Las películas de Otto Preminger: una retrospectiva

A medida que Europa implosionó, la década de 1930 vio un éxodo extraordinario de talento cinematográfico en los Estados Unidos, con directores judíos como Fritz Lang, Billy Wilder, Max Ophuls, Anatole Litvak, Fred Zinnemann y muchos más escapando de la persecución y siguiendo los pasos de Ernst Lubitsch para ir a una nueva tierra prometida, y el efecto que tenían no puede subestimarse.



Entre ellos: Otto Preminger. No es el mejor punto de referencia entre los cineastas, pero pocos helmers tuvieron una carrera tan duradera, o una que trajo tanto buen trabajo durante tanto tiempo. Preminger, un hombre progresista y liberal que disfrutaba desafiando a los censores y rompiendo tabúes, era un hombre carismático, colorido y un ex actor (de hecho, ocasionalmente aparecía en su propio trabajo, y brevemente interpretó al Sr. Freeze en la década de 1960 ' Serie de televisión Batman ', además de jugar un papel importante en' Stalag 17 'de Wilder). Pero desde la película innovadora 'Laura' hasta la apasionante película de suspenso 'Bunny Lake Is Missing', fue continuamente un director adelantado a su tiempo, incluso si su enfoque se volvía anticuado hacia el final de su carrera.

'Skidoo', la desastrosa comedia de gonzo de 1968 que fue un intento mal concebido y desesperado de Preminger de quedarse 'con eso', finalmente llega a DVD la próxima semana el 19 de julio, y sentimos que deberíamos aprovechar la oportunidad para mirar hacia atrás durante mucho tiempo al director. carrera prolífica. Debido a problemas de disponibilidad y presiones de tiempo, no hemos podido echarle un vistazo a todo, pero lo siguiente debería ser una buena introducción para un cineasta que no recibe su merecido en estos días. Compruébelo usted mismo después del salto.



“; Laura ”; (1944)
El primer clásico de buena fe de Preminger, 'Laura', es una mezcla embriagadora de cine negro, alto melodrama e historia de detectives, todo listo para una de las partituras más emblemáticas de la década de 1940 (el 'Laura's Theme' del compositor David Raksin es ahora un estándar de jazz) . Centrándose en la investigación sobre el asesinato de la titular Laura (Gene Tierney) por el detective Mark (Dana Andrews, cada vez más obsesionado, en la primera de las cuatro apariciones para Preminger), el excelente apoyo de la película incluye a Vincent Price, cuando se lo comercializaba como pastel de carne. (La historia cuenta que una escena en la que canta fue cortada, abortando así los intentos de lanzarlo como un cantante de estilo Perry Como, la mente se aturde), Judith Anderson (famosa ahora por su papel en otra mujer muerta que atormenta al -vivo clásico, Alfred Hitchcock“S' Rebecca '), y Clifton Webb, cuya homosexualidad manifiesta significaba que Preminger tuvo que luchar por su casting. Y para un buen final, porque Waldo Lydecker de Webb, el svengali mordaz y educado de Laura roba el espectáculo, trayendo ambigüedad a una relación que, de lo contrario, es solo un anciano que se arrastra en una cosa bastante joven. Si hay una crítica, es que cuando ALERTA DE SPOILER Laura misma aparece, Tierney, sin lugar a dudas hermosa, todos los pómulos y sobremordida, realmente no encarna el carisma que inspiraría tal devoción en el exigente Lydecker. E incluso si Mark, que se convierte (bastante bien) rápidamente de profesional estoico a cuasi-necrofílico enamorado, durmiendo al pie de la pintura de Laura como un perro en una tumba, puede enamorarse instantáneamente de su encarnación viva, no hay una razón real por la que ella debería sentir lo mismo. Laura es, diversamente, un grupo de reflexión para los deseos de los demás, un giro de la trama y una convención narrativa: todo menos una mujer real. Pero este no es lugar para la caracterización fundamentada, y cualquier queja equivale solo a pequeños defectos en el corazón de un diamante cinemático, que presenta un diálogo ágil y estilos de actuación disonantes marcializados en armonía por la mano segura de Preminger. De las cinco parejas de Andrews y Tierney, una más para Preminger, esta película fue el mayor éxito, obteniendo un guiño al Mejor Director y colocando a Preminger en un curso para perseguir una de las filmografías más variadas y tabú en Hollywood. [A-]



“; Ángel caído ”; (1945)
Un protagonista negro con estilo, atractivo y cargado de torsión Dana Andrews — a regular Preminger actor de referencia que aparecería en cuatro de sus primeras películas. Mientras que “;Laura”; generalmente es considerada como la mejor película de los años 40 de Preminger, este escritor argumentaría 'Ángel caido”Está justo ahí arriba. La imagen comienza con un estafador indigente (Andrews) que llega a un pueblo tranquilo a las afueras de San Francisco y se conecta con algunos estafadores (John Carradine) que intentan estafar a los ingenuos ciudadanos con una sesión. Listo para unirse a su grupo de contras, se queda cuando se enamora de una camarera de oro y descarada (Linda Darnell). Hechizado por sus distantes encantos, se consume, prometiendo casarse con ella y comprarle una casa, pero sin dinero, el guapo fraude engaña a una joven inocente y acomodada (Alice Faye) para que se case con ella para alcanzar sus riquezas. Un giro inteligente ocurre cuando la camarera es asesinada y se siente apretada y jugada por un marco, el tiburón sale corriendo de la ciudad con la esposa ingenua que todavía quiere ayudarlo por lo que parece ser felpudo, razones masoquistas. Florece un romance, que incluye varios giros inesperados, cortesía del guionista Harry Kleiner (The 1948 noir “; The Street with No Name, ”; plus “; Fantastic Voyage ”; and “; Bullitt ”; from the ‘ 60s). Mientras que varios personajes son milksops o tontos egoístas, Preminger hace girar una historia aguda y absorbente gracias a la trama ganadora de Kleiner. Una película negra absorbente, este es Preminger en su mejor momento: simple, efectivo y dejando que los actores y la historia hagan el trabajo por él mientras realizan un bloqueo magistralmente sutil pero efectivo (además de una magnífica cinematografía en blanco y negro de Joseph LaShelle que ganó un Oscar por “; Laura ”;). Se pone triste por los días en que los directores sabían cómo salir del camino y / o probar que un sello de autor está sobrevalorado. [UN-]

“; Daisy Kenyon ”; (1947)
“; No soy interesante. No hay melodrama en mi vida … ”; afirma Daisy Kenyon, de Joan Crawford, en una de sus actuaciones en pantalla más medidas y exitosas. Aunque el diagnóstico de Crawford de su propia situación ficticia es, en gran medida, cierto en la superficie (ella es una diseñadora comercial casera dedicada a dos asuntos extrañamente apasionados con hombres destacados Dana Andrews y Henry Fonda), es una declaración que es traicionada por la angustia silenciosa que se desliza por su rostro en casi todos los cuadros de este romance de posguerra ignorado. Ahora inmortalizado en la imaginación popular como el campamento chillando arpía de “; Mommie Dearest ” ;, es fácil olvidar cuán efectivo podría ser Crawford como intérprete y, en “; Daisy Kenyon, ”; vemos a la actriz en su forma más emotiva. Atrapado en una relación mutuamente destructiva, esencialmente parasitaria, con un piojo casado en la profesión legal que llama a todos “; honeybunch ”; (Andrews, ahora un Preminger regular), la vida de Daisy y rsquo; se pone de relieve cuando comienza un cortejo frágil con el militar silenciosamente decente de Fonda. Aunque el material del triángulo amoroso ahora es normal en cualquier telenovela diurna, la precisión del estilo discreto de Preminger eleva el material potencialmente aburrido. Aunque no exhibe la misma obscenidad compulsiva de, digamos, los melodramas descarados e histéricos de Technicolor de Douglas Sirk y Vincente Minnelli que iban a seguir menos de una década después, o incluso la exactitud moral de Mildred Pierce de Crawford ’; s propia y ldquo; , y rdquo; Preminger ’; s second “; foto de mujer ’; s, ”; después de “;cara de angel”; Es una de sus obras más estudiadas y matizadas, en gran parte debido a las actuaciones que provoca de sus actores. Crawford, Andrews y Fonda son tan mercuriales e incognoscibles como la paleta visual de claroscuro del director y, aunque a menudo es arrojada erróneamente a la erupción de películas noir Preminger en una relación fructífera con 20th Century Fox, es una distinción que podría pasar por alto los mayores logros de la película, que sigue siendo menos un misterio que rasca la cabeza que una exploración del desorden desordenado de las relaciones adultas. Dada la escasez de complicados dramas románticos para adultos que existen, Crawford ’; s Daisy es un papel por el que cualquier actriz que valga la pena en 2011 mataría. [SI]

“; Whirlpool ”; (1949)
“; Whirlpool, ”; aunque una historia negra perfectamente útil, bien contada en sí misma, a menudo sufre una comparación con 'Laura', El otro trabajo más recordado del director y rsquo; s con la mujer principal Gene Tierney. ”Reciclar muchos de los temas de PremingerLa obra maestra anterior de rsquo; Tierney, interpretar a una niña de sociedad frágil e insomne ​​que sufre de problemas con la cleptomanía es, de alguna manera, un precursor de Hitchcock’; s “; Marnie, ”; transfiriendo sus temores irracionales de su padre dominante a su esposo, un psicoanalista frío (Richard Conte) que descuida sus deseos y deseos. Un día, actuando en una tienda departamental robando un alfiler de sirena de un mostrador de la tienda, Ann Sutton (Tierney), una esposa serena al borde de 'explotar con neurosis', rdquo; “; jugar a actuar ”; a través de la vida a la sombra de su cónyuge y trabajando duro en una figurativa y ldquo; cámara de tortura, y rdquo; es rescatado de la persecución por un “; humilde astrónomo ”; llamado David Korvo. Devolviendo el favor al aceptar someterse a un tratamiento casual con él en el bar de un hotel, no pasa mucho tiempo antes de que Ann, susceptible a las artimañas manipuladoras de Korvo, se encuentre en la escena del asesinato de uno de los ex pacientes de su esposo, uno de ellos. de sus bufandas envueltas alrededor del cuello de la víctima y maldecido con amnesia temporal para arrancar. Probar que el edicto de Paul Schrader sobre la convolución inherente del género es cierto (“; el cómo siempre es más importante que el qué) el argumento, tal como es, es una carga de ballyhoo, pero Preminger corta hábilmente su innumerables contorsiones al centrarse casi exclusivamente en la angustia emocional infligida a Ann y a quienes la rodean. Al estilo noir verdadero, y al igual que Waldo Lydecker antes que él, Korvo es el villano maestro de marionetas a la vista desde el principio, y José Ferrer parece estar divirtiéndose jugando sus nefastas tendencias hasta la empuñadura. A pesar de que el guión seudónimo de Ben Hecht se resuelve de una manera decepcionante que involucra todo tipo de Dios de la máquina y episodios sin sentido de autohipnotismo, el producto final parece, algo apropiado para una película sobre los males de la hipnoterapia, mística, trance y hechizante; aunque en Preminger ’; s manos un colapso típicamente fresco y lúcido de la locura apenas contenida. [B +]

“; Donde termina la acera ”; (1950)
Escrito por el dos veces guionista ganador del Premio de la Academia Ben Hecht (“; His Girl Friday, ”; “; Some Like It Hot, ”; Hitchcock’; s “; Hechizado, ”; “; Notorious ”;), un hombre conocido como “; Shakespeare of Hollywood, ”; “; Donde termina la acera ”; no es tan conocido como el resto de Premingerobra de rsquo; s, pero es, independientemente, un clásico del cine negro. Una vez más protagonizada por dos primeras musas, y ldquo;Laura”; estrellas Dana Andrews y la encantadora Gene Tierney, Hecht plantea una sombría pregunta que Preminger se complace en formular de la manera más oscura y valiente: ¿eres solo el producto de tu naturaleza? Andrews interpreta a Dixon, un detective despiadado y cínico conocido por sus formas violentas. Aborrece el crimen porque su padre era un criminal pésimo y ahora tiene un chip del tamaño de un monstruo en el hombro para acabar con matones desafortunados. Pero su ira se apodera de él y accidentalmente mata a un jugador de dos bits en defensa propia. Entrando en pánico y asumiendo lo peor, intenta deshacerse del cuerpo, tratando de sujetarlo a un viejo rival de la mafia (Gary Merrill), pero inadvertidamente repara el asesinato de un taxista inocente (Tom Tully). Pero después de enamorarse de la hija del taxista (Tierney), el policía de mano dura solo queda atrapado en una red de engaño más estricta cuando intenta usar su influencia para cambiar el veredicto. Karl Malden interpreta al superior de Andrews, un hombre convencido de que el conductor es culpable y al mismo tiempo harto de las brutales tácticas de Andrew. Si bien es rsquo; es una pequeña olla tensa, lo que hace que ‘ Sidewalk ’; especial es la psicología detrás de su protagonista; la crisis moral lo atormentaba, su desesperada necesidad de ser mayor que su padre y el persistente y misántropo sentimiento de que él tampoco es bueno. Además, la paranoia sudorosa que gotea de su psique mientras intenta redimirse, no ser atrapado y no colgar a un hombre inocente es un ejercicio noir apasionante. [B +]

“; Angel Face ”; (1952)
cara de angel'Se sienta en lo que generalmente se acuerda como PremingerPeak s período pico de cine mientras estaba bajo contrato para 20th Century Fox, pero recibió un disparo por RKO. Howard Hughes, propietario de RKO, solicitó Preminger específicamente para el guión, que en ese momento tenía el ingenioso título de 'Murder Story', basado en asesinatos de la vida real donde dos jóvenes amantes fueron acusados ​​de volar a los padres de la niña. Preminger no se impresionó, pero Hughes persistió característicamente, recurriendo finalmente a sacar a Preminger de la cama a las 3 am para caminar por las calles de Los Ángeles para discutir el proyecto. Jean Simmons (el 'ldquo; Angel Face ”; to be) solo estaba bajo contrato con RKO por otros 18 días de rodaje, también Hughes y Simmons habían peleado recientemente, un argumento memorable que resultó en que Simmons le cortó todo el cabello. Esta película fue la forma en que Hughes se desquitó: le dio carta blanca a Preminger en la película (incluido el guión), estipulando solo que no contrató a ningún 'ldquo; commies ”; hacer reescrituras y que Simmons tuvo que usar una larga peluca negra en toda la imagen, y Preminger estuvo de acuerdo. Aunque varias versiones de historias se filtraron desde un conjunto de peleas que continúan entre Robert Mitchum, Preminger y Simmons, fueron Simmons y Hughes quienes salieron ganadores al final: 'Angel Face' es una de las mejores actuaciones de su carrera junto a Mitchum, quien fue protagonista de otra película de Preminger 'River of No Return'. Un clásico de 'Angel Face' aparentemente olvidado noir presenta a Simmons en el papel de Diane Tremayne, el tipo característicamente ambiguo de femme fatale, y Mitchum como nuestro antihéroe encantador igualmente ambiguo, Frank Jessup. Su fracasada historia de amor basada en conceptos erróneos de la mejoría de cada uno termina en una batalla de voluntades, pero la apuesta de Tremayne por el control sobre Jessup termina matando tanto a su padre como a su madrastra. Lo más destacado de la película es su final donde Tremayne repentina y dramáticamente se lleva a ella y a Jessup al precipicio para que finalmente estén juntas para siempre. Aunque vuelve a recauchutar el terreno antiguo, sigue siendo una película de calidad negra. [SI]

“; Carmen Jones ”; (1954)
Hay algo muy curioso sobre esta pequeña película. Basado en la obra de Broadway de la década de 1940, PremingerLa versión de las tareas le encomienda a la gran Dorothy Dandridge que interprete a la seductora titular que se encuentra atacando a una serie de tontos (incluido un oficial militar comprometido y un famoso boxeador), lo que finalmente conduce a su desaparición. Repleto de drama y el sentido de puesta en escena habitual del director (una pieza del set de ferrocarril es bastante increíble), la película es en realidad más un desconcierto de tonos extraños que una película exitosa. Seguir a una cuestionable protagonista femenina es ciertamente loable, al igual que lanzar una película en un momento en que un elenco completamente negro era algo poco común. Pero, ¿qué hacemos con la interpretación sólida y realista del material del cineasta, en la que todas las demás razas y colores de piel están completamente ausentes? ¿O qué hay de los temibles 'números' musicales, posiblemente los fragmentos más forzados en la historia del medio, donde los actores se sincronizan con una voz operística increíblemente diferente? El resultado es una experiencia incómoda y discordante; uno que se pasea por un tiempo en su pura extrañeza. Sin embargo, su incapacidad para entretener aumenta por encima de todo y, al final, no está cerca del estado de ser un choque de trenes 'tan malo que es bueno'. Casi tan desiguales como se ponen. [C-]

“; Río sin retorno ”; (1954)
Si bien la premisa de Frank Fenton se toma libremente de “; The Bicycle Thief, ”; casi no hay forma de que hagas la conexión a menos que leas ese detalle en alguna parte. Ambientada en Canadá durante la fiebre del oro del siglo XIX, una tetona Marilyn Monroe interpreta a una radiante cantante / bailarina en PremingerCinema s CinemaScope-shot Western adventure cum revenge film. El actor occidental de 1954 de Preminger es notable por al menos tres razones: uno de los personajes más desagradecidos que jamás haya salido a la pantalla (Rory Calhoun), un granjero con un equilibrio desigual que ha sido traicionado por dicho sinvergüenza (Robert Mitchum) y un esposa ilógicamente tranquila (Marilyn Monroe). Para rebobinar un poco, este drama esponjoso con cursi secuencia de canciones interludios y pobres efectos visuales se centra en un dúo de marido y mujer (Monroe, Calhoun) que es rescatado en un río furioso por un agricultor que recientemente se convirtió en un padre asesino y muerto de muerte. padre (Mitchum). ¿Gracias del granjero? El marido hambriento de oro lo estrangula en la cabeza a punta de pistola y le roban su caballo. Con indios nativos en guerra y sin armas para defenderse, el padre, el cantante y su hijo se ven obligados a ir a un río furioso y perseguir al hombre que les robó sus caballos, armas y dinero. En el camino, Mitchum y Monroe están en desacuerdo mientras ella le impide rastrear a su marido de baja vida (pero, como era de esperar, algunas chispas sexuales vuelan). Marcado por malos efectos especiales (telón de fondo falso cuando la balsa del elenco se arroja sobre un río peligroso), una partitura excesivamente melodramática, actuación de martillo, villanos de una nota (indios sin rostro que actúan sin razón) y un en el -nose final moralizante, y ldquo; Río sin retorno ”; es esencialmente una película de Preminger olvidable, y tenga en cuenta que fue asignada bajo su contrato de estudio en 20th Century Fox - Usted querrá omitirlo a menos que tenga la desafortunada tarea de ver la película para una retrospectiva escrita en grupo sobre Otto Preminger. [C-]

“; El hombre con el brazo dorado ”; (1956)
¿Cómo nos sentimos con un drama de los años 50 protagonizado por Frank Sinatra como adicto a la heroína hoy? Si bien se producen al menos treinta valientes indies sobre el abuso de drogas cada año, la publicación de la mirada seria de Preminger sobre la oscura adicción fue revolucionaria en ese momento. Frankie 'Machine' de Sinatra saca de la cárcel a un hombre nuevo, limpio como un silbato y preparado para convertirse en un gran baterista en la escena musical. Pero en el momento en que sale, se encuentra rodeado de los matones con los que solía correr (Robert Strauss y, 'Los cuentos de Navidad' toman nota, un excelente Darren McGavin) y su esposa Zosh (Eleanor, necesitada y en silla de ruedas). Parker), que se burla de su anhelo de tocar en grandes bandas. A pesar de las buenas intenciones que la vieja aventura Molly (Kim Novak) ofrece, Frankie pronto se encuentra recayendo en hábitos desagradables. Sí, Sinatra es un corte demasiado limpio y guapo para realmente lucir como un verdadero drogadicto, pero su hambre maníaca está bien jugada y la negativa del director a endulzar o rehuir hace bien el material. Ol 'Otto todavía está un paso por encima de sus compañeros en este: ya sea que esté atrapando la mayor parte de una escena en una sola toma o dejando que un momento final permanezca, este director tenía una mirada introspectiva sobre su material, mientras que sus contemporáneos probablemente usarían un mínimo movimientos de la cámara o se desvanecen apresuradamente en el segundo en que un personaje deja de hablar. Aún así, la edición definitivamente podría ser más estricta y las tendencias discordantes y excesivamente serias de la música a menudo se ven como una tontería (particularmente cuando Frankie vuelve a golpear por primera vez: las explosiones de música se sincronizan perfectamente con cada herramienta que se coloca en una mesa). El cine ciertamente se ha vuelto mucho más brutal e implacable, pero esto aún se mantiene particularmente bien. [SI-]

“; Hola tristeza ”; (1958)
PremingerEs desastrosa primera película con su descubrimiento Jean Seberg, y ldquo;Santa Juana, y rdquo; fue un fracaso tanto crítico como financiero que vio gran parte del vitriolo crítico acumulado en el desempeño de Seberg. Preminger le ofreció una segunda oportunidad con 'Bonjour Tristesse', basada en el éxito de ventas francés de Francois Sagan del mismo nombre. Rodada en el formato relativamente nuevo de Cinemascope combinado con tomas largas, la película presenta cinco personajes y sus cambiantes relaciones y deseos, examinando los caprichos potencialmente devastadores de los ricos ociosos. Preminger intercala color y blanco y negro con los flashbacks nostálgicos de la Riviera francesa con un tecnicolor muy real y vívido, en marcado contraste con la triste presentación en blanco y negro de la realidad actual. También contrasta entre la vitalidad pasada de su protagonista y narradora Cecile (Seberg) y la insensible Cecile que relata su historia al público. También con actuaciones ganadoras de David Niven, Deborah Kerr y Mylène Demongeo, 'Bonjour Tristesse' atrajo a Seberg a la atención de Jean-Luc Godard, quien la eligió en su debut 'Breathless'. Se le ha citado diciendo que Seberg ’; s Patricia en 'Breathless' retoma donde Cecile lo dejó en ' Bonjour Tristesse '-' Podría haber tomado la última toma de la película de Preminger y comenzar después de disolverme en un título, 'Tres años después'. “; [SI-]

“; Anatomía de un asesinato ”; (1959)
Es casi seguro que 'Anatomy of a Murder' no se haría hoy, pero quizás sea aún más asombroso que se haya hecho en 1959. Un procedimiento judicial con un tiempo de ejecución de 160 minutos, con una representación más franca de la sexualidad que había sido visto en Hollywood durante décadas (si hay menciones anteriores en pantalla de palabras como 'esperma' y 'clímax sexual', no somos conscientes de ellas), no era una perspectiva fácil (presumiblemente la presencia del Sr. Centroamérica Jimmy Stewart a la cabeza ayudó a que se hiciera realidad, pero valió la pena. Quizás PremingerLa película más querida, obtuvo siete nominaciones al Oscar, excelentes críticas y fue un éxito de taquilla. Ahora, medio siglo después, se mantiene como un gangbuster, un thriller legal tan detallado y realista como se ha mostrado (se muestra en las escuelas de derecho hasta el día de hoy). Al centrarse en la defensa de Stewart de un teniente del ejército (Ben Gazzara) que mató a un camarero que, según él, violó a su esposa (Lee Remick), corre el riesgo de parecer seco, pero Preminger equilibra los aspectos procesales con las coquetas composiciones de Duke Ellington (una de las primeras veces que un se le pidió al artista de jazz que grabara una partitura completa), una de las mejores secuencias de crédito de Saul Bass, un irónico sentido del humor y muchos detalles escurridizos. El público moderno puede estar un poco incómodo con la política sexual: el personaje de Remick es coqueto y promiscuo, y gran parte de la trama gira en torno a si ella consintió en tener sexo o no, pero es la feroz ambigüedad moral lo que hace que la película sea tan memorable: como con caso real, no hay respuestas fáciles de encontrar aquí. Y las actuaciones, que incluyen un cameo del abogado de la vida real Joseph Welch, el hombre que esencialmente destruyó Joe McCarthy, como juez presidente, son excelentes en todos los ámbitos, en particular Stewart, que rara vez tuvo una parte mejor adaptada a la persona estrella, y George C. Scott, cuyo turno como el fiscal de la gran ciudad anunció su llegada a lo grande (es virtualmente su primer crédito de pantalla y ganó una nominación al Oscar por su problema). [UN]

Y ldquo; Trabajo y rdquo; (1960)
Que pasa cuando Otto Preminger se acerca demasiado personalmente a su material es 'Éxodo'. La historia de la génesis de Israel estuvo cerca del corazón del director judío, cuya familia escapó por poco de Hitler en Austria en 1937. Sin embargo, su tedioso tiempo de ejecución de 212 minutos es excesivo en el mejor de los casos. (El cómico Mort Sahl imploró en una vista previa, 'Otto, deja ir a mi gente'). MGM le encargó a Leon Uris que escribiera la novela masiva, con la intención de convertirla en una película, pero Preminger, con la ayuda de su hermano agente Ingo y una infusión en efectivo de United Artists, compró los derechos de MGM y desarrolló el controvertido proyecto él mismo como productor / director / escritor, colaborando abiertamente con el escritor en la lista negra Dalton Trumbo. Rodada en Grecia e Israel, la película sigue a Ari Ben Canaan (Paul Newman), un activista que libera un barco de inmigrantes judíos europeos a Palestina desde un campo de detención británico en Chipre, y luego se enamora de una viuda estadounidense (Eva Marie Saint) es voluntaria como enfermera en el campo de detención e intenta adoptar a una adolescente refugiada, Karen (descubrimiento de Preminger, 14 años) Jill Haworth) Con mucho, la mejor actuación y la historia más convincente es la de Dov Landau (Sal Mineo), un adolescente sobreviviente de Auschwitz que se une al grupo terrorista israelí Irgun. Mineo es fascinante (y ganó un Oscar) como el joven traumatizado y enojado. Preminger utiliza bellamente el movimiento de la cámara para unir personajes, historia y espacio, y nada más que la escena en la que Landau pasa de confesar entre lágrimas su trauma de guerra a jurar fervientemente su lealtad a Irgun en la Torá. También se ejecuta magistralmente una secuencia de jailbreak casi sin diálogo, inspirando a los espectadores a desear que la película fuera solo sobre Landau e Irgun sin toda la historia de amor conflictiva y el discurso político expositivo. Es una historia bien contada, pero no se siente tan épica como otras películas de su tamaño. Vale la pena ver los magníficos lugares y las excelentes actuaciones, pero es más interesante como parte de la biografía de Preminger como productor / director multitarea que trabaja en el sistema de estudio para realizar sus proyectos personales. [SI-]

“; Asesoramiento y consentimiento ”; (1962)
Aunque superficialmente, puede que no sea la película más rápida y el tema más sexy del mundo: la votación del Congreso sobre si un asistente del presidente debe ser promovido a secretario de Estado, Otto PremingerEl drama político de 1964 resulta ser un examen bastante absorbente de políticas vengativas, amorales y disputas internas del Congreso. Basado en una novela ganadora del Premio Pulitzer, es una historia tremendamente compleja, tan detallada sobre el proceso de nominación como cualquier cosa hasta 'The West Wing', pero siempre visible, gracias en particular a un tremendo elenco que incluye a Henry Fonda, el maravilloso Charles Laughton en su papel final, Peter Lawford, Walter Pidgeon, Burgess Meredith y una actuación de la futura estrella de 'Knots Landing' Don Murray (incluso hay el debut en la pantalla de una joven Betty White). Siempre adelantado a su tiempo, Preminger fue uno de los primeros cineastas en abordar abiertamente la cuestión de la homosexualidad, además de hacer que la leyenda de la pantalla Fonda interpretara a un personaje con antecedentes comunistas, en un momento en que muchos todavía estaban en la lista negra por tales afiliaciones. Quizás se deba más a los problemas que, por ejemplo, 'Anatomy of a Murder', a veces dejando que el drama quede en segundo lugar, pero al igual que esa película, es la sórdida moral y la falta de respuestas fáciles lo que hace que valga la pena ver la película. Una imagen injustamente descuidada. [B +]

“; El cardenal ”; (1963)
Considerando que Peter Bogdanovich nombró PremingerLa película anterior de rsquo; ldquo; con mucho, la mejor película política jamás realizada en este país, ”; Es desconcertante ver al director disparar tan lejos de la marca solo un año después. “; The Cardinal ” ;, aunque ganó el Globo de Oro al mejor drama cinematográfico en el año de su lanzamiento, es una pieza de cámara de tres horas de muerte y movimiento lento que se siente el doble de largo y parece, a pesar de su deslumbrante ‘ digno y rsquo; tema, deliberadamente despojado de cualquier relevancia para el público contemporáneo. Un retrato biográfico brillante de un sacerdote de Boston imposiblemente virtuoso y ficticio llamado Stephen Fermoyle (Tom Tyron), la narración glacial marca una larga lista de temas sociales y lrsquo del siglo XX y lsquo; (aborto forzado; el surgimiento del fascismo; creciente intolerancia racial en Estados Unidos) que enfrenta al hermano Fermoyle contra los nazis, los antisemitas domésticos y el Ku Klux Klan, y de una manera casi ridículamente trillada, mientras ataca las filas de la Iglesia Católica con una breve estadía en la Ciudad del Vaticano antes de terminar justo en medio del Anschluss austríaco. Aunque Preminger supuestamente pasó todo el rodaje gritando al protagonista Tyron para que lo impulsara a una mejor actuación, es decir que más tarde se retiraría de la actuación en la pantalla y se convertiría en novelista, el personaje exhibe casi cero fervor religioso, es infaliblemente soso como protagonista a pesar de la amenaza colgar su sotana en varias ocasiones y, como la película que lo rodea, permanece sin aire, serpenteante, árido, vacilante y abrumadoramente estúpido de principio a fin. Extrañamente, John Huston aparece para un cameo como obispo avuncular tocando el piano y Romy Schneider, despojada de su atractivo erótico habitual, irónicamente grita irónicamente sobre que su dictador totalitario reprima su individualidad. El alcance de Preminger sería admirable si el producto final no fuera tan lento pero, como advierte uno de los innumerables clérigos de la película, la ambición equivocada puede ser fatal y rdquo; a la carrera de un sacerdote y rsquo; Desafortunadamente en este caso, lo mismo resulta ser cierto para los directores de cine, ya que Preminger sucumbe a quizás el peor pecado capital de todos: el aburrimiento aplastante. [C]

capitán marvel billones

“; Bunny Lake está desaparecido ”; (1965)
Curio extrañamente deformado de una película, 'Bunny Lake is Missing' es notable por presentar todos los excesos de PremingerDirector s personaje de director: por cada paso en falso hay un destello redentor de genio, o, al menos, wtf? -Ness. La trama detalla a una joven estadounidense en Londres, Anne (Carol Lynley, la elección de Preminger sobre Jane Fonda), que descubre que su hija, Bunny, ha desaparecido de la escuela. Pero nadie parece recordar a la pequeña niña, y la pregunta para el inspector (Laurence Olivier, infrautilizada, que interpreta el centro tranquilo de la tormenta cada vez más histérica) es si Bunny existe fuera de la imaginación de su madre. Rodada en blanco y negro inmaculado, que rezuma esa marca muy británica de la surrealidad de la década de 1960 (las ubicaciones de Londres se utilizan para un efecto espeluznante) y se abrió con una secuencia de título Saul Bass típicamente gloriosa, la película al menos se ve consistentemente hermosa. Y la actuación de Lynley, aunque extrañamente ausente como si estuviera bajo el agua, en realidad vale la pena más adelante en la película, dándole a Anne matices que posiblemente una actriz más comprometida podría no tener. Pero trazar la trayectoria inversa de un buen desempeño a un mal es Keir Dullea como el hermano de Anne, cuyo otro mundo, mi dios, está lleno de estrellas, reinó inicialmente, pero a medida que su encanto suave da paso a la espeluznante y luego a la luz de ... debajo de la locura, obtenemos una señal demasiado clara demasiado pronto sobre quién es el realmente perturbado. Por supuesto, dado que esto es Preminger, hay corrientes subterráneas: la relación hermano / hermana es marcadamente incestuosa, en carácter, si no en hecho, y el personaje de Noel Coward, que lleva Chihuahua, golpea agresivamente a Anne y luego muestra su colección de látigos para la policía solo parece estar allí para ampliar el cociente de desviación sexual. Hmm, ¿hay un horrible vínculo musical con cuernos de zapatos con el grupo pop The Zombies, pero también hay un puñado de grandes actores británicos en papeles secundarios? Y hay una sensación de temporalidad fallida (¿realmente sucede todo esto en un día?), Pero también existe la brillante cinematografía de Denys N. Coop. La calificación de los pros y los contras de la película termina en un empate: puede descartarlo como una olla sobrecargada, o puede disfrutarlo por lo que es: una caldera sobrecargada. [SI]

“; Date prisa Sundown ”; (1967)
Basado en un best-seller actual del equipo de marido y mujer. Katya y Bert gremios (escrito bajo el seudónimo K.B. Gilden), “; Hurry Sundown ”; debe haber parecido un éxito en ciernes. ¿Quién mejor para abordar este drama de los problemas de la cama caliente de la década de 1940, rociado con una saludable dosis de lujuria y racismo? Mientras Preminger puede parecer la apuesta segura, el drama flácido, predicador y simplemente aburrido presentado aquí debe tomarse detrás de la leñera, para decirlo amablemente. El primo angelical Rad (John Phillip Law) lucha contra las maquinaciones sin escrúpulos de esquivar el bosquejo, abusar de los niños y tocar el saxofón al primo Henry (Michael Caine, ¿qué has forjado?). Henry busca tierras preciosas, una parcela propiedad de Rad, que está en casa recién llegada de la guerra, y la otra por Reeve (Robert Hook). Reeve es un hombre negro que trabaja duro, no confía en la gente blanca, y cuida a su madre Rose (Beah Richards), quien resultó ser la 'ldquo; mami ”; de Julie Ann (Jane Fonda, humeante), la esposa de Henry. Preminger dirige con habilidad de trabajo, pero la película se le escapa, exhibiendo una ingenuidad impropia de los tiempos, especialmente con un largo segmento dedicado al corte transversal entre el hogar roto de Caine y el arreglo de Brady Bunch de Law. Al final, “; Date prisa Sundown ”; probablemente se sintió anticuado cuando fue lanzado y ahora se siente absolutamente antiguo. Una película menor en la carrera tardía del director. [C +]

“; Skidoo ”; (1968)
Incluso sentarse y mirar “; Skidoo ”; es continuar sin creer en su propia existencia. Los “; Southland Tales ”; En su momento, esta historia de drogas enloquecedora se refiere a Jackie Gleason, de mediana edad, como un ex musculoso de la mafia que, ahora viviendo la buena vida en los suburbios, se ve obligado a retirarse. Alistado para ir a prisión para ejecutar a un mafioso infame, en su lugar deja caer ácido y descubre que su nueva conciencia no puede cometer un asesinato. Cuando Timothy Leary colabora con Alejandro Jodorowsky, sale y ldquo; La montaña sagrada. ”; Cuando se presenta Otto Preminger y Groucho Marx (aquí haciendo el papel de un criminal llamado Dios) al LSD, terminamos con este amor sordo que suena como una parodia de la interpretación de un viejo de los hippies. El extraño elenco encuentra espacio para Carol Channing (un poco vieja para interpretar una canción en sus skivvies), Frankie Avalon, George Raft, Mickey Rooney e incluso “; Batman ”; villanos César Romero, Burgess Meredith y Frank Gorshin (posibles consecuencias del propio Preminger apareciendo como Mr. Freeze en el programa de los años 60). Como tal, “; Skidoo, ”; que termina desconcertantemente con Harry Nilsson cantando los créditos, es el anuncio antidrogas más fuerte que el mundo haya producido jamás; si expandir su mente nos lleva a esto, nos quedaremos todos adentro por el resto de nuestras vidas. A diferencia de todo lo que Preminger haya hecho alguna vez, y un candidato seguro para la peor película jamás hecha. [F]

Y el resto:
Con 35 películas a lo largo de su carrera, apenas hemos arañado la superficie, pero el tiempo y la falta de disponibilidad de muchas de estas películas significaron que no podíamos cubrir todo. Sin embargo, aquí hay una guía rápida para el resto de PremingerFil s filmografía. Su película debut en 1931 mientras aún estaba en Austria fue 'Die große Liebe', un melodrama sin distinciones. Su primera película de Hollywood estuvo igualmente lejos de ser la mejor: la comedia ligera 'Under Your Spell', un vehículo para el cantante de ópera Lawrence Tibbett, quien 20th Century Fox Querían sacar sus libros lo antes posible. La comedia romántica leve pero bien recibida 'Danger - Love At Work' siguió al año siguiente, antes de que Darryl F. Zanuck lo despidiera de la adaptación de Robert Louis Stevenson 'Secuestrado' en 1938.

Esto marcó el comienzo de una brecha de media década lejos del cine, ya que Preminger regresó y encontró un gran éxito en el teatro. Con Zanuck peleando en la Segunda Guerra Mundial, fue traído de regreso al estacionamiento de Fox cuando Ernst Lubitsch abandonó la adaptación del éxito teatral de Preminger 'Margen of Error' (en el que el director también protagonizó). La película es notable por ser escrita por un joven Sam Fuller. Esto fue seguido por 'Mientras tanto, cariño', una historia de amor en tiempos de guerra que no tuvo un gran impacto, pero 1945 vio 'Laura, 'Y finalmente se creó el nombre de Preminger.

Tomó el relevo de Lubitsch nuevamente en 'A Royal Scandal', más tarde retitulado 'Czarina', en 1945, pero pocos pero incondicionales fanáticos de Lubitsch hablan bien de ello. Su primer musical y primera película en color, 'Centennial Summer', lo unió a Jerome Kern con malas críticas, mientras que 'Forever Amber' (otro trabajo de reemplazo de último minuto) fue aún peor, una película que Preminger describió como 'la película más cara con diferencia'. Lo hice y también fue lo peor '.

Preminger reemplazó a Lubitsch por tercera y última vez después de la muerte del director en 'That Lady In Ermine', y tuvo otro fallo en 1949 con 'The Fan', una adaptación de Oscar Wilde. El remake de 'La 13ª carta' Clouzot“S' Le Corbeau 'a resultados predeciblemente infructuosos, mientras cortejó una gran controversia por primera vez con' The Moon Is Blue 'en 1953, una comedia sexual sin dientes protagonizada por David Niven que por alguna razón molestó a los censores a lo grande. 1955 vio 'La corte marcial de Billy Mitchell', uniendo a Preminger con Gary Cooper para una historia basada en hechos sobre un crítico abierto del ejército; quizás sea la película mejor recibida que no pudimos ver (podemos agradecer un envío tardío de Netflix por eso ...)

1957 lo vio trabajar con Graham Greene en una adaptación de 'Saint Joan' de George Bernard Shaw, pero Greene y Shaw no fueron una buena pareja, y la película fue mal recibida. 'Porgy & Bess', basado en el Gershwin La ópera fue nuevamente controvertida, particularmente porque emparejó al director con su ex amante, Dorothy Dandridge y, sorprendentemente, es casi imposible de encontrar; solo existe una impresión, y nunca se ha lanzado en formatos domésticos. Las malas críticas también siguieron a la película de guerra de estrellas 'In Harm’s Way', que a pesar de un elenco que incluía a John Wayne, Kirk Douglas, Patricia Neal y Henry Fonda, fue criticada por ser demasiado directa.

Y luego llegó la era de 'Skidoo', con 'Dime que me amas, Junie Moon', un extraño romance protagonizado por Liza Minnelli como una mujer joven con una cara marcada por el ácido, la comedia escrita por Elaine May 'Tales buenos amigos '(Que obtuvo mejores críticas que la mayoría de su producción de la década de 1970) y el thriller de terror' Munich ',' Rosebud '. La película final de Preminger, la adaptación de Graham Greene de Tom Stoppard,' The Human Factor ', está algo subestimada; no es una gran película, de ninguna manera, pero su combinación de suspenso y política de la era del apartheid le permite a Preminger aproximarse a su mejor forma en algunos lugares. - Jessica Kiang, Sam Price, Rodrigo Pérez, Sam Chater, Katie Walsh, Gabe Toro, Christopher Bell, Oliver Lyttelton, Mark Zhuravsky



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