Las películas de Andrei Tarkovsky: una retrospectiva

El gran director sueco. Ingmar Bergman entonado en su autobiografía de 1987, y ldquo;La linterna mágica, y rdquo; que descubriendo el cineasta ruso Andrei TarkovskyEl trabajo de rsquo; era, “; Un milagro. Tarkovsky para mí es el mejor [director], el que inventó un nuevo lenguaje, fiel a la naturaleza de la película, ya que captura la vida como un reflejo, la vida como un sueño. ”;



En 1987, unos meses después del fallecimiento de Tarkovsky Akira Kurosawa alabaría su “; sensibilidad inusual [como] abrumadora y asombrosa. Casi alcanza una intensidad patológica. Probablemente no haya igual entre los directores de cine vivos ahora. ”; Y cineasta experimental Stan Brakhage estaba prácticamente enamorado, persiguiéndolo en el Festival de cine de Telluride en 1983 para proyectar su trabajo y llamarlo, y ldquo; el mejor cineasta narrativo vivo. ”;

Los elogios para Tarkovsky, uno de los cineastas más influyentes de Rusia, generalmente son aplausos brillantes, inspirando un ardor que encontraría el trabajo del director de culto examinado y estudiado durante años. Pero casi igualmente celosos son sus detractores; audiencias y críticos que encuentran su trabajo lento, lánguido e inescrutable aburrido e impenetrable. Estas opiniones tan disparatadas de adorarlo o aborrecerlo solo pueden significar una cosa: que las películas de Tarkovsky representan la apoteosis de un cierto tipo de filmación y, en última instancia, su predisposición a que le guste ese tipo de película condiciona su reacción a Tarkovsky. Incluso aquellos que odian las películas lentas, meditativas y oníricas no pueden negar el dominio de Tarkovsky de la forma. Y con la historia del cine constantemente en estado de revisión, el trabajo de Tarkovsky, como el goteo del agua en busca de una salida, siempre encuentra caminos para la revalorización. Esta semana, Kino International lanza su imagen final, “; The Sacrifice ”; en Blu-Ray, y a principios de este año en mayo, la Colección Criterion, que tiene tres de sus películas en su catálogo, lanzó su clásico de ciencia ficción, 'Solaris' en el formato Blu.



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Fascinado infinitamente por lo espiritual, lo metafísico, la textura de los sueños y la memoria, Tarkovsky evitó la narrativa y la trama convencionales, y en su lugar trató de iluminar la esencia del inconsciente a través de un cine paciente, enigmático y reflexivo que bordea la divinidad poética.



Si bien sus métodos y su estética son claramente diferentes, uno se pregunta por qué las películas de Terrence Malick y las meditaciones similares de gran tamaño rara vez aparecen en las conversaciones sobre Tarkovsky. Parece haber cierto parentesco entre su trabajo, aunque es poco probable que el cineasta ruso se haya dignado alguna vez incluir una voz en off que literalmente haga en voz alta cada pregunta metafísica; Era más su estilo plantear estos acertijos a menudo existenciales implícitamente, dejando que las imágenes hicieran el trabajo, silenciosamente, en sueños.

Creando solo siete películas en veinticuatro años, Tarkovsky permitió que sus películas respiraran, y luego algunas, a menudo se caracterizan por su duración exorbitante (“; Andrei Rublev ”; es de 3 horas y 25 minutos), su ritmo pausado y el uso de Disparos de seguimiento extendidos que podrían durar de 7 a 10 minutos, todo lo cual habitualmente prestaba a sus imágenes una atmósfera somnolienta, alucinante e hipnótica. Tarkovsky creía que el cine era la única forma de arte que realmente podía preservar el flujo del tiempo, lo que tal vez explica un poco la duración de sus películas, y si bien su tenor hipnótico y su ritmo sedante pueden hacer que el espectador promedio se duerma, su y ldquo; escultura de tiempo y rdquo; ethos (el nombre de su libro póstumo de 1989) generalmente inspira asombro, asombro y una sensación de hermosa ambigüedad en aquellos con paciencia y curiosidad lo suficiente como para entregarse a la experiencia. Como John Gianvito dicho en su libro de entrevistas Tarkovsky 2006, el corpus de su trabajo es la 'búsqueda casi mesiánica de nada menos que la redención del alma del hombre'.

“;La infancia de Ivan”; (1962)
No muchos cineastas se han intelectualizado de manera tan desalentadora como Tarkovsky, pero los principiantes cautelosos toman nota: su primer largometraje expresivo, y ldquo;Ivan ’; s Childhood”; muestra destellos de sus florituras y temas característicos, pero encuentra al director en su punto más accesible, su narración casi lineal llega en 95 minutos eficientes. Ivan, jugado brillantemente por Nikolay Burlyaev, es un joven ruso con cara de ángel y corazón de león que, huérfano por la guerra, se convierte en explorador del ejército soviético. Sueña, hace creer, se rebela contra la protección bien intencionada de sus mayores; en resumen, es un niño, en un momento y lugar que tiene poco respeto por la infancia. La historia es simple y devastadora, pero lo que el mito de Tarkovsky (sus películas son y ldquo; difícil y rdquo; y ldquo; digno y rdquo;) puede que no te prepare, es la pura alegría cinética que se obtiene de las imágenes que, a través de la colocación de la cámara, la coreografía o la iluminación luminosa de una cara, son diferentes a cualquier otra cosa que haya visto. Para invocar la comparación de Malick, esto es, como “; The Thin Red Line, ”; una película de guerra aparte, pero irónicamente, considerando que estaba trabajando bajo un régimen comunista, es la película de Tarkovsky la más individualista y personal. Donde Malick creó un coro, un tiempo de guerra colectivo inconsciente, Tarkovsky hace que ldquo; Ivan ’; s Childhood ”; como un retrato agudo y agridulce de un niño: su cuerpo, su rostro, sus sueños, sus recuerdos y todas las demás cosas que perdemos si perdemos a este inocente. Porque, en última instancia, no se trata de una película sobre la infancia, sino sobre el final de la infancia; en la forma de Kholin, el apuesto oficial que se hace amigo de Ivan pero que nunca ha crecido; o el teniente Galtsev, cuyo rostro juvenil y apuesto queda marcado y atormentado; o al pequeño Ivan cuya infancia termina, al parecer, varias veces, y posiblemente cada vez que se despierta. Hermosa y triste, y salpicada de imágenes que permanecen en la mente, “; Ivan ’; s Childhood ”; Es quizás más notable por ser un debut que su joven director llegaría a la cima en repetidas ocasiones, pero siendo, en sí mismo, una película maravillosa. [UN-]

“;Andrei Rublev”; (1966)
Teniendo en cuenta que el cine ahora está firmemente establecido como una forma de arte, es curioso que no se trate realmente bien con el arte como tema: las películas sobre escritores, músicos, pintores e incluso otros cineastas tienden a ser simplistas y reductivas. La gran excepción (en todos los sentidos) es 'Andrei Rublev', Que, a lo largo de más de tres horas, dramatiza episódicamente la vida del gran pintor medieval ruso de íconos religiosos. Pero no cometa el error de pensar que eso significará que la película en sí es pintoresca: el mundo que representa Tarkovsky es brutal, sin sentido y caótico (la famosa escena de la muerte de un caballo asegura que no es una película para amantes de los animales). Pero al igual que su protagonista, el director encuentra belleza en la oscuridad, desde el vuelo en un globo de aire caliente en el prólogo de la película, hasta el asombroso disparo ininterrumpido de la campana levantada en el clímax, el incidente que convence a Rublev de regresar a la pintura Lo más importante, es una película sobre el papel de un artista en el mundo que lo rodea: queda claro por el arresto de un bufón en una escena temprana que este no es un clima feliz para el tipo creativo, y Rublev mira sin quejarse, pero, después Alejándose del arte durante gran parte de su vida, finalmente se convence de que lo que hace tiene un valor real, que es una necesidad. Y cuando el final de la película muestra el trabajo de Rublev (la única parte de la película en color), nadie puede estar en desacuerdo. Como era de esperar, las autoridades no estaban contentas con la película terminada de Tarkovsky: no se estrenó en la Unión Soviética hasta 1971, en una edición reducida, y solo llegó a los Estados Unidos dos años después en una versión aún más brutalizada. Pero el Colección de criterios lanzó el corte original en 1999, consolidando la reputación de la película: The Guardian el año pasado la votó como la segunda mejor de todos los tiempos. Dato divertido, un poco desconcertante: coguionista Andrei Konchalovsky pasó a dirigir 'Tango y efectivo.” [A+]

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“;Solaris”; (1972)
El seguimiento de Tarkovsky a 'Andrei Rublev'Rara vez se menciona en una oración sin la palabra' 2001 'apareciendo al mismo tiempo. Pero, aparte de ser una película de ciencia ficción reflexiva, espiritual y meditativa, basada en una novela de uno de los grandes del género (escritor polaco Stanislaw Lem), tienen poco en común: como J. Hoberman señaló una vez en The Village Voice, la película de hecho se parece más a otra querida crítica, Alfred Hitchcock‘S“Vértigo. ”No hay artilugios ni imágenes generadas por computadora, solo personas, en la historia de Kelvin, un psicólogo enviado para investigar sucesos extraños en una estación espacial que orbita el planeta oceánico Solaris, solo para ser recibido allí por una manifestación de su fallecimiento. esposa, que se suicidó años antes. A pesar de toda su temible reputación y tiempo de ejecución, es una simple historia de dolor y amor perdido, aunque llena de preguntas de ciencia ficción sobre la identidad y la naturaleza de la humanidad. Hari, la esposa de Kelvin, está construida a partir de neutrones, pero tiene todos los recuerdos, pensamientos y sentimientos de su contraparte fallecida, ¿eso no la hace tan humana? Es una historia devastadora (el segundo intento de suicidio de Hari es realmente desgarrador), y posiblemente la historia más profundamente sentida de Tarkovsky. Hay un argumento que hacer que Steven SoderberghLa nueva versión de 2002 es la película superior: con casi la mitad de la duración, es una imagen más ajustada y enfocada, que no pierde nada realmente esencial, pero cortar el original sería una locura: como en todo su trabajo, el Los mejores momentos, como la lánguida apertura terrestre o la sorprendente secuencia de gravedad cero, son casi trascendentes. Soderbergh luego declararía que estaba adaptando la novela, no rehaciendo la película “; Solaris, ”; y comparó la imagen de Tarkovsky con una “; sequoia ”; mientras que el suyo era 'ldquo; un pequeño bonsái'. [UN]

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“;Espejo”; (1975)
Trabajando de una manera profundamente personal, corriente de conciencia (un ancestro lejano de Terrence Malick‘S“El arbol de la Vida'Sin duda, excepto sin dinosaurios maliciosos), la penúltima película soviética de Tarkovsky evita la trama tradicional y, en cambio, funciona a su propio ritmo y lógica, correlacionando directamente con el corazón palpitante sentimental del cineasta. Cambiando entre tres períodos diferentes (antes de la guerra, la guerra y la posguerra), el narrador de la película recuerda su vida mientras estaba en su lecho de muerte, soñando con todo, incluidos los argumentos con su ex esposa y un momento bastante estresante que involucra a su madre. día de corrección de trabajo. Considerado incomprensible e indescifrable por Gosinko, el comité estatal de cinematografía de Rusia, 'Espejo'Es una composición cinematográfica que afecta asombrosamente, una película densa sorprendentemente desprovista de las dificultades que las narraciones minimalistas de lento movimiento tienden a requerir. Esto podría deberse a la habilidad de Tarkovsky para enfocarse en la esencia de un momento en particular, ya sea una sesión televisiva extraña que involucra a un niño tartamudo curado de su discapacidad (que también tiene que ser una de las mejores aperturas en el celuloide) o el simple acto de una figura materna lavando su cabello en un lavabo. O podría ser simplemente el dominio absoluto del medio en exhibición, ya que su cinematografía 'esculpiendo en el tiempo' y su diseño de sonido auditivo (tanto la selección de música clásica como la atención a las melodías de la naturaleza) nunca han sido mejores. Esto no es solo el alma de alguien capturada en una película, es la vida en estado puro; una obra maestra certificada de principio a fin. [A +]

“;Acosador”; (1979)
Mientras que “;Solaris”; es probablemente la película más conocida de Tarkovsky ’; debido a sus asociaciones de género y su nueva versión de 2002, el escenario post-apocalíptico de “;Acosador”; tiene la misma cantidad de trampas de género, pero podría decirse que tiene más éxito (el mismo cineasta afirmó). Ambientada en un mundo que parece ser una Rusia post-nuclear (pero esto está implícito), la película narra el viaje de dos hombres a la Zona: un lugar extraño, místico y abandonado custodiado por alambre de púas y soldados, que alberga una habitación que supuestamente contiene la utopía opaca de las más profundas esperanzas y sueños. No limitado por las leyes de la física e inexplicable e invisiblemente peligroso, la Zona solo se puede navegar con la ayuda de un Stalker, un individuo con dones mentales especiales que se arriesga a ser encarcelado por el gobierno por llevar a los desesperados o curiosos a esta área prohibida. Contra los deseos de su esposa, un Stalker en particular acompaña a un escritor en una crisis existencial y a un científico silencioso a la zona, donde, mientras los tres hombres descienden en espiral hacia las profundidades del edificio, cada uno de ellos se enfrenta a problemas morales, psicológicos, existenciales, filosóficos y incluso preguntas y conflictos físicos. Tan enigmático y misterioso como cualquiera de las imágenes de Tarkovsky, como en “; Solaris, ”; los vagos elementos de ciencia ficción le dan suficiente narrativa para convertirlo en una de sus imágenes más atractivas, sin embargo, nunca se compromete a lidiar con los temas metafísicos y espirituales que rondan todo su trabajo. Marcado por un diseño de sonido táctil, magníficos tonos sepia monocromáticos marrones y una atmósfera en ruinas tanto decaída como saturada de agua, es casi un milagro que “; Stalker ”; sucedió, considerando que Tarkovsky trabajó durante un año completo filmando secuencias al aire libre con un director de fotografía diferente, grabando imágenes que finalmente quemó. Se podría argumentar que la imagen es un corazón de viaje oscuro hacia lo desconocido, aunque es una imagen mucho más surrealista y metafísica que Joseph ConradLa historia de rsquo; siempre pretendió. [UN]

“;Viaje en el tiempo”; (mil novecientos ochenta y dos)
Después de años de enfrentarse a una censura insostenible en su tierra natal de Rusia, Tarkovsky se iría a Italia en 1982, convirtiéndose en el tiro de 1979 y ldquo;Viaje en el tiempo”; documental una instantánea formativa de la historia personal del cineasta. Visitando a su amigo, el guionista italiano Tonino Guerra, el hombre responsable de Michaelangelo AntonioniLa clásica tetralogía de 1960-1964: el documental es explorador de ubicaciones parciales para “;Nostahlgia”; (finalmente se instala en la desolada campiña de Bagno Vignoi), parte de un cuaderno de viaje italiano y parte de una conversación de forma libre entre dos amigos que discuten el arte del cine y la vida. La pareja habla sobre los cineastas favoritos de Tarkovsky y rsquo; Alexander Dovzhenko, Robert Bresson, Antonioni, Fellini, Jean Vigo, Sergei Paradzhanov - asesorar a cineastas más jóvenes y abordar temas como la arquitectura italiana, la poesía y la “; ficción ”; de narrativa y acción. Si bien la conversación es interesante, no es especialmente esclarecedora para aquellos que no son devotos de Tarkovsky-ites, aunque hay algunas revelaciones menores. Tarkovsky afirma que no le gustan las películas de género o comerciales y, en ese sentido, dice “;Solaris”; - considerado como su mejor película por muchos - es el menos exitoso porque no pudo escapar de las trampas del género, de los detalles ficticios. Sin embargo, en el caso de “;Acosador, y rdquo; él cree que funciona porque él y él se deshicieron de todos los signos de ciencia ficción por completo. Eso me da un gran placer. ”; Como todas las películas de Tarkovsky, el ritmo es lento y meditativo, lo que de alguna manera se presta menos al formato documental que a sus películas de ficción. Como tal, es realmente solo para los fanáticos completos de Tarkovsky. [C +]

“;Nostalghia”; (1983)
Un ataque al corazón, una característica abortada y una censura atroz, impidió que Tarkovsky pudiera trabajar de manera sensata en su tierra natal, pero fue esta, su primera producción fuera del país la que confirmó su vehemente negativa a regresar, una decisión que solo se fortaleció cuando las maquinaciones de imágenes de la delegación soviética hicieron una campaña exitosa contra sus posibilidades en una Palme d ’; O ganar en el Festival de cine de Cannes ese año. Coescrito con Tonino Guerra (“Eternidad y un dia,” “Explotar', Etc.), el ojo fascinante de la película sigue a un poeta ruso en Italia (los lugares capturados en la cinematografía que no solo ama, sino que adora a su tema). El poeta supuestamente está investigando al compositor fallecido Pavel Sosnovsky, pero en cambio se enamora de un vagabundo trastornado que conoce (Domiziana Giordano), y, anhelado por el hogar y plagado de sueños en los que él es el nómada problemático, finalmente se compromete a realizar un ritual espiritual que, según el extraño, salvará al mundo de la condenación. Abstracto y opaco, aún así, no se puede negar cuán completamente refleja el conflicto interno del cineasta sobre el abandono del país y la familia para trabajar de manera segura en el extranjero. Más que un simple comentario sobre un poco de lujuria sentimental, la palabra “; Nostalghia ”; significa lo mismo tanto en ruso como en italiano, por lo que evoca la observación de la película de cómo dos elementos separados pueden combinarse, para hacer un 'uno' mayor / más extremo. Este tema de unidad de dualidad también se evidencia por 'Nostalghia'Presentando no un sustituto para el director, sino dos: el artista nostálgico, pero racional, y el loco; ambos imposiblemente dedicados a una sola filosofía. Es el contraste entre estos dos lo que refleja directamente a Tarkovsky, el hombre de familia, frente a Tarkovsky, el autor, pero en una dualidad, generalmente prevalece un lado y aquí, la racionalidad pierde: el poeta muere y el cineasta, en la vida real, deja su familia por su arte. 'Nostalghia' ciertamente puede verse como un anhelo melancólico por el hogar, pero también puede leerse como una obra altamente autocrítica, llena de remordimiento y castigo por elegir la libertad artística sobre los parientes. De cualquier manera, es un tour de force desgarrador. [UN]

“;El sacrificio”; (1986)
Completada poco antes de su muerte por cáncer terminal de pulmón en 1986, la última película de Tarkovsky puede ser el apogeo de todo lo que intentó lograr en el cine. La afición de Bergman por Tarkovsky ha sido bien documentada y el sentimiento era mutuo; la imagen del set sueco protagonizada Erland Josephson - un actor clave de Bergman que dirigió varias de las fotos del sueco incluyendo 'Escenas de un matrimonio,” “Sonata de otoño'Y'Fanny & Alexander”; - y presentó la cinematografía pictórica de Sven Nykvist. La fe y la ausencia de espiritualidad siempre fueron temas centrales de Tarkovskian y ambos son examinados y probados en este hipnótico drama de moralidad. Josephson interpreta a un periodista y ex filósofo cuyo cumpleaños se ve interrumpido por la noticia de que la Segunda Guerra Mundial ha estallado y la humanidad está a solo unas pocas horas de la aniquilación. Un ateo devoto, en su desesperación, Josephson reza a Dios, incluso ofreciendo la vida de su hijo si se puede evitar la guerra. Duerme con una bruja para mostrar su fidelidad a Dios, pero al día siguiente todo está bien y no está claro si los eventos anteriores fueron solo un sueño. Filmada en las tomas habitualmente largas de Tarkovsky (algunas que alcanzan casi 10 minutos), la película se registra en poco menos de tres horas y es quizás la más soñadora del cineasta, en una carrera caracterizada por películas hipnagógicas. Se construyó una casa gigantesca especialmente para la producción y cuando las cámaras no lograron capturar su incineración en una larga toma de seguimiento, la casa fue reconstruida fielmente y una vez más se quemó en el suelo. Terrence Malick y Jack Fish estaría orgulloso. En el Festival de cine de Cannes ese año, la película recibiría el premio del Gran Jurado, y los premios FIPRESCI y el Jurado Ecuménico. [UN]

- Rodrigo Pérez, Jessica Kiang, Christopher Bell, Oliver Lyttelton



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