5 consejos del maestro cinematógrafo Gordon Willis

Recientemente descubrimos Craft Truck, un recurso maravilloso para obtener información detrás de escena sobre el cine. Jeff en Craft Truck entrevistó al maestro cinematógrafo Gordon Willis, quien ha trabajado con Woody Allen, Francis Ford Coppola, Alan J. Pakula y otros grandes directores. Craft Truck nos ha dado permiso para volver a publicarlo aquí. Puedes leer los consejos de Willis a continuación y leer su obituario aquí.

1. Cortar la hipérbole.

Antes de que comenzara la entrevista, Gordon dijo: 'Nuestro trabajo no es recrear la realidad, nuestro trabajo es representar la realidad'.

Estaba diciendo que no importa cómo lo cortes, la fotografía es arte. No existe una jerarquía de realismo porque eso ni siquiera existe. La pregunta es ¿cómo utiliza las herramientas disponibles para contar una historia?

Suena bastante básico pero nunca usó la palabra 'naturalismo'. Ni una sola vez. Más tarde declaró: 'Solo pienso en … .como quiero que se vea'.

También usó 'bueno' y 'malo' mucho para describir las cosas. No usa palabras que no signifiquen nada. No habla sobre su trabajo de maneras que no son simples. Y así fue como trabajó.

Si bien la idea más complicada podría estar siendo expresada, fue y es el enfoque de Willis para discutir las elecciones y la fotografía de la manera más clara posible.

Si bien hay diferentes formas de trabajar, un gran enfoque es cortar la hipérbole. Sé directo y directo al descubrir lo que estás haciendo y cómo lo vas a hacer. Suena simple pero rsquo; es más difícil de lo que parece.

2. Dispara a cortar.

Rápidamente en mi conversación con él, me di cuenta de que Gordon estaba hablando sobre cómo disparar se relaciona con cortar. Y en ese punto básicamente dijo que cortar era todo. No dispara para tener un primer plano, o un ancho, o algo bien iluminado. Él dispara para contar la historia.

Esto importa tanto en términos de cómo se transmite algo a una audiencia, por ejemplo, una escena, y también cómo se transfiere entre escenas, lugares o momentos. Relató sus sentimientos sobre las películas en blanco y negro de los años 30 y 40.

Tendrás a dos personas hablando o peleando, y estarán en dos disparos. (Boom, gesticula el tiro, un tiro directo en dos). Se juega muy bien. Entonces, ¿por qué cortarías?

Estaba expresando lo que hizo tan bien en tantas películas. SÍ, su iluminación era increíble, pero se centró primero en lo que iba a estar en una toma para revelar la información de la historia paso a paso. La mirada vino después. Y probablemente, muy, muy por debajo de la línea es '¿Cuál sería una buena foto?'. Dudo mucho que este fuera su enfoque, si alguna vez. Si sucedió un tiro genial, sucedió en el contexto de lo que estaba haciendo: disparar para cortar.

¿Tenía el 'aspecto' de la película en su cabeza? Seguro. Pero antes de eso surgió la idea de qué tiro fue antes y qué tiro fue después. En otras palabras, lo que corta.

Nota: esta no es una sugerencia para los directores o fotógrafos para filmar de tal manera que un editor no pueda acortar, alargar o cambiar una escena elípticamente. Dios no lo quiera. No mucha gente tiene el instinto exacto que Gordon tiene, obviamente. Pero su punto puede ser internalizado y aplicado con mucha más frecuencia de lo que piensas. A veces puedes hacer una escena en un '1er' si estás seguro de que funcionará en la película final.

3. Bloquear es cortar.

En el escenario, el bloqueo es el movimiento y el posicionamiento de los actores entre sí. En el cine, el bloqueo es todo eso más dónde está la cámara, qué hace y qué lente se usa. Esto significa que el bloqueo de la película es al menos tres veces más complicado. Finalmente, este fue el aspecto más importante de cómo ejecutar el rodaje de una escena para Gordon. Ciertamente, era más importante que la iluminación. Y en muchos casos, probablemente hace que la iluminación sea mucho más fácil de lograr.

Al centrarse en cómo debe contarse la historia (es decir, lo que ves y cuándo la ves), le permite al fotógrafo y al director hacer una coreografía primero y luego pensar en cómo se combinarán estos momentos coreografiados.

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Aquí hay un breve clip de Gordon sobre la relación de dirigir y cortar:

Suena obvio, pero a menudo se tira a la basura cuando las personas entran al set. Luego viene el “necesito el acercamiento, necesito el tiro largo, haz que esto consiga eso”. Se olvidan las reglas básicas. Muchos de los mejores momentos de Woody Allen provienen no solo de cómo fueron escritos o interpretados, sino también de cómo se tocaron frente a la cámara. Esto permitió velocidad, economía y simplicidad en la narración. Innumerables ejemplos de 'Annie Hall', 'Manhattan', 'Stardust Memories', etc. El Sr. Willis fue instrumental en esto.

Al enfocarse en el bloqueo y en cómo los actores podrían moverse dentro y fuera del cuadro, o cómo la cámara podría esperar para seguirlos, se dio cuenta de qué funcionaba bien y luego cómo conectar los puntos de una escena a la siguiente.

Pensamiento básico con resultados muy, muy articulados y refinados.

4. La iluminación no debe ser impulsada por la inseguridad.

Me gustaría hacer de esto un 'deber', pero al final del día, es más fácil resumir lo que Gordon sintió sobre este tema a través de un negativo. Porque esto es lo que sucede el 90% del tiempo. Los fotógrafos a menudo se iluminan para hacer que las cosas se vean 'wow' en lugar de bloquear primero la toma, usar la cámara y el espacio y los actores, y luego (y solo entonces) involucrar luces y hacer que las cosas brillen.

Si bien la iluminación nunca es 'fácil', puede hacerse muy simple si está operando desde un punto de seguridad en lo que está haciendo. La mayoría de las personas no lo están, están operando desde la inseguridad. El mismo gen que quiere complicar en exceso una historia es el mismo gen que quiere disparar más y más luz. Y simplemente eso es una mierda y no ayuda nada.

Todos recuerdan la iluminación de Brando en 'El Padrino', que él simplemente afirma que fue motivado en parte por el maquillaje de Brando y en parte porque quería abrir la película en este entorno tipo cueva, yuxtapuesto contra la boda afuera.

Piensa en la secuencia del planetario en 'Manhattan'. Piensa en la caminata y habla en 'Stardust Memories'. Sin luces. Casi nunca con exteriores de día amplio para él. Se ven hermosos porque tienen razón para lo que es la historia en ese momento.

SÍ Gordon era consciente de cómo 'debería verse' la película, pero eso se basó más en un instinto general y en la coherencia de los sentimientos con los que se acercó a un proyecto determinado. Era muy seguro en sus elecciones y era libre de explorar la simplicidad si eso significaba muchas luces, pocas luces, una luz o ninguna luz. Ese es el punto.

5. Tenga una razón para sus decisiones

Lo único que une todo es que cada elección se basó en una razón sólida. Gordon solía usar una lente de 40 mm. ¿Por qué? Porque se sentía bien para él y porque sentía que la perspectiva de la lente le permitía, sí, y por extensión a la audiencia, ver lo que estaba sucediendo de manera razonable.

También dijo que ve el mundo desde aproximadamente su propia altura. Claro que hubo otros momentos en que usó otras lentes u otras alturas para disparar, pero fue porque la escena, el bloqueo, el corte, lo exigían.

Para simplificar su espacio de trabajo, se quedó con herramientas que eran cómodas e intuitivas y luego trabajó desde allí. Necesitaba una razón para ir a ángulo alto, ángulo bajo, ancho, largo, etc. La mayoría de las veces las elecciones se toman por el deseo de aumentar el estilo en lugar de mirar realmente la secuencia, descubrir la mejor manera de distinguir y luego ejecutando con simplicidad.

Entonces, aunque está bien hacer algo elegante, tiene que haber una razón para ello. En la toma de arriba de la Biblioteca del Congreso en 'Todos los hombres del presidente', la primera reacción de Gordon a la escena fue: '¿Cómo mostramos la idea de una aguja en un pajar?'. Entonces salió el cabrestante y la plataforma y todo lo demás. con eso. Y el tiro es impresionante. Pero no lo haga a menos que sea necesario y haya sido expulsado de los principios básicos.

Si tiene una razón honesta y realista de por qué desea que su película se vea de cierta manera; una razón por la cual una escena debe cortarse de cierta manera; por qué debe ser escenificado e iluminado de la manera que lo desee; y, por qué tiene que ser la paleta de colores con la que estás jugando, tienes más posibilidades de salirte del camino de la historia en lugar de sofocarla con un estilo que no ayuda a nadie.

Visita Craft Truck. Vea el video completo de la entrevista aquí y escuche el podcast sin editar.

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