25 películas de atracos favoritas de todos los tiempos

Desde 1903 'El gran robo de trenes'El cine prácticamente inventado tal como lo conocemos (el primer uso del corte transversal, el movimiento de la cámara y el disparo en el lugar), la película y la imagen del atraco han sido inseparables. Tal vez sea el atractivo escapista del forajido, tal vez sea el odio de la gente a los bancos, o tal vez sea ese acto de robar cosas que no te pertenecen lo que es intrínsecamente cinematográfico, pero la forma ha sido consistentemente popular durante más de un siglo. Si bien nunca se ha ido realmente, y probablemente nunca lo hará, los últimos meses han visto un par de nuevas entradas, desde lo sublime ('Inception', que a pesar de sus trampas de ciencia ficción es realmente una buena película anticuada) el ridículo (Hayden Christensen y su sombrero de tarta de cerdo eminentemente golpeable en 'Takers'). 'The Town' de Ben Affleck llega a los cines hoy, y si bien es una pieza de personaje sobre ladrones de bancos en las calles de Boston, se basa en tres secuencias de atraco bien ejecutadas y entre las mejores que hemos visto en mucho tiempo. En honor a esa película, hemos reunido una lista de nuestras películas favoritas de atracos; los que nos deslumbran cada vez que les damos una vuelta.



Algunas de las películas que discutimos se exhiben en el Film Forum en West Houston Street en una excelente serie de facturas dobles del 1 al 21 de octubre, por lo que si algún lector de Nueva York no está familiarizado con estos títulos, definitivamente debería verlo. El resto de nosotros solo tendrá que llenar esa cola de Netflix ...

La mafia de Lavender Hill” (1951)
No todas las películas pueden decir que dio origen a un subgénero completo, pero la comedia del atraco, vista desde 'To Catch A Thief' hasta 'Bottle Rocket', realmente no existía antes de 'The Lavender Hill Mob' de 1951. . ”Una de las mejores comedias de Ealing, está protagonizada por Alec Guinness como un tímido empleado bancario (en una gran actuación nominada al Oscar) que tiene un plan para robar lingotes de oro de su lugar de trabajo. Trabajando en equipo con un grupo de ladrones poco probables (Stanley Holloway, Alfie Bass y el gran Sid James), se dan cuenta de que pueden pasar de contrabando el lingote a Francia y derretirlos, disfrazando su botín como recuerdos de la Torre Eiffel. Como una versión cómica de 'The Killing' de Kubrick, el atraco se dispara sin problemas, pero todo se desmorona después, ya que un malentendido ve las estatuas vendidas como recuerdos reales. Es extrañamente apasionante: la película fue concebida originalmente como un drama directo, y el director Charles Crichton (quien a la edad de 78 años dirigiría otro clásico de comedia de atraco británico, 'A Fish Called Wanda') tenía una de las manos cómicas más seguras en el negocio , pero lo que es impresionante es el nivel de pathos que generan Guinness y Holloway: querrás que el grupo tenga éxito, y considerando que es una comedia, el final es profundamente conmovedor. Mantenga los ojos bien abiertos para una joven Audrey Hepburn también.



El asunto de Thomas Crown” (1968)
El híbrido de travesuras / romance de Norman Jewison es una deslumbrante e irresistible porción del escapismo pop de los años 60, atravesada por una sutil corriente de cinismo oscuro. Steve McQueen es el antihéroe homónimo, un millonario lacónico y apasionante que organiza un audaz robo a un banco de Boston, en gran parte por aburrimiento. Faye Dunaway es su frustrada Vicki Anderson, una investigadora de seguros única en el cine a través de la pasarela de Milán y la portada de Vogue. Siguen todo tipo de travesuras elegantes de gatos y ratones, incluido el concurso de ajedrez 'erótico' justificadamente infame, que Jewison presenta como una pieza barroca, casi psicodélica. Es fácil ver a Crown simplemente como una orgía de cumplimiento de deseos hedonista, y solo en estos términos, la película realmente sale de la pantalla. La dirección de Jewison es una bolsa de trucos vertiginosa y propulsora: la edición es rápida, ingeniosa y orientada a los golpes, la banda sonora es ecléctica y el uso de pantalla dividida es realmente gratuito. Abundan el glamour y los juguetes caros. Sin embargo, esta travesura no está exenta de cierta oscuridad: Jewison imaginó a Crown como un romance entre dos almas narcisistas vacías, una 'historia de amor entre dos mierdas', y una cierta melancolía se arrastra cuando la pareja se da cuenta del grado en que están atrapadas. en su propia autoestima cínica. Thomas Crown tiene riqueza y respetabilidad, pero siente la necesidad constante de correr riesgos y oponerse al sistema, un papel extrañamente apto, casi autobiográfico para McQueen. El remake de John McTiernan tampoco es malo, pero no es un parche en el original de Jewison.



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“;La roca caliente”; (1972)
Escrito por el escritor dos veces ganador de un Premio de la Academia William Goldman (“; Butch Cassidy & The Sundance Kid, ”; “; All The President’s Men ”;) y empleando un puntaje de jazz, cargado de bongo por Quincy Jones, Peter Yates y rsquo; el octavo esfuerzo de dirección de largometraje es producto de su época y podría considerarse una imagen por excelencia de los años 70 en la medida en que se caracteriza por muchas piedras de toque de ese período; un ritmo lacónico, hablador, un ingenio seco y cómico y una realidad que caracterizó la década en el cine estadounidense. Protagonizada por Robert Redford, el siempre soberbio y subestimado George Segal, los actores de personajes Ron Leibman, Moses Gunn y la leyenda de la comedia Zero Mostel, y ldquo; The Hot Rock ”; en realidad fue etiquetado como una travesura cómica durante su lanzamiento, pero su humor está bastante subestimado por los estándares de hoy en día. Sin embargo, es innegable que la película tiene un tono suelto y ventoso que la hace fácil de ver. En comparación con algunos de estos otros clásicos fríos como la piedra, la imagen de Yates podría parecer un poco leve aquí, pero es quizás una plantilla importante de bajo perfil que otros seguirían; más significativamente en Wes Anderson ’; s “; Bottle Rocket ”; - si él lo sabía activamente o no.

Los doce de Ocean” (2004)
'Ocean’s Eleven', de Steven Soderbergh, es una obra elegante y entretenida, uno de los pocos remakes que supera al original. Pero su secuela, 'Ocean’s Twelve' de 2004, es la elección de la trilogía por parte de los cinéfilos: una película de atraco más flexible que es puro placer de principio a fin. En deuda con las películas de la Nueva Ola Europea, es una de las imágenes más formalmente experimentales de Soderbergh, y verlo salirse con la suya en un taller de estudio es aún más emocionante. Sí, la escena de Julia-Roberts-interpreta-un-personaje-que-interpreta-Julia-Roberts al final es un poco petulante, pero en su mayor parte es una imagen ingeniosa y agradable, y una que no merece la crítica evisceración que recibió en su lanzamiento: de hecho, se ha convertido en una especie de lista de reproducción favorita a medida que han pasado los años. Y como película de atraco, no tiene parangón en la última década, con una serie de escenarios (sobre todo la secuencia de capoeria de Vincent Cassel, presentada por sugerencia del actor), que supera cualquier cosa como 'Takers'.

Hombre en el interior” (2006)
Hasta que lo embotelló con 'Miracle At St. Anna' (aunque incluso esa película tiene sus defensores aquí), Spike Lee estaba en una carrera en medio de los ataques. 'The 25th Hour' fue una de las mejores películas de la década, y 'When The Levees Broke' fue uno de los mejores documentales. Entre esos dos, entregó fácilmente su película más convencional hasta la fecha, la película de atraco 'Inside Man'. Aunque inicialmente parecía bastante genérica, demostró que no solo era una película entretenida sin esfuerzo para adultos, sino que también resultó ser un Spike Lee Joint de principio a fin. Si bien la conspiración fue descabellada, el concepto de atraco central fue suspenso e impredecible, y el elenco fue uniformemente terrorífico, claramente teniendo el mejor momento de sus vidas: Denzel Washington sórdido, suelto y agradable, Clive Owen feroz, irónico y mercenario, y Jodie Foster dando tal vez la mejor actuación que hemos visto de ella en una década, en el tipo de papel que rara vez toma en estos días. Y eso sin mencionar a Chiwetel Ejiofor, Willem Dafoe, Christopher Plummer o el conjunto típicamente vibrante de Nueva York que Lee reunió. También es inesperada y consistentemente hilarante, filmado con un estilo y un estilo Lumet-esque inflexión de los años 70 y una imagen de Nueva York de principio a fin.

“;Collar azul”; (1978)
Conmovedor, silenciosamente intenso y trágico (este escritor estaba totalmente deprimido después de verlo), el debut como director de 1978 de Paul Schrader (solo dos años después de haber escrito “; Taxi Driver ”;) es un esfuerzo increíblemente subestimado e invisible en el cuerpo del cineasta irregular. trabajo (nosotros y rsquo; calificaremos eso momentáneamente). Ya sea escrito o dirigido (o en este caso ambos), el trabajo de Schrader ’; s 1970 ('Rolling Thunder', 'Obsession', 'Hardcore'), casi siempre estaba preocupado por la decadencia estadounidense posterior a Vietnam / post-Nixon y esta preocupación quizás nunca se ejemplificó mejor que en “; Blue Collar. ”; Protagonizada por Harvey Keitel, Yaphet Koto y, en un raro giro dramático, Richard Pryor, la película se centra en tres trabajadores automotrices de Detroit descontentos que, hartos de sus bajos salarios y malos tratos de su sindicato y jefes ineficaces, traman un plan para robar su sindicato y rsquo ; s seguro. Un esfuerzo fallido desde el principio, el plan comienza a desmoronarse rápidamente cuando el trío descubre la operación ilegal de préstamo de préstamos de la organización laboral y la ansiedad aumenta a partir de la creciente investigación criminal. Las primeras películas de Schrader estaban llenas de furia e indignación casi incontrolables, que probablemente tuvieron algo que ver con su crianza calvinista reprimida, pero nunca tuvo una imagen de atraco tan viciosa en sus inicios y luego desgarradora en su desaparición. La película también está protagonizada por Ed Begley Jr. y cuenta con una partitura del venerable Jack Nitzsche.

La escapada” (1972)
Basado en una novela del poeta laureado de pulpa dura Jim Thompson, dirigida por la favorita feminista Sam Peckinpah, y protagonizada por un Steve McQueen firmemente en medio de un colapso matrimonial empapado de cocaína, 'The Getaway' surge de una densa niebla de testosterona. : no hay más muchachos de noche que eso. Ali McGraw (algo equivocado, ocasionalmente encantador) usa sus artimañas para liberar a su esposo 'Doc' McCoy (McQueen) de la prisión. Después de un fallido robo a un banco, la pareja se disputa el botín, perseguida por policías de carne de cañón y una variedad de matones, liderados por Rudy (Al Letteria), asombrosamente repelente y malévolo. Quizás inevitablemente, todo culmina en un baño de sangre en El Paso y una tierna reconciliación para los amantes de la vida real. Esto de ninguna manera es Peckinpah de primer nivel; Tanto él como McQueen estaban desesperados por un éxito sin sentido después del fracaso comercial de 'Junior Bonner' (1972). Sin embargo, todos los productos básicos están allí: montajes increíblemente editados, ballet de ballet patentado de cámara lenta, y 'The Getaway' es una película de acción sólida y directa que siempre es divertido pasear por el medio de la televisión nocturna. Posiblemente no Robert Evans 'película favorita aunque ...

Bob le rodillo” (1956)
La importancia de 'Bob Le Flambeur' no puede ser exagerada. Junto con 'Rififi', representó el nacimiento de una nueva escuela, una sensibilidad que era igualmente estadounidense y francesa, y logró la rara hazaña de ser a la vez descaradamente derivada y palpablemente nueva. Rodado con poco dinero por las calles de París, a menudo utilizando luz natural y técnicas manuales de bricolaje, Bob también es el claro precursor de 'A bout de souffle' y todo el espíritu de la Nueva Ola. Podría haber sido simplemente otro riff en la biblia de la película de Huston 'The Asphalt Jungle', pero Melville utiliza la estructura básica de 'Jungle' para desarrollar un estudio irónico y cómico de un personaje y su entorno. Como tal, el antihéroe titular de Roger Duchesne es una de las primeras y mejores exploraciones de la pantalla del jugador compulsivo, para quien el riesgo es una forma de vida, una vocación existencial. Por esta razón, la película de Melville se entiende mejor como socavando sus expectativas de género, como una película anti-atraco en algunos aspectos. Pero va más allá del género para convertirse en muchas cosas: un himno poético a París y la vida de sus habitantes marginales y nocturnos, una elegía clásica de caballería y honor pasados ​​en un mundo crepuscular, y una exploración irónica de las inexplicables operaciones de azar, como visto a través de los ojos de un jugador con alma. Un trabajo formativo clave de uno de los arquitectos cruciales de la imagen del atraco.

El conductor” (1978)
El Walter Hill de finales de los setenta / principios de los ochenta fue un completo y completamente malo. Películas como 'The Warriors', 'Southern Comfort', '48 Hours' y 'Streets of Fire' establecen estándares estéticos y contienen un gran golpe de testosterona, por lo que es un poco triste que su reciente producción teatral haya sido tan lamentable. pato ('Supernova', 'Indiscutible'). El estilo varonil de Hill se enfocó con 'The Driver' de 1978, una película delgada y mala de persecución / atraco de autos con una actuación silenciosa y contundente de Ryan O ’; Neal como el personaje principal en el centro. El personaje sin nombre de O ’; Neal ’; roba autos que luego conduce durante los robos y que a menudo conducen a persecuciones de autos elaboradas y bien organizadas. Bruce Dern es el policía dedicado que intenta rastrear a O ’; Neal y quién y rsquo; no se detendrá ante nada para atrapar a su hombre. En lo que respecta a la trama, es algo bastante estándar. Pero en lo que Hill siempre se ha destacado es en mostrar a los hombres en acciones violentas, y 'The Driver' no es una excepción. El cineasta danés Nicolas Winding Refn (el brillante 'Bronson', 'Valhalla Rising') está a punto de comenzar a filmar su obra de conductor de escapada, 'Drive', con Ryan Gosling, que parece que va a asentir fuertemente a esto; ¿será el equivalente de este clásico de Walter Hill para una nueva generación?

“Ciudad en llamas” (1987)
Un policía encubierto se infiltra en un anillo de ladrones de diamantes solo para ver que su último robo de diamantes sale mal. ¿Suena familiar? No, esto no es una nueva versión de Hong Kong de “; Reservoir Dogs. ”; Lanzada en 1987, esta acción tensa llenó la película de suspenso de Hong Kong, no solo empujó a su director, Ringo Lam, al mapa, sino que también se unió a Chow Yun-Fat con el jugador contratado por Shaw Brothers de 1970, Danny Lee, por primera vez (los dos lo harían). más tarde reencuentro con gran efecto en John Woo ’; s seminal “; The Killer ”;). La película está marcada por elegantes escenas de acción que enorgullecen a Sam Peckinpah, así como por una gran cantidad de tomas indelebles; El memorable disparo de luz de la película que fluye a través de un almacén acribillado a balazos, por ejemplo, fue homenajeado / levantado por Robert Rodriguez para su finalización de 'From Dusk Til Dawn'. ”; Yun-Fat ofrece una de sus actuaciones más matizadas como el héroe en conflicto atrapado entre sus compromisos profesionales y sus lazos personales, mientras que Danny Lee es excelente como el líder de los ladrones de diamantes que se calienta lentamente ante la nueva llegada. A pesar de algunas escenas de “; Reservoir Dogs ”; extrañamente parecido a algunas escenas de “; City on Fire ”; y las dos películas generalmente comparten una trama, Tarantino mantiene la ignorancia. Cuando se le preguntó acerca de la semejanza entre las dos películas, Tarantino bromeó que se estaba muriendo por ver [“; City on Fire ”;]. ”;

“;Tiempo exacto”; (1978)
Sin embargo, otro clásico de los años 70, Ulu Grosbard ’; s “; Straight Time ”; con un giro fantástico de Dustin Hoffman como un ex convicto que intenta ir… (espere) derecho, es una de esas fotos sueltas, lacónicas, pero enérgicas, de la década de mí, llenas de momentos flexibles que se sienten como si estuvieran y rsquo; re hecho en el acto. También protagonizada por una joven y atractiva Theresa Russell, Gary Busey, Harry Dean Stanton, M. Emmet Walsh y Kathy Bates (¿qué tal eso para un elenco asesino?), Hoffman interpreta a Max Dembo, un ladrón de liberación que intenta salir por fuera , pero constantemente perseguido por su duro oficial de libertad condicional (Walsh). Conoce a una joven (Russell) que lo tienta a quedarse arriba y arriba, pero no dura y pronto la estafa de disparar desde la cadera está planeando otro elaborado robo de joyas con sus amigos. Co-escrito por Alvin Sargent ('Paper Moon', 'Ordinary People', las películas de Sam Raimi 'Spider-Man') y Jeffrey Boam ('The Lost Boys,' The Dead Zone '), los geeks del crimen real podrían saberlo mejor como la imagen basada en el criminal de la vida real Eddie Bunker ’; s “; No Beast So Fierce ”; (Bunker también co-escribió el guión). Es conocido por interpretar al Sr. Blue en Tarantino ’; s “; Reservoir Dogs, ”; y, como Danny Trejo, es reconocido como un ícono de la vida real en el cine. Por cierto, Trejo y Bunker se conocieron en la prisión estatal de Folsom. Según los informes, Michael Mann también contribuyó al guión en calidad no acreditada. Baste decir que la película tiene un pedigrí de crimen importante y es un corte más profundo que hay que ver en el género de películas de atracos.

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Cómo robar un millón” (1966)
La comedia del atraco de 1966 de William Wyler es la definición misma de una película que le gusta y lsquo; ellos y rsquo; no hagas más. La diversión espumosa y la química cautivadora entre Audrey Hepburn y Peter O ’; Toole (seguramente dos de las personas más bellas que jamás haya vivido) parece sin esfuerzo, pero es realmente un rayo cinematográfico en una botella, lo que hace que la película sea un dulce puramente escapista que triunfa por completo en Su simple ambición: entretener y nada más. Y si bien esta es una película de trama intrincadamente intrincada que un escaparate para el wardobe de Givenchy de Hepburn, el centelleo divertido de O ’; Toole ’; y algunos autos limpios de techo abierto y ubicaciones francesas de clase alta, el atraco en sí, que involucra una obra maestra falsa, un boomerang y un conocimiento innato de la naturaleza humana, en realidad es bastante inventivo, incluso si realmente es solo una excusa para tener a nuestros dos protagonistas profundamente atractivos encerrados en un pequeño espacio cerrado durante horas. Que sus propósitos cruzados románticos y sus engaños bien intencionados (porque, por supuesto, los dos también se están engañando) eventualmente se resolverán por sí mismos, nunca están en duda, pero si bien el final puede ser predecible, también es perfectamente satisfactorio, tal vez la película es formulaica, pero esta es una rara ocasión en la que la fórmula funciona totalmente. Es insustancial como una burbuja de luz, y si no soporta un escrutinio particularmente cercano, bueno, ¿por qué querrías profundizar más cuando sus encantos superficiales son tan considerables?

“;Cohete botella”; (1996)
Probablemente le daríamos nuestra tuerca izquierda si Wes Anderson volviera a este estilo de cine discreto pero brillante, pero es poco probable que eso suceda hasta que se tranquilice con la vejez y supere sus tics estilísticos. De cualquier manera, hay una razón por la cual esta comedia desenfrenada e inexpresiva sobre tres amigos que hacen de tres ladrones completamente patéticos e ineptos está en la lista de Martin Scorsese como una de las mejores películas de los años 90. Olvídese de las películas similares a dioramas sobrecargadas de excéntrico posteriores de Anderson, y ldquo; Bottle Rocket ”; descansa cerca de la cima de su mejor trabajo, a mundos lejos de la fría esterilidad de 'The Life Aquatic' o 'The Darjeeling Limited'. Marcando las apariciones de debut de Luke y Owen Wilson (y algunos de sus mejores trabajos también), más el desapareció hace mucho tiempo Robert Musgrave, “; Bottle Rocket ”; es más una película sobre la amistad y los soñadores ingenuos que una película tradicional de atracos, pero eso es quizás lo que la hace tan brillante. Nacido de Tarantino-wannabe-isms, afortunadamente, en el momento ‘ Rocket ’; golpear la pantalla fue algo completamente en sí mismo (y fue recompensado como tal por ser ignorado rutinariamente por los asistentes al teatro). Lleno de encantadora comedia subterránea con poca luz, la imagen tampoco escatima en su atraco real y presenta un clímax demasiado divertido que representa a estos tontos que arruinan su plan bien planificado (“; No lo tengo, rsquo; t lo tengo, yo Perdí mi toque, y rdquo; Kumar entona hilarantemente). Sometido, ingenioso y divertido, y ldquo; Bottle Rocket ”; Es una pequeña joya.

Toca No a Grisbi” (1954)
Disculpas a Marcello Mastroianni y George Clooney, pero uno de los caballeros más suaves y elegantes de la pantalla de plata fue el actor francés Jean Gabin. Más conocido por los cinéfilos por sus películas de los años 30 y 40 con el gran Jean Renoir, Gabin fue una gran estrella en ese entonces, pero tuvo un par de décadas difíciles, hasta que esta película lo puso nuevamente en la cima. En el thriller de Jacque Becker (traducido como 'No tocar el botín') Gabin interpreta a un anciano caballero que quiere retirarse mientras se recupera y cree que ese es el plan después de un exitoso robo de lingotes de oro. Sin embargo, como la mayoría de estas historias van, entrar al juego es fácil, dejarlo es mucho más difícil. Pronto se entera de que otro gángster rival y un brutal jefe del crimen (Lino Ventura, que aparecerá de nuevo en breve) ha escuchado sobre su puntaje de su novia, una hermosa muchacha interpretada por una entonces muy joven Jeanne Moreau. El despiadado jefe criminal de Ventura le da a Gabin la opción de renunciar al dinero o morir, y lo que sigue es un juego tenso de gato y ratón. 'Touchez' puede ser hablador y lento, pero la segunda mitad aumenta la tensión a medida que aumentan las apuestas y secuestran a los amigos, y el final explosivo contiene una secuencia de acción de ases que es emocionante para su tiempo y aún completamente atractiva. Michael Mann seguramente es un fanático, ya que puedes sentir la influencia de esta película a lo largo de su carrera.

El prisionero español” (1997)
Por su quinto esfuerzo como director, David Mamet regresó al mundo de las artimañas y los hombres de confianza. Esta vez, la marca es Joe Ross (el Campbell Scott, siempre infravalorado), un inventor brillante pero ingenuo del “; Process, ”; Una fórmula vagamente definida que se supone que predice los mercados globales y, comprensiblemente, vale una fortuna. Ross trabaja para el Sr. Klein (Ben Gazzara), quien le promete a Ross que tendrá un gran día de pago tan pronto como pueda vender el “; Proceso. ”; Mientras se encuentra en el Caribe para una reunión con inversores potenciales, Ross conoce a Jimmy Dell (Steve Martin, poco antes del comienzo de su “; actuando para financiar mi colección de arte contemporáneo y el período de mi carrera en el banjo), un extraño insolublemente rico. Los dos se encuentran una vez más en Nueva York y se produce una amistad. Es en este punto que cualquier resumen de la trama perjudicaría el guión cargado de torsión de Mamet. Curiosamente, Mamet decidió cambiar su configuración habitual: en lugar de pasar su tiempo en salones y bares de póker llenos de humo, los personajes de la película se encuentran en clubes de campo y restaurantes exclusivos, con exteriores de día tomando el lugar de los oscuros callejones nocturnos de Mamet anteriores. Película (s. Mientras mantienen el familiar staccato de Mamet, los personajes hablan en un tono afectado y educado (la película obtuvo una calificación de PG por lo que las bombas F de “; Glengarry Glen Ross ”; son inexistentes). Este cambio solo sirve para resaltar una lección familiar de la película: las cosas no siempre son lo que parecen. Y para los fanáticos de “; The Wire ”; Esté atento a una breve aparición del inimitable senador Clay Davis.

'Ladrón' (1981)
El “; un último trabajo ”; el género es casi tan antiguo como el propio medio, pero desde Michael Mann ’; s “; Thief, ”; todos los cineastas que intentaron explorar un tropo así no han podido alcanzar las mismas alturas. James Caan es el intrigante homónimo, todo engrasado y machista, a quien le resulta difícil confiar en alianzas difíciles cuando busca desesperadamente una señal de salida de su profesión. Cuando la gente está tratando de sacar a un joven James Caan con el torso de una vida digna, sabes que estás lidiando con algunos tipos malos. El clásico thriller de Mann es una película de combustión lenta, hasta un clímax violento sacado directamente del libro de jugadas de Mann, lleno de histriónica masculina, pero también una tristeza indeleble. Tampoco ha tenido una fecha tan mala como parte del trabajo de Mann en la década de 1980 (esto significa que usted, 'Manhunter'), y sigue siendo una de sus mejores imágenes.

Riesgo de toque de clase” (1960)
Capaz de interpretar papeles de gángsters despiadados, policías helados o simpatizantes ladrones, la versátil Lino Ventura (ver arriba) protagoniza una vez más en 'Classe Touchez Risque' de Claude Saudet, posiblemente una película de atracos de gángsters más trágica y emocional que muchas de esta, a veces importa- de hecho era mien. Interpretando a un jefe del crimen que una vez fue buscado en su Francia natal, el personaje de Ventura, Abel Davos, decide regresar una vez más para ver a su familia. Se envía a un joven matón prometedor (Jean-Paul Belmondo) para que lo ayude a cruzar la frontera y los dos lazos, especialmente porque el hombre más joven conoce al hombre mayor por su impresionante reputación. Si bien Belmondo interpreta a una fiel leyenda, la imagen a veces se describe como sobre su relación, la ley finalmente alcanza a Davos, lo que crea circunstancias desgarradoras para su esposa e hijos (lo que en cierto sentido lo convierte en un espectáculo solitario). El director Claude Sautet, una película siempre fascinante y observable, no es muy conocido fuera de esta, pero su película de 1978, 'A Simple Story', protagonizada por Romy Schneider, fue nominada para un Premio de la Academia a la Mejor Película en Idioma Extranjero.

El círculo rojo” (1970)
Con tantos puntos de entrada potenciales en una historia de atraco, en el momento en que el plan sale mal, la reunión de los protagonistas, la trama de la trama, es solo una de las perversidades de Jean-Pierre Melville y rsquo; s “; Le Cercle Rouge ” ; (un nombre tomado de una cita budista, falsificada por el director) que elige comenzar su película a millas de distancia en el tiempo, el espacio y el estado de ánimo, de la escena del crimen. Pero los placeres extraños y espartanos de su enfoque deslumbrante: dos de la pandilla se encuentran debido a una coincidencia estupenda que desafía las creencias; el tercero rechaza su parte de las ganancias; el adversario de su policía los persigue implacablemente, pero también lo vemos dos veces volver a casa, bañarse y hablar con sus gatos: ejercen su propio poder convincente. Bueno, es eso o los pómulos de Alain Delon. En cualquier caso, por incrementos, llegamos a la raíz del trío taciturno (aparte de la secuencia de atraco sin diálogo de bravura de 25 minutos de duración, hay asombrosamente poca conversación de nuestros antihéroes) hasta su inevitable venganza. El hecho de que esto no ocurra a través de las traiciones internas que generalmente provocan que las bandas de delincuentes de cine se desmoronen, sino que es su lealtad el uno al otro, es el golpe de gracia de Melville: para entonces, nuestras condolencias se han torcido tanto que nos ponemos del lado de estos asesinos. y ladrones contra un mundo que parece mucho más engañoso e ignorable que ellos. John Woo estuvo cerca de dirigir una nueva versión escrita por Steven Knight, pero se vino abajo, probablemente lo mejor.

La jungla de asfalto” (1950)
John Huston ’; s 1950 noir puede ser mejor conocido ahora por las películas en las que influyó (al menos la mitad de los títulos de esta lista, en particular “; Rififi ”;), y por una actuación luminosa temprana de Marilyn Monroe, pero la película, aunque crujiente está en algunos lugares y empañado por algún diálogo didáctico y moralista, sigue siendo una pieza convincente por derecho propio. El arco narrativo, (un hombre tiene un plan, reúne a una pandilla, realiza un atraco, solo para tener la oportunidad y la naturaleza humana frustra el esquema) se ha convertido en la plantilla de la película de atraco, pero detalles como la corrupción de la fuerza policial y las caracterizaciones cuidadosas de los pandilleros mantienen los procedimientos frescos. Y si bien abundan los debates amigables con los censores sobre la naturaleza de la criminalidad, está claro dónde reside realmente la simpatía de Huston; es el poder, no la infracción de la ley, lo que corrompe aquí, por lo que las únicas personas con algún tipo de código son las que están en la parte inferior de la cadena alimentaria: la mezquina campana de Sterling Hayden; la chica que lo ama; el conductor de la escapada jorobada y el hombre de familia seguro. El asco está reservado para aquellos que están más arriba en la jerarquía, cuyos deseos degenerados eventualmente los frustran (tanto el autor intelectual como el personaje de frente / valla, un suave Louis Calhern, se deshacen por su interés en las jóvenes muchachas nubiles), mientras que Hayden ’; s Dix es recompensado por su lealtad, si fuera de lugar, lealtad y nobleza perversa, con el tipo de muerte trágica, teatral y poética; el mayor honor que un criminal de cine en opresivo y lsquo; 50s América podría esperar.

El segundo aliento” (1966)
Habla sobre Jean-Paul Belmondos y Alain Delon, todo lo que te gusta, pero tal vez uno de los verdaderos grandes de la era del crimen francés es Lung Ventura (ese hombre otra vez ...), que también tuvo papeles importantes en varios otros Jean-Pierre. Melville imágenes. Si bien no es tan fascinante como 'Le Samourai' o 'Le Cercle Rouge' de Melville (ni tan cautivador como el thriller de crimen dirigido por Melville antes, 'Les Dolous') 'Second Wind' (como se lo conoce en su traducción al inglés ) es absorbente, si un poco se extiende por su tiempo de ejecución de 2 1/2 horas. Comenzando con un escape silencioso de la prisión, la película sigue a Gu (Ventura), abreviatura de Gustavo, tratando de abandonar el país, pero no antes de que pueda encontrar a su amor Machouche (Christine Fabréga). Naturalmente, necesita lograr un trabajo más (¿no es siempre uno más?) Para ahorrar suficiente rasguño para que él y la niña puedan huir con comodidad a un paraíso tropical. Los policías corruptos (y un detective particularmente sádico interpretado por Paul Meurisse) no lo hacen fácil, sin embargo, y se llevan a Gu por cargos falsos, lo golpean y planean para que parezca que ha delatado al resto del mundo del crimen y sus cómplices en el sangriento y violento atraco al banco Brinks van bank que lograron antes. Visto como un traidor, Gu escapa del cautiverio de la policía y luego hace lo que puede para despejar su honor, pero rápidamente descubre que los ladrones y el honor generalmente no se mezclan bien. El recientemente fallecido Alain Corneau intentó rehacer la película en 2007 con Daniel Auteuil, Monica Belluci y Michel Blanc, sin gran efecto.

Calor” (1995)
¿Cuántas malditas reseñas y artículos sobre esta película se han centrado básicamente en que sea el primer emparejamiento en pantalla entre Pacino y De Niro? Es justo, es un gran problema y todo, pero 'Heat' es una pieza de conjunto grandiosa y compleja, y el gran Método conocer y saludar es solo una parte de su pulido reloj. Este esfuerzo conjunto se extiende mucho más allá del elenco: entre ellos, el lente Dante Spinotti, el compositor Eliot Goldenthal y el director Mann han tejido un espacio luminoso de ensueño fuera del escenario de Los Ángeles: un paisaje inquietantemente hermoso y glacialmente solitario y deshumanizado. Las chuletas de dirección de Mann están en su apogeo: la inmersiva y cinética lucha contra incendios en el centro de Los Ángeles, que cuenta con un diseño de sonido milagroso y rugiente, es probablemente la coreografía de acción única más importante desde que Peckinpah reinventó la forma. El guión es denso y matizado, explora las relaciones pandilleras / familiares, las ansiedades perennes masculinas / de cine negro con respecto al compromiso emocional y clava un cierto espíritu de trabajo como identidad que era muy frecuente en los años crepusculares del siglo americano. El reparto es uniformemente sobresaliente. (¿Al pasa a OTT? Bueno, sí, hasta cierto punto, pero funciona principalmente en el contexto del personaje, y en contraste con De Niro.) La influencia de 'Heat' continúa cobrando fuerza - 'The Dark Knight', videojuegos como 'Kane y Lynch', um, 'Takers', y su estado es casi tan fácil en lo que respecta a las películas de atraco contemporáneas.

La toma de pelham uno dos tres” (1974)
El año pasado, Tony Scott intentó rehacer la película seminal del metro de Joseph Sargent, pero la verdad es que Spike Lee lo golpeó hace un par de años con “; Inside Man. ”; Al igual que esa película, “; Pelham ”; gana su atractivo extra al tratar a cada rehén como si fuera una persona real, un peón colorido en un juego mortal de ajedrez donde ninguna pieza es desechable. Pero los jugadores periféricos en “; Pelham ”; también son acertadamente igualados por el atacante Walter Matthau que persigue diligentemente al villano sediento de sangre Robert Shaw, en una competencia de gatos y ratones alimentada por la intensidad lúdica, hasta ese clásico tiro final. Es otra película que Tarantino 'homenajeó' en 'Reservoir Dogs', con los nombres codificados por colores de los ladrones. Ah, y ¿mencionamos el marcador de David Shire de todos los tiempos?

Grand Slam ' (1967)
Dirigido por Klaus Kinski, Janet Leigh y Edward G. Robinson, deberías rastrear esta película basada solo en el casting. Pero este idioma inglés, la producción en euros dirigida por Giuliano Montaldo, por lo demás desconocido, es una película de atraco que nos lleva metódicamente a través de cada paso de un trabajo, desde la contratación del equipo de expertos, hasta su planificación del trabajo y la ejecución que no del todo como está planeado. La premisa es clara: un profesor retirado (Robinson) presenta el trabajo de su vida a un criminal profesional: el robo de una empresa de diamantes en Brasil. Con todos los ángulos imaginables cubiertos, el trabajo se encuentra con un enganche cuando se instala un nuevo sistema de alarma, el Grand Slam 70 titular, poco antes del atraco planeado. A partir de ahí, las cosas se ponen aún más difíciles. Montaldo dirige con un ojo increíblemente visual y una sensación de ritmo completamente crackerjack. La película corre como un maldito metrónomo que te revuelve los nervios. Pero todo esto no significaría nada si la secuencia real del atraco no estuviera entre los grandes; ejecutados sin aliento mientras vemos al equipo tratar de escapar de su destino final. “; Grand Slam ”; casi nunca se menciona en las listas habituales de grandes películas de atracos, pero solo mira esta película ingeniosa, emocionante y divertida y verás por qué merece ser descubierta.

Rififi” (1955)
Sí sabemos. Este es el abuelo de todas las películas de atracos, la que encabeza la lista de todos y su nombre se cae constantemente. Pero si no ha visto la película (y, por Dios, debe remediar esa situación rápidamente), no se deje engañar por pensar que esto es solo una piedra angular cinematográfica de la que todos hablan, pero nadie realmente mira. En todo caso, Jules Dassin ’; s “; Rififi ”; sigue siendo la plantilla y el estándar, con una secuencia de atraco central que aún no se ha superado. La trama es algo estándar: cuatro hombres se dirigen a una joyería, planean el trabajo perfecto y las cosas no salen según lo planeado. Pero el golpe maestro de Dassin es el golpe de 30 minutos, casi completamente silencioso (sin diálogo, sin banda sonora) que arroja brillantemente a los espectadores directamente al robo que tensa y tensa. Una obra maestra en todos los sentidos de la palabra, “; Rififi ”; sigue siendo el portador de la antorcha para el género con muy buenas razones.

no nos dividirá la temporada 2

Tarde de perros” (1975)
35 años después de su lanzamiento, es fácil dar por sentado lo valiente y anticipada que fue la 'Tarde del día del perro' de Sidney Lumet. Basado en un incidente real, sigue a Sonny (Al Pacino), un veterinario de Vietnam que, con un grupo de cohortes, roba un banco para financiar la operación de cambio de sexo de su amante (masculino). Es notable por la forma honesta, comprensiva y libre de clichés que representa a un personaje gay; incluso ahora, es raro ver a un personaje gay como Sonny. Incluso entonces, sin embargo, su homosexualidad no es el foco, al igual que 'Network' (probablemente la única película en el CV de Lumet que puede superar esta), el director está interesado en la celebridad, la forma en que los medios y la gente de New York, vilipendia y celebra el plan de Sonny. La sensación documental portátil todavía está fresca hoy, el guión de Frank Pierson es una especie de clase magistral, y la edición, por el difunto, gran Dede Allen, es la mejor de la categoría. Quizás lo más notable es el desempeño de Pacino: fuerte, vulnerable, desesperado, revolucionario, masculino, femenino: puedes quedarte con Michael Corleone, por eso es por lo que lo recordaremos. El elenco de apoyo tampoco puede ser olvidado: John Cazale, Charles Durning, Chris Sarandon, incluso un joven Lance Henriksen son excelentes.

– Rodrigo Perez, Nick Clement Andy Linnane, Oliver Lyttelton, Jessica Kiang, Kevin Jagernauth, Tristan Eldritch, Tan Nguyen



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