enfermedad mental similar a la esquizofrenia. A medida que crece su desorden (y miedo), es probable que el inicio de la enfermedad cause pánico en cualquier ser humano, su cuidado, pero en última instancia, su marido ineficaz resulta inútil y su hijastra abusiva limítrofe hace poco más que señalar con el dedo a ella y lo extraña. comportamiento. Para empeorar las cosas, ella es seguida por otro hombre mentalmente enfermo en su vecindario (el espeluznante Kurt Raab, que protagonizó 31 de las fotos de Fassbinder), que parece tener una especie de conexión psíquica con ella: él comprende de manera desconcertante que ella se está volviendo loca lentamente. Indefensa, recurre al alcohol, al valium y a un médico pervertido (Adrian Hoven) dispuesta a surtir su receta, si nos entendemos, y la pobre mujer rápidamente cae en una adicción total, cualquier cosa para calmar el doloroso conocimiento de caer en la locura. Claramente hecho para la televisión, con su narrativa episódica y apertura torpe, mientras que “; Miedo al miedo ”; amenaza con convertirse en un especial para después de la escuela sobre los peligros de las amas de casa con problemas psicológicos, en última instancia, las manifestaciones de las películas de televisión y se convierte en una mirada sorprendente al dolor, la indiferencia y la crueldad. [SI]

“;Viaje de la Madre Küsters al cielo”; (1975)
Cuando un padre tranquilo y modesto se va por correo a su fábrica de productos químicos, asesinando a un hombre y suicidándose cuando se avecinan despidos masivos, una amable familia alemana es destrozada y destruida por las noticias. La exacerbación de los problemas es un medio sensacionalista invasivo que desciende como tantos buitres voraces, explotando a la familia devastada por todo lo que valen, tanto en citas que distorsionan el contexto como en fotografías manipuladoras. Las cosas empeoran con el regreso de Corrina, la hija rebelde de la familia (Ingrid Caven) que descaradamente usa la tragedia para promover su carrera como cantante al acostarse con uno de los periodistas que cubren la historia. Uno de los esfuerzos más cargados políticamente de Fassbinder, el otro lado de la explotación desenfrenada proviene del partido comunista, disfrazado como una fuerza amable y benevolente en la vida de la matriarca solitaria, pero simplemente usando la catástrofe familiar de su 'marido proletario oprimido' para su propia agenda. La película tiene dos finales; uno es audaz y trágico (detalla la muerte de la Madre Kuster cuando se encuentra con un grupo de anarquistas en un texto sobre un marco congelado de su cara triste), y el otro (la versión estadounidense) narra el destino y la futilidad (los anarquistas se dan por vencidos su sentada para defender a su marido y rsquo; manchando en los tabloides, pero ella conoce a un caballero mayor que insinúa una chispa de esperanza). Con muchos clientes habituales de Fassbinder, incluidas mujeres incondicionales Margit Carstensen, Irm Hermannn (19 películas de Fassbinder en su haber) y lo siempre maravilloso Brigitte Mira (la estrella de ‘ Ali: Fear Eats The Soul ’;) como la madre homónima, el drama sardónicamente oscuro de Fassbinder ’; actúa como una crítica mordaz de los oportunistas egoístas de cada tendencia y de los medios sedientos de sangre, mientras pregunta si tiene sentido la decencia o la vergüenza existe en la sociedad actual. [B +]

Solo quiero que me ames” (1976)
Filmado para televisión y con la marca de fondos y alcance limitados, el docudrama de Fassbinder centrado en la búsqueda de aprobación de un hombre no es menos efectivo que algunos de sus trabajos más fuertes. Peter es un hombre joven desesperado por mantener a su esposa e hijo, a la vez que está a la altura de las expectativas de sus padres, pero, en una constante racha de cruel ironía, la suerte sigue de su lado, a medida que las crecientes deudas y los infinitos favores lo colocan un hoyo tras otro A pesar de todo, Peter repite el mantra del título, como una forma de pasar el día, pronto sin darse cuenta de a quién está hablando realmente. El delicado equilibrio de la vida cotidiana de Peter se desmorona naturalmente a través de una espiral de malas decisiones que resultan fatales, todo en un dispositivo de encuadre de entrevistas que pone un límite negro humorístico a su propia existencia. Aunque atenuado por su trabajo habitual, Fassbinder está trabajando en un territorio familiar, y la lista de indignidades permite que varios cuadros sombríos y llamativos sean captados en la película, al servicio de una historia sobre un hombre que simplemente nunca puede encontrar aprobación . [UN-]

En un año de 13 lunas'(1978) - MZ
Fassbinder debe haber amado mucho a Armin Meier, porque pocos directores se atreverían a hacer una película que se reduzca a exorcismo personal. Un año con 13 lunas significa problemas para el protagonista Elvira (Volker Spengler), viaje por carretera para reunirse con Anton Saitz (Gottfried John). Anton financió el cambio de sexo de Elvira (una vez fue una carnicería llamada Erwin, una devolución de llamada intencional a la profesión de Meier), pero no quiere aceptar a la mujer recién bautizada como otra cosa que no sea Erwin. “; En un año de 13 lunas ”; es una prueba de resistencia, con varias secuencias destacadas, una ambientada en un matadero y otra una secuencia de baile fuera del campo izquierdo. Spengler también es convincente, expresando el purgatorio personal de Elvira en el que no es aceptada por ninguna de las personas que desea y no encuentra paz en sus luchas, solo luchas y odio. Cualesquiera que sean los sentimientos que Fassbinder había mezclado con su dolor después del suicidio de Meier, están incrustados en esta película, notable por el continuo dominio del director sobre la colocación de la cámara y tal vez una excesiva dependencia de la alegoría. Como las mejores películas de Fassbinder, esta premia al espectador paciente y ha reunido un culto bastante amoroso más de 30 años después de su creación. [SI]

“; El matrimonio de Maria Braun ”; (1979)
La primera en la Trilogía BRD (Bundesrepublik Deutschland) de Fassbinder, que trata con tres mujeres diferentes que se abrieron camino en una Alemania posterior a la Segunda Guerra Mundial, pasó por varias manos y borradores del proyecto de televisión original no realizado de Fassbinder 'El matrimonio de nuestros padres' . Fassbinder ya estaba trabajando en el guión de la épica 'Berlin Alexanderplatz' cuando comenzó el rodaje de 'El matrimonio de Maria Braun' y continuó filmando durante el día y trabajando toda la noche en el guión para su próximo proyecto. Se rumorea que mantiene este horario de trabajo. Fassbinder consumió grandes cantidades de cocaína, y esta fue la razón principal por la que la película superó el presupuesto: Fassbinder ’; s más grande pero todavía por debajo de un millón de dólares. Por supuesto, esto causó problemas con sus financieros, productores y equipo, causando divisiones en muchas de sus asociaciones creativas a largo plazo, incluidas aquellas con el director de fotografía Michael Ballhaus y el productor Michael Fengler. Making “; El matrimonio de Maria Braun ”; Probablemente no fue el mejor período en la vida de Fassbinder, pero la película resultó ser una de las más exitosas y cumplió su deseo de hacer un equivalente alemán de una película de Hollywood. Protagonizada por Hanna Schygulla como Maria (ganó el Oso de Plata a la Mejor Actriz en 1979), una mujer cuya relación con su esposo, Hermann, se ve constantemente frustrada por las circunstancias, o más bien por el deseo, el orgullo y la codicia que inevitablemente conducen a la violencia, la crueldad y la destrucción. Fassbinder pinta una imagen de una Alemania insaciable e insensible, sus habitantes (los sobrevivientes) son bienes dañados, tanto en lo moral como en lo emocional, deformados por sus experiencias. Como cualquier buena película de Hollywood, termina con una gran explosión: como cualquier buena película de Fassbinder, los significados y motivos detrás de ella son abiertos. [UN]

'Berlin Alexanderplatz' (1980)
Sí, lo hemos visto. Si, todo eso. Sí, es glacialmente lento en algunos lugares, y ciertamente es un trabajo duro. Y sí, vale la pena hacerlo en algún momento de tu vida. La epopeya de 14 partes y 930 minutos de Fassbinder hecha para TV (pero estrenada en los EE. UU.) Tiene una reputación temible, completamente merecida (particularmente el epílogo impenetrable, ocasionalmente brillante y ocasionalmente llamativo), principalmente porque podría decirse que es lo más cercano a una novela como la del cine. Una traducción directa de la trama habría sido mucho más corta, pero Fassbinder, un fanático rabioso del material fuente de 1929 (por Alfred Doblin), divaga y habita, estira y repite pequeños e íntimos momentos, con marcas largas e ininterrumpidas, en un manera que lentamente te lleva a la psique del protagonista Franz Biberkopf (una actuación asombrosa de Gunter Lampretcht), y de hecho, la psique de una nación en crisis (la retrospectiva obviamente le da permiso a Fassbinder para usar Biberkopf como una metáfora para la Alemania de entreguerras, sumando a podría decirse que es una de sus películas más políticas. Y, por supuesto, siempre se siente como una película de Fassbinder, particularmente en sus retoques con la relación de su héroe con Reinhold (Gottfried John), que obtiene todo tipo de matices homo-eróticos ausentes de la novela. Más Sin embargo, es una tragedia: un ex convicto, desesperado por ir directamente, simplemente no puede escapar. Una vieja historia, sin duda, pero una que nunca se ha contado con tanto detalle. momentos asombrosos y espantosos, ninguno más que en ese epílogo, que ve a Fassbinder esencialmente deconstruir (ayudado por las pistas de Lou Reed y Kraftwerk) las trece horas que acabas de pasar. Es a la vez irritante e intoxicante, y un complemento perfecto para toda la saga. Archívelo con 'Guerra y paz' y 'Broma infinita' como algo para ponerse al día durante una larga fiesta o una sentencia de prisión: ciertamente no se arrepentirá. [SI]

'Lili Marleen' (1981)
La insalvabilidad de las barreras sociales y la guerra entre el deseo privado y la imagen pública son elementos básicos del melodrama sirkiano que Fassbinder emuló a lo largo de su última carrera. Como telón de fondo, la Alemania nazi, un estado opresivamente totalitario en el que las vidas privadas a menudo se perdían por la maquinaria política, y las barreras raciales, de género y nacionales no solo se reforzaban, sino que se codificaban en un espíritu que impregnaba todos los aspectos de la vida, debe representar algún tipo de premio mayor de melodrama. Es extraño, entonces, que 'Lili Marleen', una historia de la era de la Segunda Guerra Mundial sobre el amor prohibido entre un cantante de discoteca alemán y un director de orquesta judío suizo, termine siendo un asunto tan poco atractivo: las piezas están todas allí, y el registro emocional en pantalla varía desde los picos de éxtasis hasta las profundidades de la desesperación suicida, como cabría esperar, y, sin embargo, nunca sentimos nada de nada. El desempeño de Hanna Schygulla, regular de Fassbinder, como la Willi central es parte del problema, ya que parece extrañamente esquizoide: sus reacciones, aunque demasiado apropiadas, a menudo son inapropiadas hasta el punto de ser incomprensibles. Y sin el tipo de empatía trágica que las grandes heroínas de este género logran engendrar, es difícil cuidar a la pragmática, absorta y narcisista Willi (ni siquiera estamos seguros de que ella se opondría moralmente al nazismo si no lo hiciera). no la aleje de su amante) especialmente cuando lo que la hace famosa es su interpretación bastante decepcionante de la canción titular. La película no es mala, exactamente, su exuberante vestimenta y su fotografía de enfoque suave rodada dan en el blanco, y hay momentos de repentina y extraña surrealidad (la secuencia de borrachera en la lujosa casa blanca, un nazi uniformado que llega al escenario a través de una diapositiva) que animan las cosas inconmensurablemente. Pero también hay momentos en que estas incursiones experimentales no dan sus frutos (la escena interminablemente regresada en la que el amante de Willi es torturado con fragmentos incompletos de la canción repetidos sin cesar, capas de ironía involuntaria además de intencionales mientras nosotros, el público, oramos para que la maldita cosa se detenga también) y, en última instancia, nada puede distraer del vacío en el corazón de la película. Es donde debería estar una mujer real, o al menos la versión exagerada de melodrama de una mujer real, y alguien con quien podamos preocuparnos e involucrarnos. [SI-]

“Lola” (1981)
El fetiche de Fassbinder para el melodrama de Sirk-ian exquisitamente escenificado, una obsesión durante al menos parte de su carrera, está bien documentado, por lo que si uno quiere ver la imagen que probablemente asaltó más a Fassbinder (y probablemente también fue una influencia en Todd HaynesCl proclividades similares de Sirk), es la exuberante 'Lola', de color caramelo y aspecto suntuoso. Otra película de la trilogía BRD ambientada en Alemania Occidental después de la Segunda Guerra Mundial, las estrellas de cine Barbara Sukowa y el gran Acero Armin Mueller (“Noche en la tierra,” “Promesas del Este'), Y se centra en un comisionado de construcción piadoso que busca erradicar la corrupción que tiene lugar dentro del negocio del empresario local de la construcción (Mario Adorf) Gradualmente, reuniendo pruebas contra su presa, el hombre de flecha recta se encuentra y finalmente se enamora de la Lola titular (Sukowa). En consecuencia, se sorprende al saber que ella es una prostituta y cantante de cabaret en un burdel local. No solo eso, ella es el juguete de Schukert, el magnate de la construcción torcida que él está tratando de derrocar. Si bien ahora posee toda la munición que necesita, Von Bohm de Mueller-Stahl no logra conciliar su deber justo con su lujuria por la mujer seductora, sino que cae presa de la seducción y pronto, de las tentaciones del dinero y el poder. En la absorbente historia de moralidad de Fassbinder, vemos a un hombre honorable convertirse en la cosa vil contra la que intentó luchar. Un gesto oscuro pero sutilmente satírico a los encantos persuasivos del capitalismo, como de costumbre, Fassbinder siente que no hay necesidad de subrayar o subrayar lo obvio, vemos cómo este hermoso disparo cae en desgracia y cualquier juicio es nuestro. [UN]

'Veronika Voss' (1982)
Basada en la verdadera historia de Sybille Schmitz, una ex estrella nazi, cuya estrella se desvaneció después de que el Tercer Reich se derrumbara - se suicidó como una vieja reliquia solitaria que la nación olvidaría pronto - la cautivadora y exuberante y ldquo;Veronika Voss, y rdquo; es Fassbinder a la altura de sus poderes y, lamentablemente, es su penúltima película. Es su “;Sunset Boulevard”; y “;Ciudadano Kane, y rdquo; literal y figurativamente, ya que ambas películas tienen semejanzas con la elegante imagen en blanco y negro de alto contraste que muestra huellas obvias de la suntuosa cinematografía de Hollywood de la década de 1950. En una noche oscura y empapada de lluvia, el desequilibrado y melodramático Voss (Rosel Zech) conoce y se hace amigo de un escritor deportivo empático (Hilmar Thate) que tiene un curioso interés en su historia de gloria desvanecida. El escritor bien intencionado pronto descubre que la ex estrella errática y a menudo desesperada es sostenida por un inescrupuloso y ldquo; Dr. Feelgood ”; -como médico (Annemarie Düringer), quien la domina, alimentando sus inseguridades con una dosis controladora de opiáceos, pero solo si puede pagar los costos exorbitantes. Mientras tanto, el escritor sacrificado arriesga su propia relación para rescatar el ingenio envejecido, pero fue en vano. Habiendo buscado durante mucho tiempo el reconocimiento dentro de Alemania, los medios de comunicación provinciales generalmente despreciaron su siempre citable y ldquo; enfante terrible ”; mien - Fassbinder finalmente recibió amor de cosecha propia cuando esta imagen ganó legítimamente el Oso de Oro en el 32 ° Festival Internacional de Cine de Berlín. [UN]

Y el resto: tres cortos precedieron a 'El amor es más frío que la muerte'; 'Esta noche', que se pierde, 'The City Tramp' y 'The Little Chaos'. Fue seguido por 'Katzelmacher', que se traduce, más o menos, como 'Cock Artist', no, como sugiere el título, sobre Warren Beatty, pero una adaptación de la obra de Fassbinder, sobre un inmigrante griego (interpretado por el propio cineasta). 1970 trajo 'Gods of the Plague' y 'The Coffee House' (este último solo una grabación de televisión de su producción de la obra de Carlo Goldoni), mientras que el año se coronó con 'The Niklashausen Journey', codirigido con 'Herr R . 'colaborador Michael Fengler.

A esto le siguieron rápidamente 'Rio Das Mortes' y 'Pioneros en Ingolstadt', ambos hechos para televisión, mientras que 'Whity' es una de las películas mejor consideradas que no pudimos ver. 'The Merchant of Four Seasons' siguió a 'Holy Whore', y es visto como uno de los mejores del director, aunque se nos escapó por las grietas. 1972 tuvo otra traducción de teatro a TV, 'Bremen Freedom', la serie de televisión de 5 partes 'Ocho horas no son un día', mientras que 1973 trajo 'Wild Game' (basado en la obra de Kroetz), y el mencionado 'Mundo en un cable ', que cubrimos en detalle la semana pasada. Fue seguido por 'Nora Helmer', una versión de 'A Doll’s House' de Ibsen para televisión.

El 'Effi Briest' en blanco y negro es otro excelente que no tuvimos tiempo de cubrir, mientras que 1975 trajo el corto 'Like A Bird on a Wire' (sin conexión al vehículo Goldie Hawn, como era de esperar ...). 1976 nos dio 'Satan's Brew' y 'Chinese Roulette', mientras que 1977 tenía 'Women In New York' y 'The Stationmaster's Wife', ambas hechas para televisión, mientras dirigía un segmento del omnibus 'Alemania en otoño' el año siguiente .

'Desesperación' fue su coqueteo más cercano con la corriente principal, adaptando una novela de Nabokov con un guión de Tom Stoppard (en inglés, nada menos), protagonizada por Dirk Bogarde, mientras que 1979 trajo 'The Third Generation', una comedia negra de terrorismo protagonizada por Eddie Constantine, protagonista de 'Alphaville'. Finalmente, hizo su única aventura en el documental con 'Theater in Trance' de 1981 y terminó su carrera con 'Querelle' de 1982, otra película en inglés, basada en la novela de Jean Genet y protagonizada por Franco Nero, Jeanne Moreau y 'Midnight Express' lidera a Brad Davis.

- Rodrigo Pérez, Christopher Bell, Sam Chater, Gabe Toro, Mark Zhuravsky, Jessica Kiang, Oliver Lyttelton



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