Las 15 mejores actuaciones cinematográficas de actores en 2019

Hubo un momento en la historia del cine cuando los actores masculinos se adhirieron a las expectativas tradicionales del estrellato: fanfarronería masculina, exceso de confianza, buena suerte cincelada que no se atreve a revelar un lado sensible. Según las mejores actuaciones de este año, ese tiempo se ha ido para siempre. Muchas de las mejores actuaciones masculinas del año revelaron personajes frágiles e inseguros que lidiaban con el mundo cambiante que los rodeaba, incluso si muchos de ellos provenían de estrellas de cine.



Esta vez el año pasado, había muchos actores famosos en el centro de atención. El mundo se desmayó por la trágica estrella de rock de Bradley Cooper, Jackson Maine, en 'A Star Is Born', mientras que Rami Malek superó las controversias de 'Bohemian Rhapsody' para convertirse en un favorito de los Oscar. Al mismo tiempo, los cinéfilos celebraron una de las mejores actuaciones de Ethan Hawke en 'First Reformed' y la progresión de Steven Yeun en un gran talento de actuación con 'Burning' de Lee Chang-dong.

En esta ocasión, los mejores momentos del año logran un equilibrio similar: dejando de lado los brotes y los roles de apoyo, los mejores hombres principales en pantalla este año empujaron sus talentos familiares en nuevas direcciones o tomaron el atisbo de talento visible del trabajo anterior y se transformaron en un plano superior de expresión creativa. Estas son las 15 mejores actuaciones cinematográficas de actores en 2019; para las mejores actrices del año, ve aquí.

Antonio Banderas, “; Pain and Glory ”;

'Dolor y gloria'

En “; Pain and Glory, ”; Banderas interpreta al cineasta Salvador Mallo, quien medica su depresión y dolor de espalda con un potente cóctel de analgésicos, alcohol y heroína mientras recuerda la historia de su vida en el cine. Banderas nunca ha dado una actuación como esta: íntima, sutil, emocional, sensible, receptiva. Pedro Almodóvar consideró a dos actores de respaldo porque no estaba seguro de que su viejo amigo fuera el adecuado para el papel. Banderas demostró que lo era.

Banderas tuvo problemas con su regreso a la actuación con su mentor después de 22 años con el psicotriller de 2011 “; The Skin I Live In. ”; Sin embargo, él ansiosamente asumió “; Pain and Glory, ”; interpretando al anciano autor español que le dio una plataforma de lanzamiento profesional con películas de los 80 como “; Labyrinth of Passion ”; y “; ¡Átame! ¡Átame! ”Se mantuvo alejado de imitar al director, pero está allí con el pelo de punta, las formas en que protege su espalda, la réplica de su hogar en Madrid e incluso algo de su propia ropa. Para una escena clave, el director sorprendió a Banderas y al coprotagonista Leonardo Sbaraglia, interpretando a ex amantes que no se han visto durante años, diciéndoles que tomen un beso tan erótico que los excite a ambos. Banderas se alejó de su carcaj de herramientas de estrellas de cine, en lugar de inclinarse por la fragilidad que le impidió sobrevivir a un ataque cardíaco leve hace dos años. Se arrojó a las manos de su director, y los resultados son mágicos. -A

Christian Bale, “; Ford v Ferrari ”;

En el centro de la percusión, el traqueteo de huesos, la intensa película de autos de carrera “; Ford v Ferrari ”; Son dos amigos y colaboradores de yin y yang que se necesitan mutuamente. El entretenimiento apretado, tenso y emocional de James Mangold coloca a los cinéfilos dentro del drama de la vida real detrás del piloto de carreras convertido en diseñador Carroll Shelby (Matt Damon) y el talentoso y herido conductor Ken Miles (Christian Bale) mientras construyen un radical, nuevo, duro y rápido auto de carreras (el GT-40) para Henry Ford II, todo para vencer a los corredores de Enzo Ferrari en la brutal carrera de 24 horas de Le Mans en 1966. Los ganadores del Oscar Damon y Bale juegan en lados opuestos del misma moneda: Shelby es el showman de Texas que puede encargarse de los trajes pero vive a través de su amigo, que no puede comprometerse en su búsqueda de la vuelta perfecta. Se mantiene fiel a sí mismo. Mangold, quien trabajó con Bale en '3:10 to Yuma', sintió que el papel era cercano en muchos aspectos a Bale, que es un hombre de familia. Llegó a llenarse de ideas y energía, inspirando a sus compañeros de reparto.

'Ford v Ferrari'

Fox

Las escenas tranquilas entre Miles y su pequeño hijo (Noah Jupe) centran la película y apuntalan todas las escenas de la carrera por venir. 'Ford v Ferrari' trenza los momentos íntimos con la acción; cuidar a Miles te hace enamorarte de él mientras conduce, hablando a través de las curvas de la prueba de resistencia de Le Man. Bale modeló su acento en el vecindario de West Birmingham en el Reino Unido donde Miles creció, y llevó una lista de palabras del área para arrojar en el automóvil. No estaban en el guión. El resultado de la carrera de Le Mans en la película es cierto: hay muchas fotos de él. La creatividad, la masculinidad y el espíritu rebelde de Bale impulsan la película y hacen llorar al público. -A

Adam Driver, “; Historia de matrimonio ”;

'Historia de matrimonio'

la película de la hora de los niños

Netflix / captura de pantalla

Por el momento “; Historia de matrimonio ”; golpeó Netflix, la exageración que rodea la interpretación de Adam Driver del número de Stephen Sondheim “; Being Alive ”; ya había llegado a la estratosfera. Y sí, esa actuación tardía en el tercer acto, cuando el director de teatro experimental de Driver, Charlie, toma el micrófono en el restaurante de lujo clásico de Nueva York, el Knickerbocker, ciertamente muestra mucho sobre su talento, una capacidad para parecer reservado y animado a la vez, a fuego lento. emociones y todavía de alguna manera encajonados. Para entonces, sin embargo, Driver ya ha entregado su mejor actuación hasta la fecha, ya que el personaje se abre paso a través de la tumultuosa disolución de su matrimonio y llega a la conclusión de que es culpa suya.

Driver le da a Charlie una obstinada obstinación en las escenas anteriores de la película, mientras lidia con la decisión de su esposa Nicole (Scarlett Johannson) de poner fin a su relación y buscar la custodia de su hijo. Pero el actor transmite una evolución sutil de una escena a otra, ya que la resolución poco práctica de Charlie da paso al frágil ser que se encuentra debajo de la superficie, y sus frustraciones a fuego lento estallan en una pelea por las edades que concluyen con el hombre adulto derrumbándose en lágrimas. Cuando Charlie finalmente pierde la calma, Driver desata una especie de intensidad brutal que incluso puede sacudir los nervios de Kylo Ren. El actor siempre se ha destacado en proyectar una armadura pasivo-agresiva, pero “; Marriage Story ”; profundiza ese potencial al inyectarlo con un esmalte naturalista. Después de tres colaboraciones previas con Baumbach, la química actor-director no pudo ser más claramente definida, como “; Marriage Story ”; aprovecha todas las facetas de las fortalezas creativas de Driver y rsquo; para amplificarlas de una manera completamente nueva. Él es una revelación. —EK

Leonardo DiCaprio, “; Érase una vez en Hollywood ”;

“Érase una vez en Hollywood”

Un Cooper / Sony / Columbia / Kobal / Shutterstock

Durante una carrera de casi tres décadas, DiCaprio nunca se ha acercado en lo más mínimo a enfrentar el tipo de irrelevancia que se cierne sobre el desvanecimiento del estrellato de Hollywood de Rick Dalton. Pero cuán perfectamente captura ese sentimiento de desesperación en la carta de amor de Quentin Tarantino a una industria que ya pasó. Rick vacila entre la vanidad y la autocompasión mientras reflexiona sobre una oferta para revivir su carrera protagonizando spaghetti westerns mientras se convierte en un villano en una nueva serie de televisión. Siguen muchas escenas excelentes: el ritual de Rick de ensayar sus líneas mientras descansa en una balsa en su piscina; su conversación sobre actuar como oficio con Trudy Styler (Julia Butters) de ocho años; agregando su comentario mientras ve un episodio de otro programa en el que interpreta a un villano, “; FBI, ”; con su especialista Cliff (Brad Pitt); abordando a un grupo de hippies, licuadora en mano, que han conducido su disco privado. Debido a la falta total de ironía de DiCaprio al interpretar a esta estrella de televisión desvaída, vienes a invertir tanto en él, es tan comprometido y sincero como cualquier actuación que haya dado. DiCaprio deja tal huella que te deja incluso pensando que Rick es un buen actor. Y él ni siquiera necesitaba comer hígado de bisonte para hacerlo. —CB

Jimmy falla, “; El último hombre negro en San Francisco ”;

'El último hombre negro en San Francisco'

'El último hombre negro en San Francisco' es Jimmy Fails ’; historia, y rsquo; es fácil ver cómo, en retrospectiva, habría sido un error traer a un actor con más experiencia para anclarlo. Donde un actor con “; mayor alcance ”; podría estar buscando una motivación de trama más concreta, hay una pureza de propósito y una cadencia de hecho que falla y rsquo; lleva a su búsqueda quijotesca para recuperar (y mantener) el hogar de su familia y, en última instancia, su ciudad, en el corazón de lo que hace que la película funcione. Es una actuación profundamente sentida, una en la que puedes sentir Fails, junto a su co-creador Joe Talbot, casi dirigiendo la película. Los ritmos del elenco de apoyo están en sintonía con la entrega de Fails, la belleza caprichosa de la fotografía de Adam Newport-Berra de la ciudad es la lente a través de la cual nuestro héroe la ve, el tono melancólico está escrito en su rostro con una reacción desgarradora. disparos La dolorosa historia de “; renovación urbana ”; recibe una historia personal a través de “; Last Black Man, ”; lo que hace una elección inteligente al no poner un filtro entre su corazón y la audiencia. Colorado

Song Kang-Ho, “; Parásito ”;

'Parásito'

Neón

Los momentos más crudos y electrizantes en una actuación de Song Kang-ho tienden a encontrarse en los estados de transición entre las emociones, o en los espacios liminales donde se superponen, cuando la felicidad se funde en horror o el deber es salado con venganza, lo que ayuda a explicar por qué el cineasta más elástico del mundo apenas puede hacer una película sin él.

“; Parásito ”; es la cuarta colaboración de Song ’; dobladora de género con Bong Joon Ho, pero ninguno de sus extraordinarios esfuerzos previos (“; Memories of Murder, ”; “; The Host, ”; y “; Snowpiercer ”;) han sido tan dependientes de la capacidad del actor de ocupar varios espacios diferentes a la vez, ni tan informada por el inestable conflicto de sí mismo de su personaje. Song interpreta a Kim Ki-taek, el patriarca de una familia pobre de Seúl cuyas fortunas comienzan a cambiar cuando, uno por uno, cada uno planea su empleo para ser empleado por la familia de nuevos ricos que vive en la colina. La tragicomedia violenta que estalla a partir de ahí cuenta con un conjunto tan profundo como cualquier (y todas) películas que Bong haya hecho, pero Song es el corazón roto de la historia. —DE

George Mackay, “; 1917 ”;

“1917”

Si la ambiciosa epopeya de guerra de una sola toma de Sam Mendes está destinada a convertir a un jugador en una estrella, es George MacKay, quien durante mucho tiempo ha sido lo mejor en una serie de películas mucho más pequeñas (desde la triste y ldquo; Ophelia ”; a lo oculto “; Marrowbone ”;). Lance Corporal Schofield, cansado de la guerra, es el papel más adulto que el actor británico ha jugado hasta ahora, pero que se basa en sus ojos de cachorro para vender aún más el gran horror de la Primera Guerra Mundial y los muchos jóvenes que robó del mundo. Inicialmente resistentes a la loca misión, a él y al cabo Lance Corporal Blake (Dean-Charles Chapman) se les asigna al comienzo de la película: uno tiene la sensación tanto de las sugerencias escritas como del maravilloso rendimiento físico de MacKay de que él emprendió ideas tan locas antes, y sabe cómo tienden a terminar: su Schofield pronto se ve empujado a un servicio aún mayor que Blake. Si Blake, con cara de bebé, es el corazón de la película, es MacKay quien emerge como su alma valiente y fracturada. MacKay podría ser nuestro próximo gran protagonista, pero su trabajo en '1917' presenta el sólido argumento de que ya llegó a ese nivel enrarecido. —KE

Eddie Murphy, “; Dolemite es mi nombre ”;

'Dolemite es mi nombre'

Netflix

Hay ciertas estrellas que, cuando entran en la pantalla, aportan una presencia y familiaridad que va más allá de cualquier papel. Eddie Murphy ha estado ocultando ese encanto desviado de disparar desde la cadera, calificado como R que lo convirtió en su estrella desde hace años a través de películas para niños y el papel dentro de un papel de “; Bowfinger. ”; No es simplemente agradable tenerlo de vuelta en “; Dolemite, ”; y para ver que todavía lo tiene mucho y ldquo; it, y rdquo; pero para presenciar cómo usa ese poder estelar para dar vida al espíritu audaz de Rudy Ray Moore. Es una actuación llena de amor y reverencia, no solo para el viejo amigo de Murphy, Moore, sino también para los esfuerzos creativos en general. Con la ayuda de los disfraces de Ruth Carter, Murphy habita en el personaje de Moore desarrollando su propio personaje de actuación. Es una película biográfica que no necesita el trágico giro a la izquierda para explorar el peligro del éxito, y en su lugar celebra, en gran parte a través de Murphy / Moore, que pone su atención en el elenco de apoyo, especialmente Da'Vine Joy Randolph, al revelar a la bella talento performativo en personas que no esperan ser estrellas. Colorado

Matthew McConaughey, “; The Beach Bum ”;

“El vagabundo de la playa”

Neón

Por supuesto, no es el tipo de papel que alguna vez recibiría reconocimiento de premios, pero en un mundo mejor sería: Matthew McConaughey ’; s “; Moondog ”; no tiene ningún objetivo en particular que esté tratando de perseguir, ningún obstáculo real que quiera superar, ninguna importancia importante. a la historia o interés en el cambio social; de hecho, se requiere muy poca transformación del propio McConaughey para interpretarlo. Pero este poeta bronceado que absorbe la vida en Miami y los Cayos de Florida en toda su gloria surrealista es más que un personaje: es una cosmovisión andante, un repudio de la personalidad Tipo A hecha carne, un profeta de dejar que la vida te suceda. en lugar de estar siempre en el asiento del conductor.

No pasa poco en la última obra maestra de Florida de Harmony Korine: suceden muchas cosas con las que Moondog tiene que lidiar, incluida una herencia inesperada, un premio literario aún más inesperado, y el encuentro sangriento e hilarante de Martin Lawrence con un tiburón. McConaughey saluda a todos estos desarrollos en esta picaresca empapada de Coppertone casi de la misma manera cada vez, con la boca ligeramente abierta, los hombros temblando como si estuviera a punto de caerse de una viga de equilibrio, una risa espacial brotando de su garganta. Él ’; s círculo completo a David Wooderson en “; Dazed and Confused ”; pero sin siquiera una pista de la amenaza o vanidad latente de ese personaje: Moondog es el ideal platónico de un personaje de McConaughey. —CB

Andre Holland, “; High Flying Bird ”;

'High Flying Bird'

Netflix

El drama deportivo dirigido por Steven Soderbergh brindó una oportunidad de protagonista muy esperada para Andre Holland, subutilizado y súper talentoso, que ofrece una actuación dinámica. Holland tuvo su gran oportunidad interpretando a un personaje secundario en la serie de televisión Cinemax de Soderbergh “; The Knick, ”; pero en 'High Flying Bird', es completamente su espectáculo, y lo aprovecha al máximo. Es una actuación de George Clooney-esque 'Ocean’s 11', imbuyendo a su personaje con un tipo de encanto astuto similar. El guión turboalimentado y lleno de diálogos de Tarell Alvin McCraney le da al talentoso elenco de la película, liderado por Holland como un agente hábil y de habla rápida, mucho para masticar. Holland generalmente interpreta a personajes bastante moderados, por lo que este fue un cambio emocionante para él, y parece que está teniendo el momento de su vida como decisivo y feroz de la manera menos pretenciosa. Está claramente en control de cada momento, ofreciendo una actuación en capas con ritmos casi perfectos. El público rara vez llega a verlo desatado así, y es todo un espectáculo para la vista. Exige repetidas visitas y muestra por qué ya es considerado uno de los mejores actores de su generación. -A

Robert Pattinson, “; High Life ”;

'Alta vida'

Una actuación tan enroscada y oculta como la que encontrará este año, Robert Pattinson todavía arde con intensidad como Monte, un recluso condenado a cadena perpetua trabajando a bordo de una prisión en el espacio profundo. Claire Denis dirige cada disparo con un nivel de precisión tan alto, en sus encuadres, el bloqueo de los actores y sus actuaciones altamente controladas, que la sensación es de falta de aire y claustrofobia, un ambiente sofocante perfectamente adecuado tanto para un submarino. Odisea del espacio de estilo y la historia de la prisión. Pattinson está en Denis y rsquo; longitud de onda fría: lo conocemos principalmente a través de su aislamiento de otros personajes (se niega a ser tocado) y la obsesiva similitud de su rutina diaria, incluido el disparo tras disparo del meticuloso ritual de afeitado de Monte (con un filo en lugar de una navaja de afeitar real). Este es un personaje que se define a sí mismo como remoto, y sin embargo, su arco conmovedor lo coloca en el camino hacia ser un cuidador, algo que Pattinson transmite por completo a través del compromiso de Monte ’; proceso y rutina, y las variaciones que inevitablemente ocurren. Donde todo termina es como una versión más misteriosa de “; Interstellar, ”; pero también uno mucho más emocional. —CB

Joaquin Phoenix, “; Joker ”;

'Bufón'

Warner Bros.

Me encanta u odio, y ldquo; Joker ”; ha provocado más debate que cualquier otra película lanzada este año. Sin embargo, es difícil imaginar a Todd Phillips y rsquo; arenosa historia de origen de supervillano que genera tanta atención sin la actuación de pesadilla en su centro. Como Arthur Fleck, el inquietante habitante de Gotham que se enfrenta a una mezcolanza de enfermedades mentales y reveses profesionales, Phoenix canaliza algunas de sus mejores actuaciones en la memoria reciente, de “; The Master ”; a “; Usted nunca estuvo realmente aquí ”; - convertirse en un hombre definido por las fuerzas oscuras que lo consumen desde todas las direcciones.

Alternativamente sometido y extravagante, horrible e hilarante, Phoenix baña a Fleck en contradicciones que definen el tono inquietante de la película; más que eso, entrega todo su cuerpo al papel con un tipo singular de compromiso rara vez visto en el cine estadounidense. Su cuerpo delgado sugiere una criatura del expresionismo alemán que se adentra en el medio urbano de 1980, luchando por darle sentido al mundo que lo rodea y finalmente se rinde. Viendo “; Joker, ”; uno no puede negar la sensación de que Phoenix ha hecho más que enfrentarse a un personaje de cómic sobreexpuesto con aplomo; él está reinventando al Joker desde cero. El actor ha logrado habitar la psique del Joker, arrastrando una figura de la cultura pop a la Tierra y haciéndolo parecer real. Es un logro transgresor que convierte esta controvertida película en un escaparate de actuación para todas las edades. —EK

Brad Pitt, “; Ad Astra ”;

'Ad Astra'

“; Ad Astra ”; comienza con el Mayor Roy McBride de Brad Pitt, disfrutando de un muy especial 'yo' rdquo; tiempo en su lugar feliz muy por encima de la Tierra. A su manera tranquila, él es tan parodia de la masculinidad como Tyler Durden; el héroe perfecto para una película que está menos atormentada por la inmensidad del espacio que por la pequeñez del hombre. Pitt comprende la parte de sus huesos y ofrece una actuación que convierte la pasividad en una forma letal de defensa personal. El actor es un vacío en sí mismo, y usa el tipo de expresión vacía y contenta que haría que Tyler Durden quisiera golpearlo en su rostro perfecto. Y luego Roy cae a la Tierra. Una sobrecarga eléctrica masiva y misteriosa hace que la antena se vuelva loca, y todos los que están parados son arrojados (afortunadamente, con un paracaídas). Es un microcosmos perfecto para el futuro de la película: cuanto más viaja Roy al espacio exterior, más cerca se desploma de su casa. Incluso cuando se ve a través de los ojos de Pitt, la acción parece que le está sucediendo a otra persona. Cada parte del viaje de Roy se borra a sí misma: cada paso que da en los pasos de su padre lo aleja aún más de convertirse en su propio hombre. —DE

Ashton Sanders, “; Hijo nativo ”;

'Hijo nativo'

HBO

Aston Sanders solo lleva la película de Rashid Johnson en cada escena. La película le encomienda dirigir una versión moderna del antihéroe literario Bigger Thomas a través de un terreno muy complejo e inquietante. Como héroe en la provocativa novela de Richard Wright de 1939, Bigger es demasiado abstracto para su propio bien. Pero el guión de Johnson, con Sanders, en el papel, hace mucho trabajo pesado para tratar de completarlo.

Si bien la película en sí no siempre se mantiene unida, la actuación emocionalmente rica de Sanders ayuda a mantenerla cautivadora durante todo el tiempo. Hace que la situación difícil de Bigger sea relatable, ya que el público siente su ansiedad, temor y exasperación con el mundo que lo rodea. La forma en que el actor puede contar gran parte de la historia del personaje a través de expresiones faciales y gestos sutiles, portándose con cierto arrogancia autoritaria, a pesar de un físico tan delgado e incluso débil, es fascinante de ver. Sanders convierte la novela de Wright en un retrato singular de por qué es un talento tan tremendo en la pantalla. Es una actuación de la joven ruptura de 'Moonlight' que, al igual que lo que hizo en esa película ganadora del Oscar, perdura mucho después de que salgan los créditos. -A

Adam Sandler, “; Gemas sin cortar ”;

'Gemas sin cortar'

Adam Sandler ha encarnado muchas figuras desagradables y absortas a lo largo de los años, pero con “; Gemas sin cortar, ”; él interpreta al personaje más despreciable en una carrera de 30 años. El seguimiento de los directores Joshua y Benny Safdie a “; Good Time ”; está en la misma longitud de onda: abrasiva, desquiciada, impulsada por un borrón de movimiento y ruido insoportable. También es un fascinante acto de alto cable, que combina imágenes cósmicas con la energía arenosa de un thriller psicológico oscuro y repentinos estallidos de comedia frenética, y es la primera película que realmente se comunica con las fortalezas performativas de Sandler desde “; Punch -Drunk Love. ”;

Tome la frenética saga de Howard Ratner, un joyero que habla rápido y siempre persigue el próximo gran puntaje, agregue algunas frases de bajo perfil y “; Gemas sin cortar ”; podría haber funcionado bien como uno de esos yukfests Happy Madison de finales de los noventa, intercalados en algún lugar de “; The Waterboy ”; y “; Big Daddy ”; En cambio, actualiza la personalidad de Sandler a un entorno más creíble, intensificando sus características más agresivas incluso cuando le da espacio para encontrar alguna medida de alma. Sandler siempre se ha destacado por hacernos simpatizar con los reprobados, pero las películas a menudo luchan por mantenerse al día. “; Gemas sin cortar ”; llega a la esencia del genio que se ha estado ocultando a la vista todo el tiempo. —EK



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