22 películas esenciales sobre Hollywood

La semana pasada, revisamos las películas de Joel y Ethan Coen y reunimos nuestro ranking de los 65 mejores personajes Coen. Hoy, rendimos homenaje al espíritu de su nueva película '¡Alabad al cesar!'Revisando algunas de nuestras películas favoritas sobre el mismo tema: Hollywood y las locuras y debilidades de la ciudad industrial más famosa del mundo.



Casi siempre y cuando haya habido un 'Hollywood', una parte de Los Ángeles que es sinónimo de la industria del cine y especialmente con el sistema de estudio que persevera de una forma u otra hasta el día de hoy, ha habido cineastas que querían tomarlo como Su tema. Y casi siempre, esas películas han contenido más que una pizca de precaución. Cuando Hollywood se mira a sí mismo, rara vez se hace ilusiones de que sea la fábrica de tradiciones soñadas de Tinseltown.

Y rara vez se ve a sí mismo como algo que no sea deslumbrantemente blanco. Como era de esperar, a la luz de las recientes controversias sobre la diversidad que los mismos Coen han sido desafiados en relación con el casting de '¡Salve César!'. Cabe señalar que la mayoría de las películas sobre Hollywood, con solo unas pocas excepciones notables, son abrumadoramente preocupado por las tribulaciones o locuras de los blancos. En cierto modo, ese es un enfoque honesto: Hollywood ha sido un lugar no solo carente de diversidad, sino también donde los problemas de representación racista o exclusión étnica hasta la fecha no han sido esencialmente importantes para los poderes fácticos, por lo que no se han observado en películas que critican a la industria de cualquier otra manera.



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Dejando a un lado los problemas de diversidad, es una categoría sorprendentemente masiva, así que para reducirla un poco, y de acuerdo con el enfoque más amplio y basado en conjuntos de '¡Salve César!', Hemos evitado en gran medida las biografías como 'El aviador'Y'Dioses y monstruos.'Y hemos tratado de centrarnos en películas que tienen una visión amplia de la industria, en lugar de ser principalmente sobre, digamos, escritores, como'Adaptación,' y algún día guardaremos documentales de Hollywood para otra película. Teniendo en cuenta todos esos criterios y advertencias, aquí hay 22 títulos de los muchos cientos que existen que admiramos o amamos en diversos grados y que iluminan la naturaleza del mito de Hollywood a través de los siglos.


“; Sunset Boulevard ”; (1950)
Fue hecho hace más de 60 años, pero Billy Wilder’; s “; Sunset Boulevard ”; ya se siente como una versión del fin del imperio de Hollywood (“; Hollywood ’; s como Egipto. Lleno de pirámides desmoronadas. ’; nunca volverá, ”; David O. Selznick diría que el año siguiente), hecho cuando la primera ola de magnates, estrellas y directores comenzaban a desaparecer. Carta de amor venenosa de Wilder al negocio (en más de un sentido: la película resultó en el final de su colaboración con su compañero de escritura Charles Brackett) ve guionista William Holden tropezar con la estrella silenciosa olvidada Norma Desmond (Gloria Swanson), que lo contrata para reescribir el “;Salome”; biopic que ve como su camino hacia el estrellato. Bar quizás “;As en el agujero,”; Es una película tan cínica como la famosa y cínica Wilder jamás hizo, una investigación sobre la crueldad, el engaño y la locura de la fama. Aunque la historia de Hollywood en ese momento tenía solo unas pocas décadas, Wilder sumerge su película en ella, filmando las colinas, los lugares remotos y las casas del negocio del cine como pocos antes o después, e incluyendo cameos de personas como Cecil B. DeMille, Buster Keaton y, levantando un guiño de Oscar, Erich Von Stroheim. Pero Swanson se destaca sobre todos ellos, tomando un personaje con el que ella tenía mucho en común y convirtiéndola en algo más cercano a un gran Universal Studios monstruo de la película


'El hombre del truco' (1980)
Completamente absurdo de principio a fin, con un tono y una intención muy disparejos, y lleno de exactamente el tipo de mentiras y trucos que pretende exponer, de alguna manera 'The Stunt Man' del director Richard Rush (“Freebie y el frijol') Es una maravilla. La historia es poppycock: un joven vagabundo huyendo de la policía (Steve Railsback, quien cuatro años antes había tenido un elenco increíblemente perfecto como Charles Manson en 'Helter Skelter'Película de televisión' provoca la muerte de un doble en el set de una gran producción de Hollywood, y por una serie de circunstancias inesperadas termina reemplazando al hombre muerto, cayendo por la protagonista (Barbara Hershey) y chocando con el mercurial y magistral director Eli Cross (Peter O'Toole) A O’Toole le corresponde dar cuenta de los giros más trastornados de la historia al encarnar esencialmente a un personaje imposible: un loco genio, que todo lo ve, hiper-manipulador, insidiosamente encantador, egocéntrico, es decir una exageración de Hollywood de un director de Hollywood. Y si no lo supieras, él lo logra. Esta es la película de O'Toole, en la que se las arregla para vender la vaga plausibilidad de este hombre extremadamente inverosímil a través de la pura fuerza del carisma. Quizás inevitablemente, se enrosca en demasiados giros antes de que termine, y el nivel de interés se desploma cada vez que O’Toole no está en la pantalla (aunque Hershey tiene sus momentos). Pero en su mayor parte, este es un excelente escaparate de la calma de O’Toole y una instantánea esclarecedora de los mitos que Hollywood le gusta crear en torno a sí mismo y a sus personalidades.

“; El jugador ”; (1992)
La premisa era obvia; Robert Altman tomando un elenco de estrellas y haciendo para el negocio del cine lo que hizo por la música country y la política en “;Nashville. ”; Pero “; El jugador ”; resultó ser una propuesta ligeramente diferente, un negro satírico más centrado del escritor Michael Tolkin eso no se sienta del todo junto al trabajo de primer nivel del director, pero aún así es completamente agradable. Apertura con bravura, y ldquo;Toque de maldad”; -evocando un disparo de seguimiento, la película sigue al ejecutivo del estudio Griffin Mill (Tim Robbins, en el tipo de giro suave-exterior oscuro-interior que lo hace muy bien), quien y rsquo; teme por su trabajo, está siendo acosado por una figura misteriosa y termina asesinando a un guionista (cumpliendo las pesadillas de la mayoría de los escritores y los sueños de La mayoría de los ejecutivos). En lo que respecta a Hollywood neo-noir, no es rsquo; t “; Sunset Boulevard, ”; aunque tiene algunas sorpresas guardadas, el momento en que Mill confiesa a la novia de su víctima y rsquo;Greta Scacchi) con quien ha estado durmiendo, solo para que ella le diga que lo ama, es agudo. Y la película nunca tiene el bocado satírico que quieres que tenga. Pero desde los abundantes cameos hasta los chistes, que han logrado envejecer notablemente bien, es una experiencia completamente placentera, una que irónicamente ayudó a devolver a Altman, quien había estado en el desierto, a la cima.

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'Hollywood Shuffle' (1987)
Probablemente el mejor correctivo a la blancura cegadora de la película de Hollywood, dado que Spike Lee 's 'Engañado'(Aparte de este gran montaje) está más enfocado en la industria de la televisión, es esta película dispersa pero sincera y muy entretenida de Robert Townsend (“B.A.P.S. '' Eddie Murphy: Raw'). Protagonizada por el propio Townsend (que coescribió con Wayans de marfil Keenan), es una colección de viñetas, secuencias de sueños y bocetos extendidos basados ​​en sus propias luchas como actor negro que trata de triunfar en Hollywood. Townsend interpreta a Bobby Taylor, quien con frecuencia omite su trabajo de restaurante de perritos calientes para ir a audiciones y sueña con ganar su quinto Oscar y ser el protagonista de una película de detectives de cine negro. En cambio, inevitablemente está probando roles de proxeneta jive-talkin 'u otros estereotipos similares (que están muy lejos de su experiencia amable, educada, solidaria, de familia y amante de la novia) y a menudo pidió ser 'un poco más Eddie Murphy'. En una especie de escenario de 'ten cuidado con lo que deseas', finalmente consigue una parte que podría convertirlo en una estrella, pero solo si juega con todos esos estereotipos negros corrosivos. La película sería una explosión de diversión si solo no fuera tan deprimente que se hizo hace casi 30 años, y la mayoría de sus observaciones sobre la raza en Hollywood todavía duelen hoy. Como 'Nacimiento de una nación” actor/director Nate Parker dijo recientemente: “; Como hombre negro, dejas las audiciones sin esperar que consigas el trabajo, sino preguntándote cómo se lo explicas a tu familia si lo haces '.


“; Singin ’; En la lluvia y rdquo; (1952)
Inmediatamente una carta de amor al musical de Hollywood y podría decirse que es su mejor ejemplo, “; Singin ’; En la lluvia y rdquo; fue desconcertantemente solo un golpe medio después de la liberación y fue ignorado en su mayoría por los Oscar. 63 años después Stanley DonenLa película de rsquo; se consolida como un clásico, una de las imágenes más divertidas, románticas y amorosas que Hollywood haya hecho sobre sí misma. La película proviene de orígenes poco ambiciosos: es esencialmente un musical de jukebox, destinado a exhibir canciones de musicales clásicos de MGM de la década de 1930. Pero desde comienzos modestos, Donen y escritores Betty Comden y Adolph Green hilaron oro con su historia del intento de convertir la imagen del período silencioso “; The Dueling Cavalier ”; en un talkie después de “;El cantante de jazz”; aporta sonido al cine, aunque la protagonista Lina Lamont (nominada al Oscar Jean Hagen) tiene una voz que suena como clavos en una pizarra. No es exactamente una trama gruesa, como con los mejores musicales, hay suficiente para sostener algunas risas (y hay muchas), un romance (entre Gene KellyLa elegante estrella de rsquo; s y el ganador absoluto Debbie Reynolds) y, lo más importante, los números de música. Y qué números, con la canción del título proporcionando una de las imágenes más icónicas de la película, y Donald O y rsquo; Connor’; s bravura “; Make ‘ Em Laugh ”; Uno de los más divertidos. Hasta y ldquo;El artista”; y sí, y ldquo;¡Alabad al cesar!, y rdquo; la película define más o menos la forma en que Hollywood se idealizó en ese momento, y no se puede culpar a una película tan alegre por hacer precisamente eso.


“; Mapas a las estrellas ”; (2014)
Tiene una o dos películas de estudio en su currículum (“; La mosca”; siendo el más notable), pero David Cronenberg ha permanecido como un forastero resuelto en su mayor parte, lo que lo convierte en el candidato perfecto para exponer el corazón podrido de Hollywood en “; Maps To The Stars. ”; Y luego prenderle fuego. Escrito por Bruce Wagner, la película se centra principalmente en la familia Weiss: el psicólogo de celebridades Stafford (John Cusack, el comienzo de la separación de Cusack que continuaría con “;Amor y misericordia”;), la pesadilla de la madrastra Cristina (Olivia Williams), Agatha gravemente quemada (Mia Wasikowska) y la malcriada estrella infantil Benjie (Evan Bird), mientras se desvanece la estrella de cine La Habana (Julianne Moore, quien ganó la Mejor Actriz en Cannes para esta película, y podría decirse que funciona mejor aquí que en su ganador del Oscar y ldquo;Todavía Alice”;) y el conductor de limusina Jerome (Robert Pattinson) son llevados a su órbita. Es un poco lanudo en la trama y es decididamente más desechable que lo mejor del trabajo de Cronenberg (tal vez apropiadamente, para una película sobre la superficialidad de Hollywood), pero logra entrar en el corazón de Los Ángeles y el negocio que lo conduce Es menos una sátira que una tragedia griega, gótica y grotesca, más Sam Shepard que “;Sunset Boulevard. ”;


'Los viajes de Sullivan' (1942)
Uno de Preston Sturges‘Películas más influyentes (las propias de los Coen'Oh hermano, ¿dónde estás?'Lleva el nombre del guión ficticio dentro de la película), esta comedia clásica es una que seguramente Sullivan (Joel McCrea) a él mismo le hubiera encantado haber hecho. Al resolver el problema que la película le da a sus personajes, el de la comedia versus la relevancia social en la realización de películas, simplemente eligiendo ser muy divertido y muy consciente socialmente al mismo tiempo, la imagen de Sturges también es un delicioso recordatorio de que el prejuicio de Hollywood contra la comedia como fechas dignas de premios o 'importantes' desde la Edad de Oro. Siguiendo al exitoso pero desilusionado Sullivan mientras opta por el lujoso estilo de vida de Hollywood obtenido al dirigir películas de cómics populares y decide salir a la carretera para ver a los hombres y mujeres reales de los Estados Unidos deprimidos, desempleados, a menudo indigentes, 'Sullivan's Travels' tiene un flojo , estructura un poco destartalada y no está tan delineada como el arquetipo clásico de Hollywood. Pero de alguna manera eso se suma a su encanto, lo que le permite mantener la frescura hasta el día de hoy y caminar una línea inteligente entre simpatizar con Sullivan y reírse de él. Por supuesto, su conversión damasquinada a la creencia de que las comedias valen la pena precisamente porque le dan a la gente común una forma de escapar de la miseria de sus vidas es bastante reaccionaria y un poco satisfecha de Sturges, pero quién puede quejarse cuando las bromas son así. quippy y Veronica Lake ¿Es esto precioso?


“; Nadar con tiburones ”; (1994)
Dando un tremendo escaparate a Kevin Spacey justo antes de que realmente estallara (él y rsquo; ganaría un Oscar por “;Los sospechosos de siempre”; el año siguiente), “; Nadar con tiburones ”; compensa en puro veneno lo que le falta en ambición. Escrito y dirigido por Robert Rodriguez camarada George Huang la película ve al escritor Guy de rostro fresco y ojos abiertosFrank Whaley) comienza a trabajar para el magnate de la película Big Buddy Ackerman (Spacey), solo para descubrir rápidamente que es un matón abusivo y pesadilla, lo que lleva a Guy a secuestrarlo y mantenerlo como rehén. Los rumores persistieron que Buddy se basó en Scott Rudin o Joel Silver - + de cualquier manera, el poderoso rendimiento de Spacey es casi definitivo en lo que respecta a los jefes de películas, capturando tanto las demandas y los derechos dementes como las, ejem, habilidades de las personas que le permiten salirse con la suya. Es una actuación tan grande que posiblemente abruma al resto de la película, lo cual es problemático dado que, para empezar, no hay mucha carne en los huesos. De hecho, resultó funcionar bastante mejor como una obra de teatro (Christian Slater y Matt Smith protagonizó el estreno en 2007), donde su claustrofobia realmente podía despegar y su idioma mametiano y nihilismo tenían más espacio para florecer.

“; Tropic Thunder ”; (2008)
Dios sabe que es difícil hacer una comedia de estudio grande y estrellada que sea realmente divertida, y que es aún más difícil hacerlo cuando lo haces sobre el negocio del cine, un tema que el público rechaza más de lo que acepta. . Entonces Ben Stiller (y co-escritores Justin Theroux y Ethan Cohen) merece mucho crédito por hacer uno que se acerca tanto a la grandeza, aunque frustrantemente se queda corto, como “; Tropic Thunder. ”; Esencialmente un riff en y ldquo;The Three Amigos”; y “;Búsqueda de galaxias,”; la película ve a la luchadora estrella de acción Tugg Speedman (Stiller), el método comprometido actor Kirk Lazarus (Robert Downey jr.), el comediante Jeff Portnoy, amante del traje gordo (Veintiuno), novato Jay Baruchel y rapero gay Brandon T. Jackson obligados a luchar por sus vidas cuando la película de Vietnam que están filmando los pone en el camino de una pandilla de heroína. Relleno de camafeos (incluido, más famoso, un irreconocible Tom Cruise como un monstruoso ejecutivo de estudio), se mantiene algo disciplinado en sus secuencias de comandos y maneja una mezcla de gran humor amplio y un sentido de algo en juego, al menos hasta que su control sobre la realidad se deslice en el tercer acto. Y casi cada uno de su elenco expansivo está bien servido, con Downey Jr. en particular matándolo con una actuación en capas y arriesgada que de alguna manera se desprende (e irónicamente le valió una nominación al Oscar).


“; Mulholland Drive ”; (2001)
“; Mullholland Drive ”; contiene multitudes Es una profundización en David Lynch’; mente de s. Es una fantasía de ensueño. Es una historia engañosamente conmovedora de romance y corazones rotos. Es jodidamente aterrador. Y también es una de las mejores películas sobre Hollywood. “; Por la noche, montas en la cima del mundo … Sientes la historia de Hollywood en ese camino, y rdquo; Lynch dijo sobre la calle del título, una especie de bulevar de sueños rotos, y los lugares donde filma y coloca su película son tan importantes como los personajes que la pueblan. Primero y principal es Betty (Naomi Watts) una aspirante a actriz que se enamora de una mujer amnésica (Laura Harring) Tal vez pateando contra las expectativas, Betty no ha sido: ha sido increíblemente talentosa (como aprendemos en la increíble escena de audición, uno de los mejores momentos de actuación de pantalla de este siglo y una mirada auténtica a ese lado del proceso). como se ha retratado), pero está luchando por afianzarse en una industria llena de mujeres que se parecen a ella y está diseñada para masticarla y escupirla. De hecho, más tarde nos encontramos con Diane (Watts), el lado amargo, posiblemente asesino, definitivamente suicida de su doppelganger y el ingenuo optimismo de rsquo; Ambos completamente nostálgicos sobre las películas y el lugar que los hace y horrorizados por su vientre oscuro, es un hilo de Hollywood que solo Lynch podría haber hecho.

'S.O.B' (1981)
'¡Se convertirá en la mejor película para hacer dinero en la historia del cine!', Promete el director de ojos salvajes Felix Farmer (Richard Mulligan) delirando sobre su última película. '... ¡un campeón de taquilla de 40 millones de dólares!' No son solo los números los que han salido mal en Blake Edwards ' 'S.O.B.', una sátira tan amplia y llamativa que suena como una farsa. Esta película se siente amarrada no solo a una idea pasada de moda de Hollywood, en la que una inmersión en la carrera del director rico y exitoso es algo que vale la pena preocuparse, sino a una visión arcaica de la sociedad estadounidense en general, en la que una secuencia extendida donde un grupo de chicos persuadir, engatusar y finalmente drogar a una actrizJulie Andrews) en mostrar sus senos se puede jugar por asco. Por extraño que parezca, vale la pena ver 'S.O.B.', aunque solo sea porque puede ser el mejor ejemplo de vitriolo desenfrenado y auto justificado que haya reunido a un elenco de estrellas de cine y televisión ligeramente ensuciado (William Holden, Shelley Winters, Robert Vaughn, Robert Loggia, Larry Hagman y Loretta Swit) y recibir luz verde. Basado en sus propias experiencias ofreciendo flop 'Darling Lili', Justo antes de elegir a su propia esposa Andrews,' S.O.B. 'es estridente y en gran parte divertido, pero fascinante por la sensación de Edwards tratando de cubrir su hiel con una sonrisa. Sin el desprendimiento irónico de, por ejemplo, 'El jugador', los extravagantes suicidios fallidos y los incidentes de robo de cadáveres fracasan: no puede enmascarar su genuino pique, y la sonrisa se convierte en una mueca.


“; El artista ”; (2011)
El equipaje que sigue a una película después de que gana el Oscar a la Mejor Película contra la competencia más querida por la comunidad crítica es a menudo desafortunada: un producto de nuestra cultura binaria, fresca / podrida puede ser que si una película se lleva el primer premio que no es el La elección de cinéfilo para la mejor película del año, se ridiculizó de inmediato como la peor. Pero, ¿sabes qué? “;Chicago”; Es una muy buena película. “;Slumdog Millionaire ”; y “;Argo y rdquo; y “;Birdman”; son películas bastante buenas (esto no cubre todas las bases, como “;Choque”; probado, pero aún así). Y “; El artista? ”; Cuando se separa del proceso arbitrario de premios, “El artista y rdquo; es una muy buena película, un modesto, en su mayoría, un tributo encantador al cine mudo que, sin embargo, ha sufrido la misma reacción. Montado en un hermoso blanco y negro con una puntuación maravillosa por Ludovic Bource, Michel Hazavaniciusy rsquo; la película es más directa que sus colaboraciones anteriores con la estrella Jean Dujardin en la serie espía parodia y ldquo;EE.UU.-17, y rdquo; influenciado tanto por “;Ha nacido una estrella”; -ish melodrama como por “; Singin ’; En la lluvia y rdquo; sátira. Pero la sorpresa es que esta combinación de payasos y tirones del corazón funciona, en parte porque resiste el guiño a la cámara, y en parte porque está tan impregnada de los clásicos cinematográficos y es interpretada con el compromiso de los protagonistas Dujardin y Berenice Bejo. Es pastiche y, evidentemente, no es la mejor película de 2011. Pero sigue siendo una película bastante buena.

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“; Bowfinger ”; (1999)
Pocos cómics han tenido el éxito de Hollywood Steve Martin o Eddie Murphy, por lo que quizás sea apropiado que su primer equipo y una de las mejores horas de cualquiera de los dos llegó cuando mordisquearon suavemente la mano que los alimentaba. “; Bowfinger, ”; escrito por Martin y dirigido por su “;Sinvergüenzas sucias y podridas”; helmer Frank Oz ve a la estrella de cabello plateado interpretar a un inepto, Ed Woodestilo cineasta que vende una película a un estudio importante (representado por un regreso previo) Robert Downey jr.) con la condición de que debe aterrizar la mega estrella Kit Ramsey (Murphy). Pero cuando Ramsey desaparece, se ve obligado a utilizar métodos menos convencionales, incluido el uso del nerdy doppleganger Jiff (también Murphy). Está suelto, a veces descuidadamente tramado, cercano en tono a algo como “;Los productores,”; pero casi siempre gana: el guión de Martin es siempre divertido pero nunca excesivamente amargo con respecto a Hollywood, con una agradable sensación de dejar a un lado las alcaparras de las que carecen muchas sátiras de Hollywood. También es notable como el último gran escaparate de acción en vivo en la pantalla grande para sus dos estrellas hasta la fecha: Martin juega con sus fortalezas como el personaje del título tonto, mientras que Murphy rara vez ha estado más comprometido y jugando mientras se burla de él. él mismo como Kit, o más entrañable y encantador que él como Jiff.


'El último magnate' (1976)
Cuando ciertos cineastas dirigen sus ojos hacia la industria que los fomenta y, a menudo, los rompe, a menudo encuentran la mejor respuesta con humor, ya sea a través de una sátira mordaz o una farsa total. Entonces es sorprendente que Elia Kazan, el director más astuto y provocativo, interpreta su retrato de Hollywood como una tragedia. Pero si 'The Last Tycoon' nunca gana completamente el alcance operístico de sus ambiciones (excepto en el diseño de producción, que es exquisito), difícilmente merece su reputación póstuma como un fracaso total. De hecho, en momentos como el partido de ping pong entre un magnate borracho Robert De Niro y líder sindical bigotudo Jack Nicholson (sigue siendo su única aparición juntos), roza la grandeza que busca. Quizás la extralimitación era inevitable con un pedigrí como este: Kazan dirige a De Niro en su apogeo temprano (esta película salió el mismo año que 'Taxi Driver') en una adaptación escrita por Harold Pinter de F. Scott FitzgeraldLa novela inacabada, que estaba basada en un superproductor Irving Thalbergquien dominó MGM hasta su prematura muerte a los 37 años. Pero el elenco está repleto de estrellas, incluyendo Theresa Russell, Jeanne Moreau, Tony Curtis, Robert Mitchum, Donald Pleasance y Ray Milland; la historia está llena de arrogancia, locura y casas de playa eternamente inacabadas; y De Niro es enormemente convincente en uno de sus roles más internalizados.


'En algún lugar' (2010)
Sofia CoppolaEl cuarto largometraje es realmente más una pieza de humor / cortometraje extendido a unos lánguidos 98 minutos. Pero si bien puede no ser su trabajo más vital o atractivo como resultado, ese ritmo deliberado y un enfoque opaco e independiente imbuye una perspectiva de la vida de Hollywood que es valiosa por ser rara vez vista. Estrella de cine Johnny Marco (Pueblo de Stephenf) no tiene éxito, ni está 'masticado por la máquina de Hollywood' o cualquier cliché. De hecho, Johnny tiene el tipo de estilo de vida que las aspirantes a estrellas de cine podrían considerar como una aspiración: vivir en el Chateau Marmont, viajar a Italia para apariciones en televisión, ordenar sexo de manera tan informal como pedir una cena, y aún así no está satisfecho. La vacuidad de su existencia es, sin duda, inmensamente #problemas del primer mundo, y ese ambiente de pobre-rico-rico contribuye a algunas apuestas desesperadamente bajas, solo parcialmente animadas por la llegada de su hija (un tremendo Elle fanning) y el amanecer gradual de una especie de autoconciencia. Pero a su manera, esta historia somnolienta y directa es una visión tan honesta como Coppola, un vástago de la realeza de Hollywood, puede hacer sobre su entorno enrarecido, y hay algo de compasión en su sugerencia de que la hierba puede ser más verde sobre esto. lado de la cerca, pero eso solo significa que vives tu descontento en un entorno más verde. Es una observación demasiado leve para colgar una película entera, y mucho menos una tan seria como esta, pero al menos es sincera.


'Barton Fink' (1991)
'¡Salve, César!' No es la primera vez que los Coen se han adentrado en los archivos de la historia de Hollywood en busca de inspiración: esta película ganadora de Cannes en 1991 se desarrolla en 1941 y sigue al delirante dramaturgo Barton John Turturro) a medida que se convierte en un guionista de Hollywood mientras intenta conservar la integridad creativa que erróneamente cree que posee. La imagen del clásico de Hollywood que los hermanos pintan aquí es más grande que la vida, especialmente como la representa el jefe de estudio Jack Lipnick (nominado al Oscar Michael Lerner) - pero también matizado. Claro, la industria es todo fanfarronería y falsedad, y claro, Lipnick intentará disfrazarse Wallace Beery lucha libre como una película de arte si logrará que Barton se alinee. Pero la falsedad se hace evidente desde el principio: es extrañamente honesto, especialmente en contraste con la variedad condescendiente y peligrosamente ajena a Barton. Después de todo, Hollywood sabe dónde encaja Barton, pero no comprende la importancia de su propia vida. No es el noble héroe que vive 'la vida de la mente'; Charlie (John Goodman) no es su compinche de buen corazón y tonto; JP MayhewJohn Mahoney) no es su mentor inspirador y Audrey (Judy Davis) no es su amante. 'Barton Fink' es excelente en muchas cosas: es una de las mejores películas de hotel, una de las mejores películas sobre el proceso de escritura y una de las mejores películas sobre autoengaño y curvas empinadas de aprendizaje. Casi por cierto, también es una de las mejores películas sobre Hollywood.

'El día de la langosta' (1975)
Tan desanimado como muchos derribos de Hollywood, tal vez ninguno se extravía tan profundamente en la pesadilla gótica expresionista total como John SchlesingerLa adaptación cinematográfica de Nathanael WestSe celebra la novela de 1939. Es menos una historia lineal que una confusión temporal de fragmentos reunidos alrededor de un triángulo amoroso perverso que involucra al director de arte novato Tod (William Atherton), una actriz manipuladora y aspirante que vive en su cuadra (Karen Black) y un contador reprimido sexualmente que es ingenuo en los caminos de Hollywood (Donald Sutherland) Ese personaje de Sutherland se llama Homer Simpson es solo una faceta más extraña y ligeramente distractora de una película en la que ya es difícil obtener algún tipo de compra emocional. Sin embargo, algunas de sus imágenes discordantes y semi-surrealistas son notables por su evocación de Hollywood Grotesque: la espeluznante estrella infantil aspirante canta canciones maliciosamente y simula una sexualización. Hay un oeste; el borracho de la actriz, el ex padre vaudeviliano, va de puerta en puerta haciendo trucos de magia para vender loción bronceadora; la propia actriz se enfada, preñe y se burla mientras se desliza inevitablemente hacia la prostitución. Pero para un moralismo contundente y desagradable, nada supera el momento en que un personaje mata a un niño frente a una multitud reunida para De mil estreno antes de que la mafia se vuelva hacia él y lo destroce. Sutil no lo es, pero esta película a menudo confusa evoca, así como la desesperación de los muchos que nunca disfrutan del centro de atención, sino que pasan sus vidas luchando infructuosamente por la oportunidad.


“A Star is Born” (1954) más “What Price Hollywood” (1932), “A Star is Born” (1937), “A Star is Born” (1976)
Hace mucho tiempo que hemos esperado otra iteración de esta historia ahora familiar: un joven ingenuo es tomado bajo el ala de una estrella de cine más vieja y abusiva de sustancias. Pero a medida que su carrera despega, la suya entra en declive, lo que pone tensión en su relación romántica y finalmente lo lleva a su suicidio. Es la clásica narrativa de negociar con el diablo transpuesta a Hollywood, y el hecho de que tuvo su primera encarnación en 1932 muestra cuánto tiempo Hollywood se ha considerado a sí mismo como el creador y el rompedor de sueños. George Sugar dirigió tanto 'What Price Hollywood' (que es un poco diferente, ya que la figura del mentor mayor es un director en lugar de un actor) y también la versión aún definitiva de 1954 con un regreso a su carrera Judy Garland y James Mason en los papeles principales. Es una gran porción de melodrama de Hollywood, bellamente interpretada y montada, aunque William WellmanLa iteración de 1937 también es excelente, aunque ligeramente menos brillante y grandiosa, con Fredric March y Janet Gaynor en los papeles principales. La última versión también es probablemente la menos:Frank PiersonEstrellas de cine de 1976 Barbara Streisand y Kris Kristofferson y se parece mucho al vehículo estrella para su protagonista que, según los informes, fue, pero también fue un gran éxito, y si la narración 'A Star is Born' nos ha enseñado algo a lo largo de las décadas, es que Hollywood realmente no preocuparse por todo menos el éxito.


'Estado y principal' (2000)
Cáustica e hilarante pero extrañamente cariñosa también, David MametEl 'Estado y Principal', terrible y desconcertantemente incomprensible (de ninguna manera la toma de esta película debería estar por debajo de los $ 10 millones en todo el mundo) es una evisceración inmensamente agradable de las fallas del sistema, que logra evitar el cinismo total de espíritu mezquino de otras sátiras de Hollywood. Tal vez sea por el diálogo inteligente, inteligente y no estrictamente naturalista de Mamet, o tal vez es porque el elenco del juego es tan bueno en ofrecer ese diálogo con gusto y calidez, pero 'State and Main' es la sátira rara que tiene dientes pero en realidad siente que le gustan sus personajes también. Bueno, algunos de ellos: Philip Seymour HoffmanEl guionista bloqueado es, tal vez como era de esperar, una muestra de simpatía y su potencial redentor: el dueño de una librería local extraña Rebecca Pidgeon - está encantadoramente fuera de lugar también. Pero incluso William H MacyEl personaje del director y las estrellas egipcias Alec Baldwin y Sarah Jessica Parker sentir más que solo cifras, no importa cuán petulante y mezquino sea su comportamiento. Quizás eso sea todo porque, en este envío divertido de Big Hollywood que desciende a carcajadas de un pequeño pueblo, todavía queda un poco de espacio, después de todo el drama, los propósitos cruzados y las maniobras, para una admisión que en realidad todo valió la pena. Ah, y Alec Baldwin se aleja de un automóvil que acaba de chocar y dice 'Entonces eso sucedió' es una de las mejores cosas de la historia.


'El panorama general' (1989)
Christopher GuestEl debut como director del largometraje, protagonizado por un punto perfectamente Kevin Bacon Como el galardonado estudiante de cine, demasiado ansioso por permitir que Hollywood corrompa su idealismo juvenil, puede ser leve, insustancial y demasiado dentro del béisbol, pero está lleno de pequeños placeres. Los innumerables cameos, a menudo sin facturar, son un dispositivo que funciona mejor aquí que en las películas posteriores de Guest cuando nos acostumbramos a esperarlos. En general, hay una frescura en la parodia / comedia del conjunto que le han faltado a sus salidas más recientes. Adicionalmente, JT Walsh y Jennifer Jason Leigh presenta actuaciones fuertes como un ejecutivo de películas y un amigo sufriente y excéntrico respectivamente, y mientras Martin ShortAgente smarmy y Teri Hatcher 'La intrigante estrella podría ser estereotipos, los actores los muerden con gusto. La película se siente como una sátira bastante suave ahora, tanto sugiere que Nick de Bacon es víctima de su propia arrogancia y ego como es presa de una máquina de Hollywood despreocupada, creativa y moralmente en bancarrota (aunque, ya sabes, eso también) Pero en el tiempo que supuestamente hizo Columbia ejecutivos, molestos por lo que vieron como una representación negativa, lo suficientemente nerviosos como para enterrar la película en un pequeño lanzamiento antes de pasar al video casero, lo que resultó en una pérdida bastante considerable. Es una coda irónicamente perfecta para una película que satiriza el negocio del cine en el que el director sufre cuando un director de estudio es derrocado, considerando David Puttnam, quien dio luz verde a la película, fue destituido como presidente de Columbia solo dos semanas después de que comenzara la producción.


'Hollywoodland' (2006)
La mayor crítica de Allen Coulter“S' Hollywoodland ', el otro película aparte de '¡Alabad al cesar!'Para presentar el programa de reparación de estudio Eddie Mannix (aquí interpretado por Bob Hoskins) en un papel clave, es inevitable para este tipo de hipótesis de misterio verdadero: la teoría o las teorías que presenta como las posibles soluciones al enigma de TV Superman George Reeves‘ (Ben affleck) la muerte misteriosa nunca puede probarse como verdadera o falsa, por lo que está destinada a ser al menos un poco insatisfactoria. Además, Coulter y escritor Paul Bernbaum trata de dar forma a la historia en una especie de misterio negro, agregando un gumshoe ficticio, Adrien BrodyLouis Simo, quien debidamente se 'obsesiona con el caso' y 'no se detendrá ante nada para encontrar la verdad'. Tales ideas genéricas muy gastadas subestiman la verdadera historia en la que se basa, y es una pena porque otros elementos son fuerte. Diane LaneLa actuación de la esposa tigresa de Mannix, que realmente tuvo una aventura con Reeves y que se cree que se mantuvo libre del escándalo resultante gracias a las maquinaciones de su poderoso esposo, es aguda e inteligente, y Hoskins hace un Mannix carismático y ambivalente. Pero realmente Affleck es el destacado, en un giro autorreflexivo como Reeves, una figura trágica atrapada por la persona que le trajo reconocimiento pero no respeto. El pobre George Reeves puede que nunca haya tenido otro papel decente, pero finalmente se convirtió en uno.


“LA Confidential” (1997)
Si alguna vez una novela se hubiera considerado 'no filmable', James Ellroy'Confidencial de Los Ángeles', una historia en expansión redactada en su marcada prosa crujiente y prosa, probablemente debería haber sido. Pero guionista Brian Helgeland y director Curtis Hanson tomó exactamente el enfoque correcto, que era interpretar el libro en lugar de adaptarlo, y el resultado es simplemente una de las mejores películas de los últimos veinte años, y una de las películas más impresionantes, atmosféricas y evocadoras jamás hechas por el negro. Menos involucrado con Hollywood de grandes estudios de cine y grandes estrellas (Lana Turner 'una breve aparición a un lado), la película tiene lugar entre los scrabblers, actores de televisión y prostitutas del siguiente nivel 'cortados para parecer estrellas de cine'. Y es una panoplia gloriosamente sórdida de personajes y temas de Los Ángeles de la década de 1950, desde la corrupción policial y la mafia , a anillos de prostitución y operaciones de picadura copatrocinadas por trapos de chismes. Es menos una representación de Hollywood que una sugerencia de cómo el mito de Hollywood es tan brillante y seductor que corrompe todo lo que toca, y que anidarse a la sombra de su signo icónico es un pozo negro de venalidad. Presentando Russell CroweRendimiento de ruptura, junto con Kim BasingerEs el mejor turno y Guy Pearce, Kevin Spacey y James Cromwell todo siendo típicamente brillante, 'L.A. Confidencial ”es quizás más impresionante por encarnar exactamente la paradoja de Hollywood que critica. Es una cínica historia de advertencia sobre la degradación moral y la fama de la fama de Los Ángeles de los años 50, que es a la vez tan sombríamente glamorosa que de alguna manera te hace desear vivir allí.

Como se mencionó, hay muchos cientos de películas sobre Hollywood, así que no te confundas si tu favorito no está representado arriba. O hazlo, pero hazlo en los comentarios. Mientras tanto, aquí hay una breve selección de títulos sugeridos para lecturas adicionales, algunos de nuestros favoritos que no hicieron el corte esta vez: 'Achicarse,' 'Insertos' 'Los mochileros' 'París cuando chisporrotea' 'Por tu consideración,' “En un lugar solitario” 'Quién mató a Roger Rabbit,' 'Lo malo y lo bello' 'Lo que le pasó a la bebé Jane' 'Sherlock jr' y 'La rosa púrpura de El Cairo'.



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