Lo Esencial: Michelangelo Antonioni

Mientras había hecho cinco películas anteriores, 1957 ’; s “;El grito”; siendo el más esencial del grupo, cineasta italiano Michelangelo AntonioniLa carrera de rsquo; realmente no comenzó en serio hasta una noche de mayo de 1960 en el Festival de cine de Cannes donde su última película, y ldquo;la aventura, y rdquo; fue recibido con abucheos, bostezos exagerados, abucheos fuertes e incluso risas burlonas. Antonioni había hecho una película misteriosa, escasa y opaca que definiría el resto de su carrera: una película inusual, como muchas otras que seguirían, donde 'no pasa nada' y 'rdquo'; al menos en la estimación de sus críticos más duros. Era, como él lo describió, un tipo de película negra al revés: una socialité desafectada se embarca en un viaje en barco con amigos de la alta burguesía solo para desaparecer repentinamente en una isla pequeña y remota; ella nunca se encuentra. De hecho, ella está olvidada y se evapora de la conciencia de la película y de los personajes. A medida que su memoria se desvanece en el fondo, su novio y su mejor amigo pasan de preocupados e investigativos a eventualmente enamorados el uno del otro y se enredan en su propia aventura amorosa problemática y torturada. Sin embargo, la película no es una condena de su comportamiento supuestamente superficial, sino que es una exploración de la naturaleza inexplicable del amor, la ambivalencia moral y la fragilidad del comportamiento moderno.



Cineasta, novelista y guionista Alain Robbe-Grillet (el escribio Alain Resnais‘Obra maestra,'El año pasado en Marienbad') Dijo una vez, describiendo el trabajo de Antonioni con un autor comparable,' En un Hitchcock película, el significado de lo que ves en la pantalla se retrasa constantemente, pero al final de la película lo entiendes todo. Con las [películas] de Antonioni, es exactamente lo contrario. ”; Las imágenes panorámicas espartanas siempre fueron claras, pero el significado evolucionó constantemente incluso cuando la película terminó. Y así fue que el día después del estreno de Cannes, cuarenta y tantos artistas del festival, incluidos Roberto Rossellini había escrito a Antonioni alabando su osadía. La película ganaría un Premio Especial del Jurado “; por su notable contribución a la búsqueda de un nuevo lenguaje cinematográfico. ”;

Quizás envalentonado por esta afirmación, Antonioni continuaría con lo que describió como trabajos de búsqueda; Intrincados y enigmáticos elementos de humor centrados en personajes desafectos y espiritualmente a la deriva que sufren la enfermedad emocional del tedio, la alienación, la apatía y las crisis existenciales. Un producto del cine europeo de la posguerra, Antonioni fue descrito como un modernista en el sentido de que se atrevió a impulsar el lenguaje cinematográfico, pero también intentó expresar moralejas y emociones anacrónicas (simpatiza con los amantes de “; L ’; Avventura ”; incluso si según los códigos de la sociedad moderna, son traicioneros). Y si bien la clase siempre fue un tema en cierta medida, de los socialites en 'Los amiches', Al padre vagabundo en'El grito', Para las parejas acomodadas en su' trilogía de alienación ', su principal preocupación era más el descontento fundamental que parece ser un subproducto de la riqueza, no la riqueza misma.



Jerome f. davies

La preocupación de Antonioni con esta genial, a veces desapasionada y ldquo; exquisita alienación ”; a menudo tomaría una forma similar; una austera pero hermosa majestad visual, una grandeza arquitectónica que a menudo oprimía la psicología de sus personajes dentro de su entorno (el entorno es todo para el cineasta) y tiempo muerto [tiempo muerto], esos momentos después de que la acción de la escena realmente termina, cuando la mirada de la cámara se demora, absorbiendo lo inexpresable. “No pasa nada, hombre; es solo que mucha gente no va a ninguna parte ' Mark Frechette, uno de los actores de Antonioni, dijo una vez de sus películas. Pero cada película tuvo un viaje, aunque uno donde los personajes estaban inevitablemente atrapados en una intrincada psicosis de indiferencia, ambivalencia y silencios pesados.



El cineasta sería galardonado con un Oscar a los logros de toda la vida en 1995, dos años después de que se le otorgara el mismo honor a su homólogo. Federico Fellini. Este último siempre será el nombre más conocido en el cine, pero con las contribuciones de Antonioni a la forma y el desmantelamiento de la gramática convencional, tal vez no obtenga su debido reconocimiento de ninguno de los círculos cinéfilos más raros a lo largo de los años, podríamos argumentar un mayor la reevaluación no puede estar muy lejos. Tal vez con el retraso de la semana pasada Colección de criterios liberarse de 'La noche', Quizás la más impactante de toda su tetralogía moderna, el momento es ahora. Con este error finalmente corregido (estamos seguros de que era una cuestión de derechos, pero 'La Notte' pertenecía a la colección hace una década), decidimos echar un vistazo a lo esencial de un titán del cine que a veces se pasa por alto: Michelangelo Antonioni.

“;la aventura”; ('La aventura' 1960)
Anticipando Hitchcock’s atrevido cambio de protagonista antes de 'Psicópata', Como se mencionó anteriormente, la sexta película de Antonioni fue un hito revolucionario para el cineasta y nunca miraría hacia atrás. Evitando la trama convencional y las formas narrativas, el modernista italiano aprovechó el espíritu europeo de la posguerra explorando nociones de incertidumbre, inquietud y hastío. Un 'noir a la inversa', 'la aventura'Son casi dos películas diferentes en una: una primera mitad austera, inquietante y extrañamente inquietante donde una persona de la alta sociedad desaparece en una isla remota mientras viaja en barco con sus amigos acomodados, su ambiente frío, como siempre, es el escenario perfecto para la psicología desafectada de los personajes (un elemento fundamental de todas las películas posteriores de Antonioni). En su segunda mitad, 'L’Avventura' casi abandona a la niña desaparecida, se aleja como un recuerdo brumoso y triste, y luego rastrea a su novio Sandro (Gabriele Ferzetti) y la mejor amiga Claudia (Monica Vitti) ya que finalmente se enamoran mientras inicialmente buscan en vano a su compañero perdido. La imagen podría verse como una erosión de los valores: cómo los amigos abandonan a sus compatriotas por un asunto superficial que probablemente no va a durar, pero Antonioni en realidad está operando en un nivel más complejo y abrazando su relación, no condenándola (que generalmente es el caso con los asuntos tórridos que representa). Para Antonioni, el erotismo es una herramienta emocional para enmascarar las deficiencias de los personajes. Sandro, por ejemplo, después de haber vendido su lado artístico para el trabajo hueco en el mundo comercial. Al final, las acciones nunca son juzgadas; No se trata de consecuencias. Como tal, 'L'Avventura' es un título audaz pero apropiado, lo que nos obliga a pensar en este tipo de aventura como una aventura que puede no llevar a ninguna parte o incluso significar mucho, en su exploración de las complejidades del deseo, el anhelo y el deseo. conexión. Porque al igual que las exploraciones de temática similar de Antonioni que siguieron, es una película que casi nunca proporciona respuestas satisfactorias o fáciles a los misterios del comportamiento humano.

“;La noche”; ('La noche' 1961)
La película central en la trilogía temática suelta que incluye “;L ’; Aventura”; y “;L ’; Eclisse, y rdquo; “;La noche”; (aunque muchos discuten y ldquo;Desierto rojo”; encaja bien temáticamente menos su uso del color), que también protagoniza el llamativo Monica Vitti junto a Jeanne Moreau y Marcello Mastroianni, encuentra a Antonioni destilando sus preocupaciones con la alienación, la fidelidad y la fragilidad del éxito social en una película concentrada, clara como el cristal pero aún deliberadamente enigmática, una que quizás pueda ejemplificar mejor el poder embriagador de su estilo para un neófito. Ciertamente, ganó aplausos, ganando el Oso de Oro en Berlín y, según los informes, entre Stanley KubrickSon las diez películas favoritas. La belleza absoluta del rodaje es un factor en juego, pero principalmente el proceso por el cual ejerce un control sobre nuestra atención es misterioso (y subjetivo: hay quienes lo consideran demasiado lento): es una película en la que una gran se produce un acuerdo, pero en realidad no sucede nada, al menos nada que parezca cambiar fundamentalmente nuestros personajes centrales, y mucho menos hacer que experimenten algo tan grosero como “; un arco. ”; En el transcurso de un solo día y noche, seguimos a Giovanni (Mastroianni) y su esposa Lidia (Moreau) mientras visitan a un amigo moribundo, asisten a firmas de libros y fiestas (Giovanni es un autor célebre), pero ocasionalmente se aleja solo o con potenciales amantes que se encuentran en el camino. Por su conclusión, obliga a una especie de confrontación sobre la naturaleza de su relación, y aunque parece claro que está irremediablemente fracturado, los cerramos haciendo el amor, en una trampa de arena en el campo de golf de un millonario al amanecer. se rompe Durante todo el proceso, las conversaciones entre la pareja suceden en una especie de alejamiento elevado, tan molesto y agobiado como a veces Lidia, Giovanni no logra consolarla; y aunque parece que Giovanni disfruta de las trampas del éxito y la admiración de sus compañeros, Lidia no legitima eso al tratarlo como importante. Es un retrato frío y escalofriante de una relación burguesa en un estado de entropía peculiar; incluso cuando buscan distracción con los demás, hay una extraña inevitabilidad en el hecho de que ellos y rsquo; terminarán juntos. Tal vez sea una especie de castigo por vivir este sueño burgués: Antonioni definitivamente siente que los está juzgando duramente por su autoabsorción y sus descontentos mimados. Pero míralo en un día diferente y podrías llegar a una conclusión muy diferente, que es una de las mejores cosas de esta película quimérica. Hermoso, mutable y siempre más allá del alcance de uno, “; La Notte ”; no es una película para la que todos encontrarán tiempo, aunque podríamos argumentar que aquí no se trata exactamente de la paciencia que necesita el espectador, solo la voluntad de permitir que las ricas imágenes de la película lo atraigan y sus corrientes frías se cierren sobre su cabeza.

“;el Eclipse”; ('Eclipse' 1962)
Cuando autor italiano Alberto Moravia, también consumido con ideas de alienación social y existencialismo, escribió 'El dinero es el elemento extraño que interviene indirectamente en todas las relaciones, incluso sexuales'. podría haber estado hablando de Antonioni ’; s “;Eclipse. ”; Una película que podría subtitularse, “; Heavy Petting, ”; es estrella Monica Vitti como Vittoria y Alain Delon como Piero, dos posibles amantes que coquetean con la idea de un romance, pero que luchan por comprender la verdadera intimidad. Pero el eclipse metafórico en la película es la ausencia de algo real o genuino, incluido el amor. Atormentado por un paisaje urbano de grandiosa arquitectura italiana moderna (yuxtapuesto con edificios a medio construir aparentemente abandonados debido a su estilo anticuado), Delon interpreta a un joven corredor de bolsa que se enriquece mientras la clase baja de Italia se desmorona. Una de estas pobres tontas es la madre de Vittoria, que jugó todo con malas decisiones. Recién salido de su propia ruptura con un hombre mayor, Vittoria conoce a Piero a través de esta conexión y bailan alrededor de la idea de estar juntos y profesar el amor verdadero el uno por el otro, incluidas varias sesiones de besos que eventualmente se sienten apáticos y vacíos. En ausencia de una verdadera conexión, estos personajes emocionalmente agotados intentan fabricar un amor eterno, pero nunca se gela y es efímero como los vientos inestables que le dan a su pequeña ciudad su atmósfera fantasmal y desencantada. “; Siento que estoy ’; m en un país extranjero, ”; Piero dice en un momento. “; Divertido, ”; Vittoria contadores. “; Así es como me siento a tu alrededor, ”; y probablemente sea un diálogo tan directo como cualquiera dice en la película. Profesando el amor verdadero, la pareja promete encontrarse en la esquina de la calle más tarde esa noche, pero ninguno aparece y la película termina con un montaje de siete minutos opaco y siniestro (y bastante famoso o infame según su punto de vista) de los paisajes urbanos vacíos. , misterioso, espeluznante y hermoso (los tontos estudios de Estados Unidos y los propietarios de teatros a veces cortaban esta sección abstracta de la película porque pensaban que simplemente confundía a los espectadores).

“;Desierto rojo”; (1964)
La penúltima película que Antonioni haría con Vitti es la primera en color del director, y hace un uso sorprendente de la nueva herramienta, enmarcando su paisaje urbano a una distancia dura y fría. De hecho, el diseño de sonido, la enigmática partitura electrónica y la cinematografía le dan a la película una calidad de ciencia ficción; parece existir en otro planeta. El director esperaba crear poesía a partir de la decadencia urbana, usando el color como un pintor y presentando las fábricas de humo como una máquina opresiva que perturba el medio ambiente, lista para apoderarse de los personajes. Aunque y ldquo;Desierto rojo”; parece bastante negativo, dejando a uno con la sensación de que la industria se está tragando la vida de la ciudad y creando un grupo de zombis embotados que se dedican a su día a día, era la esperanza de Antonioni que la audiencia viera la belleza en la industria tecnología. Su esperanza era “; traducir la poesía del mundo, en la que incluso las fábricas pueden ser hermosas. La línea y las curvas de las fábricas y sus chimeneas pueden ser más hermosas que el contorno de los árboles, que ya estamos demasiado acostumbrados a ver. ”; Es una historia de cómo nos adaptamos como seres humanos, con éxito o no, y a pesar de la representación del hastío moderno a través del personaje neurótico, antiguo colocado en la institución mental de Monica Vitti y su comportamiento apático al pasar de madre preocupada (su hijo finge estar paralizado en un punto) a adúltera (saltar en el saco con Richard Harris, un socio comercial de su esposo) en un esfuerzo por descubrir lo que le falta a su vida, nunca es uno para dar respuestas fáciles o dejarlo con cierto sentimiento. La película ganó el León de Oro en Venecia en su año de lanzamiento, una confirmación de que Antonioni estaba cerca de la cima de la casa de arte en su misión continua de llevar películas extrañas y sobrenaturales a cinéfilos aventureros.

“;Explotar”; (1966)
Recién salido del éxito arthouse de “;Desierto rojo, y rdquo; Antonioni fue contratado por el productor Carlo Ponti hacer tres fotos en inglés para MGM. El primero fue este cuento, adaptado del cuento y ldquo;The Devil ’; s Drool”; por Julio Cortázar y también inspirado en la vida del fotógrafo londinense David Bailey. El día en la vida de un fotógrafo de los años 60, interpretado con un bravgadocio impetuoso por David Hemmings como el precursor directo de Austin Powers (esperas que diga “; y I ’; m gastado ”; después de cada sesión de fotos), toma un giro psicológico una vez que se da cuenta de que pudo haber presenciado y fotografiado un asesinato. Va de sesión fotográfica a sesión fotográfica, anota con algunas jóvenes que esperan convertirse en modelos, y luego se da cuenta a medida que desarrolla las imágenes que tomó en un parque que puede tener evidencia de la escritura. Aquellos que buscan respuestas claras no las obtendrán, pero el misterio y el mundo representado son emocionantes y te dejan con ganas de más en cada escena (no menos importante, el final brillante, en el que Hemmings participa en un mimetizado juego de tenis). Otros significantes geniales de la era incluyen Herbie HancockEl exótico puntaje jazzístico de rsquo; una aparición de Jimmy Page ’; s prZeppelin e-Led banda Los Yardbirds, y el hecho de que esto se consideró bastante picante para su época, lo que ayudó a poner fin al código de producción y, por lo tanto, generó el MPAA. Su sorprendente éxito en los EE. UU., Ayudado sin duda por su reputación de presentar desnudos en pantalla, aseguró que Antonioni tuviera más libertad para continuar en su camino extraño e idiosincrásico. Y si nada más, podemos agradecer a esta película por lo que ha sucedido. Sin duda no tendríamos otras obras maestras como Francis Coppola’; s “;La conversación”; y Brian De Palma’; s “;Reventar”; sin ello.

“;El pasajero”; (1975)
Es la especialidad de Antonioni: su profundo interés en explorar el extrañamiento en la vida moderna. Aunque parte de su trabajo a veces puede parecer anticuado, aunque solo sea porque esta es una preocupación centralmente opuesta hoy en día, hay muchos aspectos que aún conservan relevancia hoy. “;El pasajero, y rdquo; el tercero de las películas en inglés del director italiano rsquo; lo ve haciendo equipo con Jack Nicholson en el apogeo de los primeros años de la carrera del actor. Interpretando a un periodista que hace un documental en África que está frustrado por su incapacidad para obtener entrevistas con los rebeldes chadianos que libran una guerra civil, entabla una amistad con otro hombre que se hospeda en su hotel. El hombre aparece muerto, y Nicholson decide asumir su identidad, esencialmente matando a su antigua personalidad y vida. La artimaña es un éxito, hasta que su esposa le pide a alguien que descubra más y Nicholson se da cuenta de que el hombre cuya identidad atrapó era pistolas para los rebeldes que intentaba entrevistar para su documental. Él hace el trato con éxito y obtiene algo de efectivo, se dirige a España y conoce a una chica con la que comienza una aventura (interpretada por Maria Schneider), pero las cosas lo alcanzan. “; El pasajero ”; es una mirada brillante a querer deshacerse del pasado y reinventarse: el personaje de Nicholson está básicamente aburrido de su vida, familia y trabajo, por lo que ve la oportunidad de un nuevo comienzo y lo busca. Este tema es a la vez una poderosa metáfora de por qué vemos películas (para vivir indirectamente a través de otras personas para al menos un breve vistazo a otra vida), pero también sirve como telón de fondo para una de las películas de los años 70 más subestimadas e infrecuentemente mencionadas de Nicholson. . Su actuación como reportero de cambio de identidad es otro gran recordatorio de cuán malditamente bueno era en esos días, capaz de minimizar el carácter de un personaje con un efecto devastador. Y el famoso penúltimo disparo, una toma ininterrumpida de casi siete minutos de duración, es impresionante.

Antonioni para estudiantes avanzados
El resto de la producción de Antonioni puede ser bastante irregular. Ninguna observación de su carrera se puede hacer sin mencionar los infames “ de 1970 ’; sPunta Zabriskie, y rdquo; su segunda película en inglés ambientada durante el movimiento juvenil contracultural en los EE. UU. (sobre el cual hemos escrito varias veces, incluso en esta película sobre grandes directores que perdieron la trama). Me gusta y ldquo;L ’; Aventura, y rdquo; pretende ser un misterio inicialmente: ¿un joven hippie-cum-estudiante-radical le disparó a un policía? Pero, como de costumbre, “; Zabriskie Point ”; estaba más consumido por explorar la falta de rumbo de sus dos personajes a través de un erotismo sin dirección característico. La imagen fue un gran fracaso en los Estados Unidos y se burló críticamente durante su día. Posteriormente ha sido elogiado como un clásico incomprendido, pero como es habitual en la era del revisionismo y el redescubrimiento excitable, eso es exagerar el caso. “; Zabriskie Point ”; no es un desastre absoluto, pero tampoco es una obra maestra oculta. En cambio, es una porción problemática y desigual pero fascinante del cine de los años 70 que todos los historiadores cinéfilos y los conocedores de Antonioni deben rastrear.

capitán steve la a vegas

La primera mitad de la carrera de Antonioni está salpicada de trabajos post-neo-realistas interesantes, pero en gran medida poco notables, que nunca son tan impactantes o tan plenamente realizados como los trabajos de De Sica o Fellini (aunque su debut, y ldquo;La historia de una historia de amor”; es esencialmente una película negra). “;Los amigos, y rdquo; es notable por su uso de las mujeres como sus personajes centrales, una característica en la vanguardia de la mayoría de las películas de Antonioni, pero tal vez era demasiado parlanchín y abarrotado en su puesta en escena para ser emblemático de sus obras posteriores y más poderosas. Es ’; s 1957 ’; s “;El grito”; (The Cry), un tipo de neorrealismo emocionalmente internalizado, la película anterior “;L ’; Aventura, y rdquo; eso insinúa más sobre lo que está por venir. Con actores estadounidenses Steve Cochran y Betsy Blair (doblado al italiano) junto con Alida Valli y Dorian Gray, la película contó con un raro protagonista masculino para Antonioni, angustiado y desilusionado, deambulando por el campo italiano en busca de un propósito después de que su esposa lo dejara. Si bien es posible que no sea del todo esencial y esencial. Es un paso crítico en la evolución del estilo escaso y austero de Antonioni y una visita obligada para cualquier Antonioni-ite. los Colección de criteriosacuñado y ldquo;Identificación de una mujer”; de 1982 trata sobre un director de cine absorto en sí mismo en busca de amor y una chica que ha desaparecido de su vida; es un poco superficial y corto sobre el tipo de sustancia que convirtió a Antonioni en las mejores películas como experiencias fascinantes y fascinantes. Más adelante en la vida, Antonioni sufrió un derrame cerebral debilitante que dejaría de lado su carrera durante una década y lo haría ver esas películas posteriores, como su “;Dejar”; corto y ldquo;Mas alla de las nubes”; (codirigido por Wim Wenders) casi insoportable (lamentablemente se sienten como parodias de su trabajo, desprovistos de los matices y la precisión de los que fue maestro). 1981 ’; s “;El misterio de Oberwald”; fue su última verdadera colaboración con Monica Vitti (aunque la mayoría asume que ’; s “;Desierto rojo”;), pero los malos avisos lo han convertido rápidamente en algo olvidado que ningún estudio se ha molestado en abordar en DVD. Todo lo cual es para decir que si tiene curiosidad y está buscando un lugar para comenzar, podría hacer algo peor que seleccionar uno de nuestros seis elementos esenciales antes de profundizar más. - Rodrigo Pérez, Erik McClanahan, Jessica Kiang





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