The Essentials: Las 10 mejores películas de John Ford

Hay pocas figuras en la historia del cine (quizás solo C.B. DeMille es un retador creíble) que han llegado a definir la concepción popular del director de cine tan completamente como John Ford. El monolito notoriamente irascible y deportivo que creó la película Western tal como la conocemos e hizo John Wayne El ícono definitivo de la masculinidad estadounidense del siglo XX en el camino es tan central en el paisaje histórico de Hollywood como lo son las colinas de arenisca a la vista de su amado Monument Valley. Entonces a la luz de la Museo de la imagen en movimiento en Nueva York, haciendo una retrospectiva de sus películas, lo hemos utilizado como nuestra señal atrasada para echar un vistazo a esta vasta filmografía.



Es una tarea poco envidiable: el catálogo de Ford tiene casi 150 películas de largo, e incluso si muchas se han perdido (muy pocos de sus primeros silencios todavía están en circulación), el ritmo frenético de su trabajo durante sus años más productivos significa que aislar solo 10 películas es desalentador Eso se debe en parte a las inevitables preguntas que plantea cualquier examen moderno de Ford: sobre la naturaleza de su propia política, sobre la validez de la visión del Viejo Oeste que mitificó, y sobre la crítica retroactiva de su obra en términos de género y carrera. Pero incluso en los debates más acalorados, la habilidad de Ford como cineasta simplemente no puede ser negada, ni siquiera por sus detractores más feroces. Tanto si era un buen hombre como si no, era un gran director; Aquí están las 10 películas que sentimos más persuasivamente presente ese caso.

'El informante' (1935)
Hay clásicos atemporales en el currículum de Ford, y también hay títulos que sienten su edad. A diferencia, digamos, ‘Cenefa de la libertad, 'Es difícil ver' The Informer 'con un ojo moderno y no ver el sentimentalismo exagerado donde los críticos contemporáneos vieron' sensibilidad ', y sentir su dureza temática en todo momento. Pero sostendríamos que todavía es fundamental para comprender la obra de Ford: las actitudes pueden haber cambiado desde el estreno de la película, pero fuera de la política cuestionable y el estilo de actuación elevado, la película aún ofrece numerosas riquezas. Una adaptación de la novela del irlandés. Liam O’Flaherty, según los informes, un primo de Ford, la historia ya se había convertido en una película en 1929, justo durante el cambio de sonido (la versión anterior es en realidad mitad silenciosa y mitad habladora). Pero la película de Ford es un asunto mucho más pulido, rodada en exquisito blanco y negro y usando composiciones deslumbrantes que deben tanto al expresionismo alemán como a la tradición clásica de Hollywood. Pero lo que más llama la atención hoy es cuán extrañamente poco comercial y atípica es una historia, y cuán decididamente valiente es la posición que toma para hacer que el informante del título, la 'rata', por así decirlo, sea el personaje más comprensivo entre un La galería de rebeldes, prostitutas y manipuladores políticos de pícaros que buscan la ventaja. Mucha de esa simpatía se debe al actor Victor McLaglen, quien a pesar de las fanfarronadas y la teatralidad del papel (en la famosa conclusión de la película, se aferra a su corazón, llora en un éxtasis de redención y cae muerto a los pies de una estatua de Cristo, aunque no lo sea) todavía invierte al condenado Personaje de Gypo con la calidad de un animal herido mientras lucha por comprender la naturaleza de su propia traición. Gypo traiciona el mismo código de masculinidad en medio del conflicto al que Ford volvería temáticamente una y otra vez, y sin embargo, es por él lo que sentimos, y la frustración de su bondad simple que la película más llora. McLaglen gana su Oscar al Mejor Actor en cada cuadro, con 'The Informer' que también le da a Ford el primero de sus cuatro Oscar de dirección, junto con el Mejor Guión y el Mejor Puntaje.



'Diligencia' (1939)
Una película histórica, un western definitorio, un título que revitaliza la carrera de Ford y uno estrella para John Wayne, si 'Stagecoach' no es la película más compleja o desafiante de Ford, bien podría ser la más completa. Una escuela de cine de 96 minutos de duración, si eliges tomarlo de esa manera (y entre otros Orson Welles ciertamente lo hizo, según los informes, viéndolo 40 veces en preparación para 'Ciudadano Kane'), Es simplemente incomparable en los aspectos básicos de su construcción. La puesta en escena de la acción es clara y emocionante, la coreografía es engañosamente inteligente, considerando que Ford a menudo se enfrenta a una ubicación única y cerrada, y la edición es fluida y elegante, pero también implacablemente atractiva: aparte de todos los demás superlativos, esta es una película de ritmo perfecto. Y dentro de toda esta excelencia técnica, parece que el elenco realmente está a la altura de las circunstancias, por supuesto, se debe mucho a Dudley NicholsScript script crepitante, pero es sorprendente presenciar la sublimación de tantos arquetipos de personajes, de Dallas, la prostituta con el corazón de oro (Claire Trevor, en posiblemente la mejor actuación femenina que Ford haya obtenido), para el Ringo Kid, el inesperadamente noble héroe malo (Wayne) para el mejor de los muchos compañeros irlandeses borrachos de Ford, Doc (Thomas Mitchell, que por cierto tuvo un infierno de 1939, también apareció en 'Lo que el viento se llevó', 'Sólo los ángeles tienen alas', 'El señor Smith va a Washington' y 'El jorobado de Notre Dame') Es ayudado por las tendencias igualitarias del guión, en el que cada uno de los ocupantes de la diligencia tiene su propia historia, incluso el vendedor viajero en su acechador de ciervos (Donald Meek), y el jugador no confiable (John Carradine) que tiene un código perverso que lo ve evitar a Dallas pero instintivamente trata de proteger a la esposa del coronel embarazada 'respetable' (Louise Platt) De alguna manera, este enfoque conjunto, además de aumentar las apuestas, ya que la diligencia inevitablemente es atacada por los indios (el humanismo de Ford no se extiende a ellos), le da a 'Stagecoach' una ventaja moderna: se siente casi subversiva del enfoque clásico clásico de Hollywood donde hay son protagonistas y personajes secundarios, y nunca se encontrarán los dos. El reparto de Wayne contra todos los consejos es el elemento que asegura el lugar de 'Stagecoach' en la historia del cine, pero como un paquete completo, que obtuvo siete nominaciones al Oscar y dos victorias, es el clásico ungido raro que también es una alegría sin límites para volver a mirar. siete décadas y media después de su lanzamiento.



'Las uvas de la ira' (1940)
Teniendo en cuenta el gran impacto que tuvo en el desarrollo de la nación, sorprendentemente hay pocas películas que toman la Gran Depresión de los Estados Unidos como su tema principal, en comparación, por ejemplo, con la gran cantidad de películas que detallan la participación de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial. Eso se debe en gran parte a la naturaleza de las narraciones: el triunfo de la guerra se presenta fácilmente como una historia inspiradora de héroes y villanos comprensibles, donde la Depresión fue un pantano de miseria y degradación que no tenía un solo arquitecto, cinemáticamente hablando, calcetín en la mandíbula Pero también podría deberse en parte a que la monumental 'The Grapes of Wrath', ganadora del Oscar de Ford, fue considerada durante mucho tiempo la última palabra sobre el tema. Es una imagen casi indecentemente hermosa, pero estilísticamente realista (genio cinematógrafo Gregg Toland seguiría disparando 'Ciudadano Kane'El año siguiente, la película que gradualmente llegó a suplantar a 'Wrath' como la mejor película canónica jamás realizada) y que no es una observación ociosa: es clave para lo que hace que la película se mueva con fluidez, obligándonos a seguir viendo a pesar de lo inevitable trayectoria descendente de lo que, después de todo, es un retrato de la dignidad humana bajo un ataque incesante. Pero también cuenta con uno de Henry FondaLas mejores actuaciones, para Ford o cualquier otro cineasta, como el fracturado pero idealista ex convicto Tom Joad. De hecho, con Ford aparentemente no interesado en presentar al clan Joad como algo más que una especie de idealización de ojos brumosos de la familia estadounidense fundamentalmente decente unida contra la adversidad, es un pequeño milagro que el desempeño de Fonda sea tan matizado y humano como lo es. Pero si en otros lugares el control de Ford sobre sus personajes a veces falla para que se conviertan en individuos menos vivos que los representantes de clases enteras de personas, es solo porque tiene peces más grandes para freír: tal vez ningún otro director estadounidense podría haber contado esta historia en la misma escala que John SteinbeckLa novela épica, casi bíblica (aunque el final de la película difiere considerablemente del final del libro). La posterior disminución de su reputación, debido en gran medida al socialismo abierto de su mensaje (irónico, ya que a menudo se considera a Ford, erróneamente, como el director más derechista) significa que es relativamente menos visto que muchas de sus otras películas. Pero incluso para aquellos de nosotros que somos alérgicos al tipo de discurso teatral en el que a veces se hunde, existe una magnificencia para 'The Grapes of Wrath' en la amplitud de su ambición, que todavía la convierte en la versión cinematográfica definitiva de uno de los más definitorios de Estados Unidos. épocas

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'Eran prescindibles' (1945)
Además de su contenido real, que es una mirada fascinante al estilo de los equipos de botes pequeños de la Segunda Guerra Mundial encargados de derribar buques japoneses en el Océano Pacífico alrededor de Filipinas, 'They Were Expendable' ocupa un lugar casi único en los anales de la historia del cine porque de tiempo. Desarrollada y filmada rápidamente en un momento en que la guerra en el Pacífico ciertamente no estaba yendo por los Estados Unidos, la película fue liberado en diciembre de 1945, en qué etapa, por supuesto, la guerra había terminado, con Estados Unidos definitivamente en el lado ganador. Entonces, con los temas distintivamente fordianos de la película de la nobleza del sacrificio y el heroísmo del militar ordinario (probablemente condenado), llegó claramente fuera de sintonía con la euforia general del período inmediato de posguerra: es en muchos sentidos una elegía para un Noble retirada que bien podría haber sido un famoso punto de inflexión si la guerra hubiera ido posteriormente de manera diferente y hubiera tenido eventos de inmediato, para usar un juego de palabras insípido, no haberlo sacado del agua. Quizás de alguna manera eso hace que la película sea un documento aún más valioso: el papel de las pequeñas embarcaciones en el teatro del Pacífico es un aspecto de la guerra de los EE. UU. Que es poco conocido. Pero aparte del relativismo histórico, 'Prescindible' todavía ocupa un lugar destacado en el panteón de Ford para la película que es inherentemente, uniendo realismo granulado con un trío de actuaciones fuertes de Robert Montgomery John Wayne y Donna Reed, se siente como un excelente matrimonio de los impulsos clásicos de Ford y sus instintos documentales ('La batalla de midway'Siendo el ejemplo más famoso y ganador de un Oscar de las 87 películas de no ficción que la unidad de fotografía de campo de la guerra hizo en el reloj de Ford). También es un gran ejemplo de la personalidad de Wayne en tiempos de guerra, y la naturaleza contradictoria de esa imagen: alcanzó su estrellato duradero durante la guerra y llegó a personificar el heroísmo cotidiano del patriota estadounidense que servía a su país en la pantalla, pero Wayne nunca sirvió . De hecho, la historia cuenta que Ford, conocido por sus argumentos en el set debido a su estilo dictatorial (más tarde chocaría con Henry Fonda, también en el mar, durante la producción de 'Señor Roberts') Tuvo una rara discusión con Wayne sobre ese tema, e incluso ahora se señala que los créditos de la película enumeran las clasificaciones militares de Ford y Montgomery, mientras que el nombre de Wayne parece sin adornos.

'Mi querida clementina' (1946)
Una década y media antes de 'Liberty Valance' y su cita más famosa, Ford mismo 'imprimiría la leyenda': de hecho, el legendario tiroteo en el OK Corral solo se volvió verdaderamente legendario después de su película. Se desvía enormemente del hecho histórico (los personajes femeninos son totalmente ficticios o amalgamas; los Earps nunca fueron vaqueros; el viejo Clanton murió antes del tiroteo; Doc Holliday sobrevivió, etc., etc.), la película sigue siendo hasta el día de hoy la narración más gratificante de esto. cuento a menudo contado, que Ford insistió que había escuchado de primera mano de Wyatt Earp él mismo cuando Earp solía visitar amigos vaqueros en los sets de sus películas. Incluso John Wayne atribuyó gran parte de su inspiración a los roles de abogado que interpretaría en conversaciones con Earp en la vida real. Pero de manera reveladora, aunque Ford filmaría al personaje dos veces, en ningún momento le echó a Wayne ...Otoño cheyenne' tiene James Stewart en el papel, mientras que en 'My Darling Clementine' es Henry Fonda. Fonda puede haber 'solo' aparecido en 7 de las películas de Ford (en comparación con las 24 de Wayne), pero si Wayne es análogo a la identificación de Ford, su lado del hombre de acción, su instinto, su virilidad, entonces Fonda era quizás su ego. , y sin duda es una actuación reflexiva, conmovedora y considerada que ofrece aquí. De hecho, es una de las grandes fortalezas de la película que, si bien se desarrolla a un climax excelente y es una historia funcional de venganza occidental, también es un estudio de personajes orientado a los detalles y sorprendentemente alegre, así como un precursor temprano de la película. película de amigos en la dinámica evolutiva entre Earp y Doc Holliday (Victor Mature en su mejor papel). Desde 'Stagecoach', Ford no había hecho un western tan completo en todos los frentes: como un retrato de una comunidad fronteriza, un romance, una película de venganza (con un brillante contra-tipo Walter Brennan actuación) y una película de acción. Sin embargo, a pesar de actuar en todos estos niveles de género, 'Clementine' tiene un lirismo único, incluso una quietud a veces: Earp se mece en su silla en el porche, Doc recita el soliloquio de Hamlet. Hay una amplia racha de sentimentalismo en Ford que los detractores señalan rápidamente, pero 'My Darling Clementine' es el argumento de contrapunto definitivo: si hay una línea donde el calor y la dulzura pasan a la manipulación y la malicia, aquí Ford no solo camina ese línea, como Earp en la escena de levantamiento de iglesias de la película, pero se quita el sombrero y baila en eso.

'Fort Apache' (1948)
La primera y, en términos de la historia, probablemente la mejor de la 'Trilogía de Caballería' de Ford, incluso si carece del pictorismo alucinante de 'Ella llevaba una cinta amarilla'Techn s Technicolor, o el pre'El hombre tranquilo'Equipo de John Wayne y Maureen O’Hara en 'río Grande',' Fort Apache 'es un occidental tenso, complejo y resonante que sostiene el agua como una parábola para enfrentarse a tácticas militares incluso hoy en día. Dentro del canon de Ford, es particularmente notable por encarnar los dos lados del debate en los dos actores que fueron sus estrellas más frecuentes: Wayne y Henry Fonda. El popular Capitán York de Wayne representa al táctico instintivo que se basa en el conocimiento sobre el terreno y la experiencia personal para informar sus decisiones. Fonda interpreta al teniente coronel Thursday, a quien se le asigna el ascenso que los hombres creen que es de York por derecho, y que representa un enfoque rígidamente intelectual, por el cual se deben aplicar estrictas reglas de conducta militar y estrategia teórica sin importar las circunstancias cambiantes. Es esencialmente una batalla entre una especie de arrogancia dogmática y un pragmatismo militar más maleable, pero la habilidad de Ford y su estilo de filmación fluido y orgánico, junto con actuaciones perfectamente sintonizadas de sus dos protagonistas habituales, nunca permiten que esta película se vuelva demasiado doctrinal. Por el contrario: trabajando en una trama generacional fordiana familiar sobre un oficial más joven (John Orden) que se enamora de la hija del jueves (una joven de 20 años) Shirley Temple en un giro brillante), así como su resumen habitual de sospechosos de alivio cómico, Ford se da muchas opciones para mantener el ritmo y no permitir que el peso de ninguna parte de la historia abrume el impulso general de la película. Eso no quiere decir que no elija lados: sus simpatías, y por lo tanto nuestras, están claramente con Wayne's York y el final, en el que York respalda la versión oficial de la ofensiva final tonta y condenada del jueves como el valiente sacrificio de un sabio soldado, se siente como una advertencia saludable para todos nosotros (antes de que hiciera una película completa sobre esto con 'The Man Who Shot Liberty Valance') para no siempre tomar una leyenda en su valor nominal. En esta era de spin y ofuscación, esa conclusión parece más sabia que nunca; Junto con un dilema central que ha tenido eco en casi todos los conflictos estadounidenses desde, desde Vietnam hasta las guerras de Irak, puede ser que 'Fort Apache' sea la película más relevante de Ford.

'Llevaba una cinta amarilla' (1949)
De todas las alianzas que caracterizan la larga carrera de Ford, 'Ella llevaba una cinta amarilla', la película intermedia en su llamada 'trilogía de caballería' ('Fort Apache' y 'río Grande'Ser los otros), podría presumir de la cúspide de una conexión más esotérica: es quizás el mayor uso que haya hecho Ford de Monument Valley, Arizona, su telón de fondo de elección para disparar al Viejo Oeste. Y mientras que las rocas rojas y los vastos cielos de ese paisaje ahora son familiares hasta el punto de banalidad dentro de un contexto occidental, aquí, enclavado en Winston C. HochLa vívida fotografía en tecnicolor ganadora del Oscar (nunca adivinaría que él y Ford se enfrentaron durante la filmación, especialmente durante la famosa escena de la tormenta que llevó a Hoch a presentar una demanda contra el estudio), todo parece nuevo y fresco: es ese maravilloso. Narrativamente, sin embargo, esto está tan cerca de girar la rueda como lo hace 'bueno' Ford, convirtiéndose en una historia mucho más episódica y menos centrada de lo habitual, como el Capitán Brittles (John Wayne jugar 20 años más viejo que su edad real), enfurecido por la derrota en Little Bighorn, enfrenta el retiro al mismo tiempo que amenaza una nueva guerra india. Las cosas llegan a un punto crítico cuando lidera una misión contra un campamento Cheyenne cercano al mismo tiempo que debe escoltar a la esposa de su oficial superior y su hermosa hija a la diligencia, pero la película es extrañamente anticlimática en sus aspectos de guerra india y bastante jabonosa. en cómo se basa en la rivalidad por el favor de la hija del coronel. Pero tal vez debido a esta flojedad inusual en términos de trama y ritmo, la película presenta una actuación tremenda, inusualmente introspectiva de Wayne, según su propio papel favorito de los 180 años que jugó durante su larga carrera. Brittles está preocupado por invadir la obsolescencia y la naturaleza de su legado empañado y debe lidiar con una brecha generacional, personificada especialmente por Ben johnson como uno de sus hombres Entonces, dado todo eso, 'Ribbon' es más una pieza de personaje y una historia de redención gentil que el entretenimiento desgarrador que Ford ofreció en otros lugares, pero también muestra las nuevas texturas y ritmos que Ford pudo encontrar dentro del género que dominaba, mucho más que un conjunto de convenciones y arquetipos, en sus manos el occidental era robusto e icónico, pero también eternamente elástico.

'El hombre tranquilo' (1952)
Nunca dejes que se diga que nos acercamos a estas piezas de Essentials a la ligera, y si hay un campo de batalla en este, sin duda es sobre la icónica porción de blarney irlandesa de Ford, 'The Quiet Man'. Como película, se puede afirmar que es un ejemplo de todas las peores tendencias del lado más sentimental de Ford: aquí, su inclinación hacia la exageración maudlin se aplica a toda una nación y no solo a un personaje o dos. La película es una visión irremediablemente romántica de Irlanda como una tierra de colegas de fuerte voluntad y cabello flamígero, lugareños locuaces incorregibles y borrachines (más memorablemente Victor McLaglen)., poniendo su fondo de boxeo a buen uso para Ford nuevamente). Por otro lado, si ignora cualquier conexión, podría afirmar que tiene una realidad y, en cambio, la considera como una especie de 'Brigadoon'Fantasía de estilo, es una dosis casi irresistible de química fantasiosa y chispeante, presentando un papel atípico para John Wayne en un género muy alejado de la zona de confort de Ford, es esencialmente una comedia romántica. La historia es puramente tonta: Sean, un ex boxeador estadounidense que prometió no pelear nunca más, visita el Viejo País y se enamora de la chica local Mary Kate. Se casan, pero debido a disputas sobre la propiedad de la tierra, su hermano se niega a entregar el dinero de su dote, lo que incita a Mary Kate, que está aún más furiosa porque Sean se niega a luchar contra su hermano y amenaza con dejarlo. Ahora, uno debe sospechar de cualquier película en la que la moraleja sea que no hay ningún problema tan insoluble que arrastrar a su esposa por el pelo e instigar a un buen viejo Barney no puede arreglarlo, pero cuando ese donnybrook en particular continúa por casi diez minutos, e incluye hiatos cómicos, una multitud cada vez mayor de espectadores y, por supuesto, un viaje al pub, es difícil mantenerse enojado. Y en una carrera no adornada con demasiados papeles femeninos geniales, el casting de Ford de un impresionante Maureen O’Hara Aquí hay un golpe maestro: no solo es ella todos los ojos brillantes y el temperamento del papel de toque, sino que también trae una sacudida genuina de sensualidad cruda a la película. De hecho, un argumento inexpugnable para incluir 'The Quiet Man' en cualquier lista de películas esenciales de Ford, además de ser un vistazo fascinante a la versión más estadounidense de los directores de la herencia irlandesa que tanto apreciaba, es que también contiene la escena más sexy que Ford filmó. Ver a Mary Kate y Sean en la lluvia en ese viejo cementerio, especialmente la forma en que Mary Kate, la descarada, regresa para un segundo beso mientras la camisa de Sean está pegada a la transparencia contra su cuerpo, es un recordatorio una vez más de que la reputación de Ford como bastión del cine hombre-hombre disminuye la verdadera gama de sus talentos.

'Los buscadores' (1956)
Si ahora es casi un cliché considerar esta obra maestra desconcertante como el comienzo del ataque de Ford al mismo mito del oeste americano que él había sido tan singularmente instrumental en el establecimiento, es solo porque es una lectura tan irresistible con el beneficio de la retrospectiva 20/20 . Pero incluso en ese momento, con Ford en la cúspide de sus poderes y director de fotografía habitual. Winton C. Hoch escalando las mejores alturas similares de carrera, la historia, de la incansable caza de Ethan Edwards (John Wayne) para el comanche que asesinó a la familia de su hermano y secuestró a su sobrina (Natalie Wood), se veía y se sentía especial: las vistas en tecnicolor y el encuadre evocador (oh, esas icónicas tomas primera y final) son ciertamente extraordinarias. Sin embargo, la antorcha a la pira aquí es la colaboración de Ford con la estrella Wayne, en una subversión de su personalidad establecida como el 'héroe' de la pieza. Para él, la tragedia incitante es una injusticia que no se debe corregir sino vengarse con sangre, tanto de su sobrina como de sus captores, y Wayne nunca se compromete en su interpretación de este personaje profundamente desagradable. Edwards es anti-heroico, anti-decente, anti-todos los roles que Wayne había atravesado para llegar a su posición inexpugnable como el último héroe mitológico estadounidense: ciertamente tiene un código, pero es uno feo y roto. Sin embargo, eso no quiere decir que esta película sea verdaderamente un revisionista occidental, que vendría más tarde para Ford ('Cheyenne Autumn' de 1964 es un ejemplo sorprendente). De hecho, 'The Searchers' no ofrece nada tan directo como una inversión de prejuicios de género arraigados (aquí los indios todavía son 'salvajes' sedientos de sangre): es una complicación de ellos, un intento de trabajar la ambigüedad y la ambivalencia y arrepentirse en las líneas limpias. del género tradicional heroísmo occidental.

'El hombre que disparó a Liberty Valance' (1962)
Sin contar siquiera sus muchos títulos perdidos, la filmografía masiva de Ford es tan extensa que nuestra evaluación cambia con el tiempo, y algunas películas se enfocan a medida que otras pierden su brillo: es un trabajo que casi respira. Algo como 'Qué verde era mi valle', Ganador de un Oscar a la Mejor Película / Mejor Director en 1941, puede perder reputación (de hecho, su sentimentalismo empalagoso mantuvo la historia empapada de nostalgia de una comunidad minera galesa abandonada de esta lista), mientras que otras películas emergen como los clásicos más duraderos dentro de su salida El estado de “Stagecoach” como tal parecía estar asegurado tan pronto como fue lanzado; 'The Searchers' tardó un poco más, pero ahora se ha ganado un lugar regular en las listas de todos los tiempos. Pero es un proceso que está en curso, y el último título de Ford en recibir este tipo de reevaluación ascendente es su brillante, hermoso, reflexivo y emocionante 'The Man Who Shot Liberty Valance' que, de todos modos, puede eclipsar incluso esos títulos antes mencionados como la joya más brillante de la corona de Ford. La historia muestra al viejo senador de James Stewart, Stoddard, regresar a la ciudad polvorienta de Shinbone para el funeral del local Tom Doniphon (John Wayne) para que finalmente pueda decir la verdad sobre el asesinato de Liberty Valance (Lee Marvin) por el que había recibido crédito, fama y popularidad política. Pero tan intrincadamente como se cuenta esa historia (y todos los principios son excelentes, incluidos Vera Miles como un interés amoroso más dimensional que el de Ford en otras partes), son los niveles metafóricos y autorreferenciales en los que también funcionan las películas que tienen la resonancia más continua. La cita más famosa de la película, entregada por el editor de periódico Maxwell Scott (Carleton Young), “Esto es Occidente, señor. Cuando la leyenda se convierta en realidad, imprima la leyenda ', resume esos temas claramente: a veces, como lo demuestra la carrera posterior de Stoddard, el bien mayor se cumple manteniendo una fabricación inspiradora en lugar de revelar la verdad menos esclarecedora. Pero también es una lectura irresistible del enfoque de Ford para la realización de películas, especialmente dada su lealtad demostrablemente inestable a los hechos históricos: 'The Man Who Shot Liberty Valance' es un tributo al poder de la narración de historias y la creación de mitos, así como un argumento para justificar los fines los significados. Parece que Ford dice que la grandeza de un hombre vale más que los huevos rotos o la leche derramada en su camino, sus logros trascienden los métodos por los cuales los logró. Aplique ese pensamiento al oficio de hacer cine en el contexto de cualquier otro director, y podría parecer un reclamo ridículamente bombástico. De alguna manera, con Ford, no lo hace.

películas como booksmart

Si estos diez títulos forman un excelente John Ford 101, el curso más avanzado podría incluir cualquiera de los otros treinta títulos. Pero nuestras sugerencias para una mayor visualización probablemente comenzarían con 'Wagon Master'Que se informó del favorito personal de Ford de sus películas, al menos durante un tiempo. Luego, '7 mujeres'Es un correctivo fascinante para una carrera dedicada a la mitología de los hombres y la masculinidad; 'Señor Roberts'Fue una experiencia miserable para Ford, quien finalmente fue reemplazado como director, pero nada de eso se muestra en la película terminada, que también ganó Jack Lemmon su primer Oscar; y aquellos que deseen experimentar un poco de su carrera pre-talkie deberían visitar 'El caballo de hierro', Un extenso relato del edificio de la primera línea ferroviaria trans-americana. Más allá de eso, todavía hay una riqueza por explorar: ¿hay algo en su filmografía que no puedas creer que no hayamos mencionado? Háganos saber en los comentarios a continuación.



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